huge stairways down to the ocean

The Social Network (David Fincher, 2010)

2010-10-10T22:03:00.016+02:00

Wenn man an David Finchers Hollywood-Romantisierung der Gründungsgeschichte von Facebook etwas aussetzen kann, dann ist es eben das: Hollywood-Romantisierung. Oder, wenn man so will, Hollywood-Zynismus. Man braucht sich nichts vormachen: Ruhm, Reichtum und Erfolg werden wie eh und je mehr fetischisiert als reflektiert, Ambivalenz erscheint mehr als Strategie zur Maximierung der Breitenwirkung als zur narrativen Offenheit, und zugunsten der nötigen dramaturgischen punches schreckt man vor dem Wühlen in klassischen Genretopoi und -klischees nicht gerade zurück. Das hätte in aalglatter Langeweile enden können, doch was The Social Network an Überraschungen und subversiven Untertönen fehlt, das macht es durch schiere Kunstfertigkeit wieder wett.

Nicht nur Aaron Sorkins (A Few Good Men, The West Wing) durchwegs cleveres und pointiertes Skript sorgt dafür, dass das Filmgeschehen stets vergnüglich, fesselnd und interessant bleibt, auch visuell ist The Social Network ein wahrer Genuss. Fincher mag sein exzentrisches braun-gelb-grünes Farbschema seit Alien 3 nicht geändert haben, aber sein Umgang mit Komposition und Rhythmus ist mittlerweile so virtuos, dass er sich sogar technische Kunststücke wie eine spekatuläre Tilt-Shifting-Regatta-Sequenz oder ein digital erstelltes Zwillingspaar erlauben kann, ohne dass es gimmickhaft wirkt. Einen großen Anteil am Rythmus und der Energie des Films hat auch der fantastische Score von Trent Reznor und Atticus Ross mit seinen mal kühlen elektronischen, mal verzerrt-kraftvoll brodelnden, mal sanft melancholischen Klängen.

Und abgesehen von den formalen Stärken von The Social Network ist es interessant, einen Film zu sehen, der im Wesentlichen den Formalien des Hollywood-Biopic entspricht, sich aber aktiv bemüht einen aktuellen Zeitgeist und neue wirtschaftliche und soziale Modelle einzufangen, anstatt vergangene Jahrzehnten und Jahrhunderte nach historischen Umbrüchen und einflussreichen Persönlichkeiten zu durchwühlen.

Foto: Merrick Morton - © 2010 Columbia Tristar Marketing Group, Inc. (Quelle: IMDB)

Kristallkugel: Mein Metacritic-Voraussagen für den Videospiel-Herbst

2010-09-26T19:15:00.004+02:00

Auf NeoGAF hatte jemand die im Grunde vollkommen sinnlose und bescheuerte, aber irgendwie doch witzige Idee, einen Thread mit Metacritc-Vorhersagen zu eröffnen. Da der kommende Herbst so voll mit spannenden Videospiel-Releases ist, habe ich mich entschlossen, ebenfalls meine Kristallkugel anzuwerfen und ein paar Tipps abzugeben, zumindest für die Titel, die mich persönlich interessieren.

Um es klar zu machen: Die folgenden Vorhersagen spiegeln nicht meine persönlichen Erwartungen wider, sondern ausschließlich den geschätzten Metacritic-Score - wie bei einer Wette. Es geht dabei eher um die allgemeine Vorhersehbarkeit der Videospielpresse, als um den tatsächlichen Wert der Spiele.

Wenn es mehrere sich voneinander unterscheidende Versionen gibt, ist in Klammern die angeführt, die ich meine.

Epic Mickey: 83
Donkey Kong Country Returns: 87
Rock Band 3 (PS3/360/Wii): 92
Sonic Colours (Wii): 79
Sonic The Hedgehog 4: Episode 1: 77
Fallout: New Vegas: 84
GoldenEye 007 (Wii): 85
Kirby's Epic Yarn: 82
Need For Speed: Hot Pursuit (PS3/360/PC): 86

Ddongpari / Breathless (Yang Ik-Joon, 2009)

2009-10-27T17:24:00.002+01:00

Mein erster Film auf der diesjährigen Viennale (von der Retrospektive abgesehen) kommt aus Südkorea, einem Land, dem ich seit einiger Zeit so gut wie blind vertraue, wenn es um Filme geht. Und daran ändert sich auch mit Ddongpari nichts.

Es handelt sich um das Regiedebüt von Yang Ik-Joon, der auch produziert, das Drehbuch geschrieben und die Hauptrolle übernommen hat, und ist die Geschichte eines extrem bösartigen und gewalttätigen Geldeintreibers und seiner bizarren Freundschaft zu einem jugendlichen Mädchen. Von der ersten Szene an ist klar, dass der Film in einer brutalen, unmenschlichen Welt spielt, voll mit Menschen, die unter ihren Lebensumständen leiden und den dadurch ständig präsenten Schmerz, Frust und Druck durch Gewalt an anderen ablassen - ein unendlicher Zyklus, der alle Lebensbereiche durchdringt. Passend dazu zeigt die Kamera raue, verwackelte Bilder und Filmmusik wird sehr sparsam eingesetzt, um die seltenen zärtlichen Momenten hervorzuheben.

Trotzdem ist Ddongpari (wörtlich übersetzt bedeutet der Titel übrigens "Dungfliege") eine emotionale, charakterbasierte Geschichte, und tappt dabei in die ein oder andere Klischee- bzw. Konventionsfalle hinein. So kann man sich nach der ersten halben Stunde den restlichen Plot des Films im Groben ausrechnen, und einige Sequenzen wie Rückblenden werden etwas unsubtil und einfallslos umgesetzt. Von diesen paar Stolpersteinen abgesehen kann der Film im Großen und Ganzen jedoch durchgehend mitreißen, vor allem dank der starken Performances und Dialoge, in denen zwischen Fluchtiraden im Maschinengewehrtakt auch immer wieder subtiler Humor durchblitzt.

Requiem For A Dream (Darren Aronofsky, 2000)

2009-09-10T11:39:00.004+02:00

Spoiler voraus.

Da wir den September 2009 schreiben und somit bald nicht nur eine Liste der Lieblingsfilme des Jahres, sondern auch des Jahrzehnts ansteht, habe ich begonnen, mir wichtige Filme der "Naughties" vorzunehmen, die ich bis jetzt versäumt hatte. Einer dieser Filme ist Darren Aronofksys Requiem For A Dream, den ich mir vorgestern also zum ersten Mal angesehen habe. Von seinen Nachwirkungen habe ich mich noch immer nicht ganz erholt.

Dass der Film mich doch derartig beeindrucken konnte, ist bemerkenswert angesichts dessen wie viel ich im Vorfeld bereits über ihn wusste. Sogar die berüchtigte Höhepunktsequenz kannte ich bereits aus einer Lehrveranstaltung (der Kontext war sowas wie: "Jep, die Schnittfrequenz in Hollywoodfilmen ist heute höher als vor sechzig Jahren."). Aber die gnadenlose Konsequenz, Radikalität und spürbare Wut und Leidenschaft des Filmemachers hat mir dann doch imponiert.

"In the end it's all nice", sagt die von Ellen Burstyn gespielte Sara Goldfarb in den ersten Minuten, bevor der Titel des Films auf sie niederrummst wie ein tonnenschweres Stahltor. Wie eine schneidge, gut geölte Maschine dreht der Film seine Figuren durch den Fleischwolf, bis jede von ihnen in ihrer persönlichen Hölle gelandet ist. Dann lässt er den Abspann laufen. Keine Erlösung. Are you not entertained?

Von manchen Seiten wurde Aronofsky für seine Inszenierung als zynischer Formalist gebrandmarkt, was in meinen Augen ein Missverständnis ist. Die Inszenierung ist eine hochgradig zynische, ja, aber erst dadurch charakterisiert sie überhaupt die Welt und Gesellschaft, die sie angreift, in all ihrer Brutalität und Falschheit. Natürlich könnte man das als simplifiziert bezeichnen - ich bezeichne es als fokussiert. Die Form ist hier Ausdruck, nicht Blendwerk.

Aber ebenso ist es zu kurz gedacht, Requiem For A Dream als neunzigminütigen "Drugs are bad"-Spot wahrzunehmen, auch wenn er als solcher sicher verdammt gut funktioniert. Im Kern geht es gar nicht um Drogen, diese sind lediglich ein Symptom. Es geht um Versprechungen des schnellen Glücks im Allgemeinen, sei es durch Drogen, durch das Fernsehen, durch Konsum, durch Diäten, durch wirtschaftliche Selbständigmachung. Es geht um eine Gesellschaft, die auf dem Versprechen basiert: "Wenn du diese eine Sache erst einmal getan hast, wird für immer alles anders", und wie auf diese nur der totalen Ausbeutung dienenden Lüge konsequent zu folgen letztendlich in eine Katastrophe führen muss.

Natürlich ist es nicht die originellste oder komplexeste Botschaft. Die verlogenen Mechanismen des "American Dream" zu kritisieren, war vermutlich schon ein ausgelutschtes Thema, als 1978 Hubert Selbys Buchvorlage zu dem Film erschienen ist. Aber wen interessiert schon, was ein Künstler zu sagen hat? Wie er es sagt, darum geht es. Und das "wie" in Aronofskys Requiem For A Dream muss man einfach erlebt haben.

Oh, und Clint Mansells Score? Hammer.

Morrissey im Gasometer

2009-07-13T19:40:00.003+02:00

Das hätte ich ja auch nicht gedacht, dass ich mal ein Morrissey-Konzert erleben würde, aber letzten Samstag war der Oscar Wilde der Popmusik tatsächlich in Wien, ganz ohne auf einem Festival zweite Geige für Muse oder Wir sind Helden spielen zu müssen. Angeblich wollte er in der Arena nicht auftreten, aufgrund ihrer Vergangenheit als Schlachthof - so gab es dort eben David Byrne zu sehen, während Mozzer den Gasometer bespielte.

Alles an dem Abend war extrem pünktlich, die Vorband Doll & The Kicks begann schon zu spielen, bevor wir überhaupt noch in der Halle waren, und auch Morrissey selbst war schneller auf der Bühne als man "Why pamper life's complexity when the leather runs smooth on the passenger seat?" sagen konnte. Sehr schön war auch das Intro: Statt dass beim Bühnenumbau zwischen Vorband und Hauptact öde Hintergrundmusik vom DJ aufgelegt wurde, gab es Filmausschnitte zu sehen wie eine Pressekonferenz mit Lou Reed oder einen Fernsehauftritt der New York Dolls - ein tolle Einstimmung.

Schließlich fiel der Vorhang und Morrissey eröffnete mit einer rockigen Version von This Charming Man. Ein passender Einstieg, denn der Anteil an Smiths-Songs war erfreulich hoch, wenn auch vielleicht etwas ungleich verteilt - im ersten Drittel war fast jedes zweite Lied ein Smiths-Klassiker, was ein wenig zu einem "Pulver zu früh verschossen"-Effekt führte. Das letzte Drittel war für mich eine leichte Durststrecke, und die Zugabe First Of The Gang To Die konnte nach den Hämmern vom Anfang dann auch niemanden mehr vom Hocker reißen.

Die komplette Setlist:

* This Charming Man
* I Just Want to See the Boy Happy
* Black Cloud
* How Soon Is Now
* Irish Blood English Heart
* Ask
* I'm Throwing My Arms Around Paris
* Girfriend In A Coma
* When I Last Spoke To Carol
* Why Don't You Find Out For Yourself
* Some Girls Are Bigger Than Others
* Let Me Kiss You
* One Day Goodbye Will Be Farewell
* Life Is A Pigsty
* The World is Full of Crushing Bores
* Sorry Doesn't Help
* Please Please Please Let Me Get What I Want
* The Loop
* I'm O.K. By Myself
* (Zugabe) First Of The Gang To Die

Die Strecke How Soon Is Now - Irish Blood English Heart - Ask darf wohl zumindest für mich als eindeutiger Höhepunkt bezeichnet werden, besser wurde es dann einfach nicht mehr.

Ein wirklich schöner Moment war, als Morrissey von einem weiblichen Fan eine alte Vinyl-Single in die Hand gedrückt bekam. Es handelte sich um eine wirkliche Obskurität: ein portugiesischer Druck von Pomme Pomme Pomme von Monique Melsen - das Lied Luxemburgs für den Eurovision Song Contest 1971 und Morrisseys Lieblingssong. Da war er sichtlich beeindruckt und gerührt.

Ingesamt hat man zwar gemerkt, dass Morrissey vom Touren ziemlich erschöpft ist, eine gute Show hat er dennoch geboten. Am Ende meinte er nur noch "Thank you for your patience... We've been throught 58 countries in two weeks. I'm just glad I made it through the night without any reference to that horrible song by Ultravox." Jep, das ist mal Lokalbezug mit Stil.

Banshun / Später Frühling (Ozu Yasujiro, 1949)

2009-05-21T13:51:00.004+02:00

In den 108 Minuten von Banshun passiert auf der puren Plotebene so gut wie nichts: Eine 27-jährige Frau lebt mit ihrem Vater zusammen. Ihr Vater und ihre Tante drängen sie zu heiraten. Sie heiratet. That's it. Keine Verwicklungen, keine Missverständnisse, keine Nebenstränge. Abgesehen von vielleicht einem Detail, aber das möchte ich hier nicht vorwegnehmen.

Nach Tokyo Monogatari (Die Reise nach Tokio) ist Banshun der zweite Film vom neben Kurosawa vielleicht größten japanischen Regisseur Ozu, den ich gesehen habe. Und ich merke bereits, seine Filme haben einen ganz eigentümlichen Rhythmus und eine Art des Erzählens, wie sie mir bisher in der Form eigentlich so gut wie noch nie untergekommen ist. Sehr gewöhnungsbedürftig, weil extrem langsam, zurückhaltend und subtil, aber auch durchaus lohnend und auf eine Art befreiend.

Es war die Schlussszene dieses Films, die mich endgültig von Ozu überzeugt hat. Eine der brilliantesten, schönsten und bewegendsten Schlussszenen, die ich je in einem Film gesehen habe. Und auch hier kann ich erzählen, was darin passiert, ohne irgendetwas zu ruinieren: Ein Mann schält einen Apfel. Und es ist großes Kino.

Ich war mir zum Schluss nicht ganz sicher, ob Ozu den im Film gezeigten Prozess verurteilt oder ihn als zwar schmerzhaft aber notwedig verteidigt. Jedenfalls sähe der Film wohl anders aus, wenn Mizoguchi ihn inszeniert hätte, der immer wieder sehr deutlich die Rolle der Frau in der japanischen Gesellschaft kritisiert hat. Vielleicht kann man Ozu auch einfach nicht auf diese Weise interpretieren, sondern muss etwas tiefer in der japanischen Mentalität graben - immerhin wird Ozu immer wieder als "japanischster aller Filmemacher" bezeichnet. Es gibt da beispielsweise den Begriff mono no aware, der oft mit ihm in Zusammenhang gebracht wird und eine Art ruhiges, melancholisches Bewusstsein der Vergänglichkeit der Dinge beschreibt. Damit kommt man der Sache wohl schon näher.

Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008)

2009-05-12T23:12:00.003+02:00

Charlie Kaufman ist mit seinen ungewöhnlichen Drehbüchern (Being John Malkovich, Adaptation, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) seit Jahren eine feste Größe im amerikanischen Film. Mit Synecdoche, New York hat er nun nicht nur sein neuestes Skript, sondern auch gleichzeitig sein Regiedebüt vorgelegt.

Das Ergebnis ist wie von Kaufman gewohnt ein Labyrinth aus mehreren Realitätsebenen und beschäftigt sich dabei mit Themen wie Kunst, Beziehungen und dem Älterwerden. Im Mittelpunkt steht der Theaterregisseur Caden Cotard, gespielt von Philip Seymour Hoffman, der nach dem Gewinn eines hoch dotierten Preises ein monumentales Stück inszenieren will und dazu über Jahrzehnte hinweg einen ganzen New Yorker Stadtteil in einer riesigen Lagerhalle originalgetreu nachbauen lässt.

Beim Ansehen des Films habe ich allerdings etwas bemerkt, was ich für mich persönlich mal "Woody Allen-Syndrom" nennen möchte, nämlich dass mir bestimmte Kaufman-ismen beginnnen, auf die Nerven zu gehen, weil sie einfach in jedem Film wieder auftauchen: Alle Figuren sind depressiv, erbärmlich und hassen sich gegenseitig, alle Beziehungen müssen scheitern, alle rauchen ständig Marihuana und haben schlechten Sex. Und es war noch nie so ausufernd und ermüdend wie hier. Ich glaube deshalb mag ich Eternal Sunshine of the Spotless Mind so gern: Michael Gondrys lebensfroher und kindlich-verspielter Optimismus war einfach ein perfektes Gegengewicht zu Kaufman. Jetzt führt Kaufman jedoch selbst Regie; John Malkovich betritt also seinen eigenen Kopf, und das Ergebnis davon kennen wir ja.

Trotzdem: Synecdoche, New York ist ein äußerst faszinierender, vielschichtiger und lohnender Film. Denn bei aller Kritik - dass Kaufman ein kreatives Genie ist, kann ich nicht wirklich abstreiten.

In Österreich kommt der Film übrigens nicht einmal regulär ins Kino. Aber es gibt zwei Vorstellungen im Wiener Filmmuseum, eine davon in Anwesenheit von Philip Seymour Hoffman.

Misseu Hongdangmu / Crush and Blush / Miss Carrot (Lee Kyoung-mi, 2008)

2009-05-08T12:23:00.005+02:00

Aus irgendeinem Grund sind mir so richtig durchgeknallte, exzentrische Frauen, die ihre Fehler und Schwächen gar nicht zu verstecken suchen, sondern geradezu neurotisch zelebrieren, furchtbar sympathisch. Deshalb ist wohl auch Ally McBeal meine All-Time-Lieblingsserie.

In dem koreanischen Film Miss Hongdangmu bekommen wir es mit einem Prachtexemplar dieser Gattung zu tun: Yang Mi-sook (Kong Hyo-jin) ist die unbeliebteste Lehrerin der Schule; sie ist nervös und hysterisch, errötet bei jeder Kleinigkeit und ist seit Jahren in ihren früheren Lehrer und mittlerweile Kollegen verliebt, der verheiratet ist. Als dieser sich an einer anderen, jungen Lehrerin interessiert zeigt, schließt Mi-sook, um dagegen vorzugehen, eine Allianz mit seiner Tochter Jong-hee - der unbeliebtesten Schülerin der Schule. Aus dieser Zweckgemeinschaft entwickelt sich bald eine Freundschaft - complications ensue.

Diese Art von Film steht und fällt natürlich mit der Hauptdarstellerin, und Kong liefert hier eine wirklich großartige Performance ab. Aber auch die Nebendasteller wissen zu begeistern; mir persönlich hat vor allem Lee Jong-hyeok als das männliche Objekt der Begierde gefallen - seine apathische, resignative Mimik im Zusammenspiel mit Mi-sooks extrovertiert-hysterischer Art sorgt immer wieder für herrliche Szenen.

Gegen Ende fällt der Misseu Hongdangmu leider ein bisschen in sich zusammen. Das Finale ist einfach too much und zieht sich ewig hin. Hier hätte man straffen und kürzen müssen. Trotzdem: Insgesamt bleibt der Film ein amüsantes, sympathisches und erfrischendes Erlebnis. Und wer noch nicht ganz überzeugt ist: Als Produzent und Co-Autor diente niemand anderer als Park Chan-wook, Regisseur von OldBoy und I'm A Cyborg, But That's Okay.

Hier noch ein sehr schöner Trailer.

Watchmen

2009-03-07T18:06:00.007+01:00

Ein paar Klarstellungen vorweg: Ich habe Watchmen gelesen; es ist allerdings schon wieder eine Weile her. Ich halte es für beeindruckend vielschichtig und habe Respekt davor, was es für das Medium Comics geleistet hat, würde mich aber nicht unbedingt als klassischen "Fan" bezeichnen. Eine Verfilmung des Werks halte ich grundsätzlich für ziemlich sinnlos, bin aber auch der Ansicht, dass Leute, die - in welchem Kontext auch immer - das Wort "unverfilmbar" verwenden, entweder das Medium Film unterschätzen oder eine zu enge Vorstellung vom Konzept des Adaptierens haben.

Watchmen allerdings ist genau das geworden, was man sich ausrechnen konnte, als Zack Snyder (300) als Regisseur bekanntgegeben und spätestens als der erste Trailer gezeigt wurde. Ein stylischer, unterhaltsamer Actionfilm, der sich den relativ gesehen uninteressantesten Aspekt des Buches hernimmt - den Plot - und ihn in die typische Blockbuster-Massenware einordnet. Das Ergebnis ist immer noch interessanter als viele andere Filme dieser Art, das ist aber zu hundert Prozent dem Ausgangsmaterial zu verdanken. Snyder fügt dem Film - ganz bewusst sogar - nichts hinzu außer ein paar Actionsequenzen mit reichlich Speedramping und Gore. Die Ecken und Kanten der Story wurden etwas geglättet, so wurde etwa Rorschach vom paranoiden Spinner zum neuen Idol für männliche Teenager gemacht. Dass es im Buch auch um die Hinterfragung von Gewalt, Selbstjustiz und Männlichkeitsphantasien geht, kommt jemandem wie Snyder natürlich nicht einmal in den Sinn (oder es ist ihm egal, weil er sein Zielpublikum kennt) - Oberflächenfetischismus statt Reflexion ist angesagt.

Snyder ist ein technisch begabter Durchschnittsregisseur ohne künstlerisches Talent, der exakt denselben massenwirksamen Inszenierungsstil, den er bei 300 verwendet hat, jetzt in Watchmen einsetzt, und sich bei allem, was über seinen intellektuellen Horizont hinausgeht, in seiner Ratlosigkeit einfach sklavisch an die Vorlage hält. Der Unterschied ist nur, dass 300 bereits als Buch ein stumpfsinniger, harmloser Spaß war. Aber Snyder würde wohl auch Art Spiegelmans Maus als ästhetisierte "badass"/"kickass"/"awesome"-Zeitlupen-Action verfilmen. Er kann (oder will) einfach nichts anderes, und es ist offensichtlich auch nicht nötig. Die "Fans" sind ja zufrieden.

Zuletzt gesehen

2009-01-15T17:29:00.007+01:00

Da das Ende des Jahres vorbei ist und ich nicht mehr unter dem Druck stehe, möglichst viele aktuelle Filme für meine Jahresendliste sehen zu müssen, kann ich mich jetzt wieder freestyle durch die Filmgeschichte bewegen. Naja, zumindest noch eine Woche lang, bis die Oscar-Nominierungen bekanntgegeben werden.

Weiter als bis in die Achtziger bin ich zwar derweil nicht zurückgegangen, aber ich habe nichtsdestotrotz einige Lücken gefüllt, vor allem im Anime-Bereich, doch dazu ein ander Mal mehr.

Hier erstmal ein paar Gedanken zu den Filmen, die ich in den letzten Tage gesehen habe.

Crash (David Cronenberg, 1996)

Das ist ein großartiger Film, um Leute zu entlarven, sowohl was ihre Ideologie als auch ihre Ästhetik betrifft. Ein richtiggehender Lackmus-Test. Ich meine, es gibt tatsächlich Leute, die defensiv mit den Händen wacheln und mir weißmachen wollen, die hier dargestellten Obsessionen wären völlig abwegige Hirngespinste und hätten nichts, aber auch gar nichts mit der Wirklichkeit zu tun. Im Ernst? Es ist unmöglich, eine Verbindung zwischen Sexualität, Autos und Selbstzerstörung zu finden? Bitte... Jeweils zwei davon miteinander zu verbinden bedarf ja wohl keiner großen Fantasie; alles, was dieser Film macht, ist, die dritte Ebene miteinzubeziehen. Es ist amüsant zu beobachten, wieviel Angst manchen Menschen dieser Film offenbar macht.

Weiters kann man an denen, die sich über die "fehlende Handlung" und eine "bloße Aneinanderreihung von Sexszenen" beklagen, schnell erkennen, dass sie keine Ahnung von Film haben. Praktisch!

South Park: Imaginationland (aka Kyle Sucks Cartman's Balls) (Trey Parker, 2008)

Hierbei handelt es sich um einen Dreiteiler aus South Park-Episoden, der neu geschnitten als 67-minütiger Film auf DVD veröffentlicht wurde. Darin besuchen Stan, Kyle und Butters das mysteriöse Imaginationland, in dem all die fiktiven Figuren leben, die sich die Menschheit im Laufe ihrer Geschichte ausgedacht hat, vom Weihnachtsmann bis zu den Schlümpfen. Eine Krise bricht aus, als Imaginationland von muslimischen Terroristen angegriffen und Butters als Geistel genommen wird. Nicht unbedingt South Park as its best, aber unterhaltsam. Am witzigsten ist wahrscheinlich der zweite Handlungsstrang, in dem Cartman davon besessen ist, dass Kyle an seinen Hoden lutscht, nachdem dieser eine Wette gegen ihn verloren hat.

Tetsuo II: Body Hammer (Shinya Tsukamoto, 1992)

Der erste Tetsuo hat mich extrem beeindruckt. Der Nachfolger ist im direkten Vergleich dazu etwas enttäuschend, wenngleich immer noch interessant. Wieder mutiert ein Mann zu einer Maschine, diesmal ist das ganze jedoch in eine vergleichsweise konventionell anmutende Handlung verpackt. Ganz und gar nicht konventionell ist nach wie vor die Inszenierung dieser Handlung. Allerdings habe ich das Gefühl, dass die wilden Schnitte und Fahrten, die extremen Winkel und die Licht- und Farbspielereien dieser hier eher im Weg sind als ihr zu nutzen.

Max Payne and the Funky Bunch (John Moore, 2008)

Was für eine bescheuerte Idee, Max Payne zu verfilmen. Quasi das Pendant zu Street Fighter: The Movie: The Game - nur umgekehrt. Der Witz an den Spielen war ja gerade, dass man all die großartigen Action-Szenen aus den John Woo-Filmen endlich selber spielen konnte.

Aber natürlich war es mehr als das: Ein großartiges Skript, das sämtliche hard boiled fiction-Klischees parodierte ("The rain was comin' down like all the angels in heaven decided to take a piss at the same time."). Ein Ensemble an unvergesslichen Figuren ("Have no fear, Vlad is here!"). Und vor allem das surreale, selbstreferentielle Spiel mit mehreren Realitätsebenen, gerade in Teil 2.

All das hat man im Film bis zur Unkenntlichkeit heruntergedummt oder gleich ganz weggelassen. Übrig bleibt eine altbackene und vorhersehbare Story um einen rachedürstigen Cop, der die Mörder seiner Familie sucht und dabei auf ein vertuschtes missglücktes Experiment der Regierung stößt. Never seen that before!

Und bitte, lasst mich gar nicht erst anfangen, über das Casting zu reden.

Days of Being Wild (Wong Kar-Wai, 1990)

Ich liebe Wong Kar-Wais Filme, die meisten jedenfalls. Auch Days of Being Wild, sein zweites Werk nach As Tears Go By, verfügt bereits über beinahe alle klassischen Wong Kar-Wai-Qualitäten; kaum jemand kann das Elegische, Unfassbare, Flüchtige, Romantisch-Melancholische so stimmungsvoll filmisch ausdrücken wie er.

Was das Visuelle betrifft, tue ich mir schwer. Meine DVD-Version war extrem blass; zuerst habe ich das dem Film selbst zugeschrieben, aber etwas Internet-Recherche hat ergeben, dass die verschiedenen DVD/Blu-Ray-Ausgaben sich in Sachen Helligkeit und Farbgebung teilweise stark voneinander unterscheiden, und das meine Version mit ziemlicher Sicherheit zu stark aufgehellt war. Trotzdem kann ich sagen, dass Days of Being Wild insgesamt visuell doch deutlich spröder ist als spätere Arbeiten Wongs.

Insgesamt landet dieser Film wohl im Mittelfeld meiner Wong Kar-Wai-Liste; mein Liebling ist und bleibt das "Sequel" In The Mood For Love.

Meine Top 10 Lieblingsfilme 2008

2008-12-31T17:39:00.002+01:00

Das Jahr ist fast zu Ende: Listenzeit! Hier also die Top 10 meiner Lieblingsfilme von 2008, aus insgesamt 37 gesehenen. Dabei gilt: Der reguläre österreichische Starttermin muss 2008 gewesen sein. Falls der Film (noch) nicht regulär in Österreich gezeigt wurde, zählt das Produktionsjahr 2008. Auffällig ist, dass sich dieses Jahr gleich drei Filme aus Südkorea unter den Top 10 befinden, noch dazu aus drei verschiedenen Genres.

1. There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007)
2. Chugyeogja / The Chaser (Hong-jin Na, 2008)
3. Saibogujiman kwenchana / I'm A Cyborg But That's Okay (Chan-wook Park, 2006)
4. No Country For Old Men (Joel und Ethan Coen, 2007)
5. The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008)
6. Wall-E (Andrew Stanton, 2008)
7. Rambo (Sylvester Stallone, 2008)
8. Once (John Carney, 2006)
9. Tropic Thunder (Ben Stiller, 2008)
10. Joheunnom nabbeunnom isanghannom / The Good, The Bad, The Weird (Ji-woon Kim, 2008)

The Good, The Bad, The Weird

2008-12-26T16:33:00.006+01:00

Endlich hatte ich die Möglichkeit The Good, The Bad, The Weird zu sehen, einen koreanischen Western von Kim Ji-woon, der dieses Jahr in Cannes Premiere hatte. Dass es sich gar um den teuersten koreanischen Film aller Zeiten handelt, wusste ich ursprünglich überhaupt nicht - ich hatte nur den Trailer gesehen und wusste: Holy shit, das muss ich sehen.

Wie der Titel des Films schon verrät, ließ sich Ji-Woon kräftig von Sergio Leones The Good, The Bad and The Ugly inspirieren, vor allem was die Grundkonstellation betrifft: Drei Männer, ein "Guter" (Kopfgeldjäger Do-Won Park), ein "Böser" (Badass Chang-yi Park) und ein Unberechenbarer (Gauner Tae-goo Yoon) jagen um die Wette einem extrem wertvollen Schatz hinterher. Historischer Hintergrund ist die japanisch besetzte Mandschurei in den 1930er-Jahren.

Der Plot ist jedoch im Grunde ein Vorwand um einen ganzen Haufen spektakulärer Set Pieces aneinanderzureihen, wie etwa einen Zugüberfall oder eine lange Verfolgungsjagd durch die Wüste. Und das macht auch überhaupt nichts, denn diese Action-Sequenzen sind allesamt grandios inszeniert und machen extrem viel Spaß; ich hoffe sehr, dass ich vielleicht doch noch die Möglichkeit bekomme, sie auf einer Kinoleinwand zu sehen.

Im Gegensatz zu amerikanischen Neo-Western, die meistens sehr düster und pessimistisch ausfallen, geht es The Good, The Bad, The Weird um die schiere Freude am Genre, auch wenn man argumentieren könnte, dass der Film eigentlich nur noch äußerlich etwas mit einem Western zu tun hat. Im Grunde seines Herzens ist er eine Action-Abenteuer-Achterbahn in der Tradition der Indiana Jones-Filme - und das ganz ohne lianenschwingende Affen mit Greaser-Frisuren.

Ein Klavier, ein Klavier!

2008-11-12T17:34:00.003+01:00

Heute wird Loriot oder Bernhard Victor Christoph-Carl von Bülow, wie sich der Herr scherzhaft nennt, 85 Jahre alt.

Er ist - und das muss einmal in aller Deutlichkeit gesagt werden - das ist doch, gerade im Hinblick auf die Jugend, und liebe Leser, warum auch nicht. Meiner Ansicht nach einer der, wenn nicht sogar der, ich wage zu sagen - ohne dabei in sinnlose Vergleiche verfallen zu wollen - das steht wohl ganz und gar außer Frage. In Anbetracht dessen, so ist es meine Meinung, das deutsche Spießbürgertum, und dazu stehe ich. Warum also um den heißen Brei herumreden, man muss die Dinge auch einmal, und wie sagt doch der Dichter, besser heute als morgen.

Danke und Herzlichen Glückwunsch.

Quantum of Solace

2008-11-12T16:53:00.005+01:00

Okay, jetzt wissen wir es: Casino Royale war eine Ausnahme, kein Neubeginn. James Bond ist wieder zurück in seiner alten Routine. Quantum of Solace bemüht sich verkrampft um Intensität, bleibt dabei aber oberflächlich und uninteressant. "Diese Verfolgungsjagd ist totaaal spektakulär", versichert uns der Film, "ich zeige sie euch zwar nicht, aber ihr müsst es mir einfach glauben! Schaut doch wie schnell die Schnitte, wie laut die Soundeffekte sind!" Oder: "Das ist eine totaaal emotionale Sache für Bond! Echt! Hört doch nur mal auf die Musik!"

Es ist zwecklos. James Bond ist mir egal. Nichts, was auf der Leinwand passiert, löst auch nur das Geringste bei mir aus. Das gilt auch für den Plot: Zum gefühlten hundertsten Mal bekommen wir vorgesetzt, wie Bond sich gegen den Willen von MI6 stellt. Und der Bösewicht? Nichts gegen Mathieu Almaric, aber das war ja wohl ein Witz. Und das nach dem großartigen Le Chiffre. Ich sage nur soviel: Bluttränen geweint von Le Chiffre: 1 - Bluttränen geweint von Dominic Greene: 0.

Nicht einmal Dame Judi Dench kann viel retten. Die im letzten Film noch so angenehm subtile und nur im Vorbeigehen gestreifte Beziehung zwischen M und Bond wird hier totgeritten, ohne ihr irgendetwas Neues abzugewinnen. Am relativ interessantesten sind da noch die ganz kleinen Nebenrollen: Mathis, Felix Leiter und Fields, das sekundäre Bond-Girl. Was das primäre Bond-Girl Camille (Olga Kurylenko) betrifft: Sie bekommt eine derart abgedroschene Hintergrundgeschichte verpasst, dass sie uns gleich genauso egal wird wie Bond.

Zum Abschluss noch eine Bitte an die Produzenten: Wenn ihr schon zur alten, blutleeren Routine zurückkehrt, dann setzt doch wenigstens die Gun-Barrel-Sequenz nächstes Mal wieder an den Anfang, wo sie verdammt nochmal hingehört.

The Wrestler

2008-10-29T17:18:00.006+01:00

Die Leinwandhelden der Achtziger Jahre zurückzubringen und dabei die Karrieren der sie verkörpernden Schauspieler mitzureflektieren ist ein Trend, den Hollywood vor allem im Actionkino nun schon seit einiger Zeit verfolgt. Mit Darren Aronofskys Film The Wrestler liegt nun gewissermaßen eine Arthouse-Variante dieses Phänomens vor.

Im Mittelpunkt steht der alternde Wrestler Randy "The Ram" Robinson, gespielt von Mickey Rourke. Der Höhepunkt seiner Karriere liegt zwanzig Jahre zurück, er ist einsam und verarmt und sein Körper kann den Anforderungen des Wrestling-Sports langsam nicht mehr nachkommen.

"Körper" ist ein Schlüsselwort dieses Films, denn die schiere Physikalität von Rourkes Figur ist vielleicht seine Hauptattraktion. Randy ist ein gewaltiger, aufgedunsener Fleischberg, der oftmals fast das gesamte Bild ausfüllt. Nach dem Ringkampf fährt die Kamera über seinen geschundenen Körper wie über ein Schlachtfeld, das im Laufe der Jahrzehnte unzählige Gemetzel gesehen hat. Aber nicht nur körperlich ist Mickey Rourke in der Rolle derart überzeugend, dass man sich überhaupt keinen Besseren dafür vorstellen kann (schon gar nicht den ursprünglich vorgesehenen Nicolas Cage). Das liegt natürlich auch an der offensichtlichen Verlockung, biographische Parallelen zwischen dem Schauspieler und seiner Figur herzustellen. Vielleicht sehnt sich wie Randy auch Rourke nach den Achtzigern zurück, als er ein begehrter und vielversprechender Jungdarsteller war. Andererseits: Dank The Wrestler könnte es demnächst durchaus eine Oscar-Nominierung geben, und zumindest neugewonnenen Respekts dürfte sich Rourke sicher sein.

Die Leistungen der Nebendarsteller verblassen da schon fast ein wenig; Marisa Tomei als alleinerziehende Stripperin kann es noch einigermaßen mit Rourke aufnehmen (auch in Sachen mutiger Körpereinsatz), Evan Rachel Wood als Randys Tochter dagegen versinkt in hysterischem Overacting. Vielleicht ist auch das Drehbuch daran schuld, das mit seinem konventionell-vorhersehbaren Abklappern bewährter Plot-Points die größte Schwäche des Films darstellt. Nicht, dass es nicht funktionieren würde - aber es bietet eben auch nichts wirklich Neues. Immerhin schafft es Aronofsky vielen Szenen eine gewisse Tragikomik abzugewinnen, ohne dabei in zynischen Slapstick auf der einen Seite oder albernen Kitsch auf der anderen Seite zu verfallen. Ja, manchmal lachen wir über Randy, wenn er sich wie ein Elefant im Porzellanladen benimmt - aber nie ohne Mitgefühl und Sympathie. Gleichzeitig werden seine Fehler aber keineswegs entschuldigt. Überhaupt entgeht Aronofsky in The Wrestler einer ganzen Menge solcher Fallen; seine Inszenierung zeugt von beachtlicher Reife.

Der große Japaner - Dainipponjin

2008-08-19T11:52:00.004+02:00

Superhelden-Filme befinden sich momentan wohl auf dem Höhepunkt ihrer Popularität. Das merkt man nicht zuletzt daran, dass das Genre in letzter Zeit immer häufiger parodiert wird: Sei es in Superhero Movie, Hancock oder eben Der große Japaner, dem Debütfilm des japanischen Medienstars Hitoshi Matsumoto. Auch wenn der Film stärker in der japanischen Tradition von Ultraman und den Godzilla-Filmen verankert ist als in der uns vertrauteren Comicwelt der Helden von Marvel und DC, eröffnet er doch erfrischende Perspektiven auf das Superhelden-Dasein im Allgemeinen.

Der große Japaner beginnt dabei alles andere als spektakulär: Im Stil eines Dokumentarfilms wird uns der Alltag eines Mannes namens Daisato nähergebracht. Auf den ersten Blick ist er nicht besonders interessant. Er mag aufklappbare Regenschirme und Seegras, lebt von Frau und Tochter getrennt in einem ziemlich heruntergekommenen Haus und würde in seinem Job gerne ein bisschen mehr verdienen. Irgendwann läutet aber schießlich sein Mobiltelefon und wir erleben, um was für einen Job es sich handelt:

Sobald irgendwo in Japan eine Stadt von einem Riesenmonster angegriffen wird (was nun einmal immer wieder vorkommt), macht sich Daisato auf zu einer "Transformationsstation", wo er unter Strom gesetzt wird und sich dadurch in einen überdimensionalen Sumo-Ringer verwandelt. Er bekämpft das jeweilige Monster und schrumpft nach einiger Zeit wieder auf Normalgröße zurück, um auf seinen nächsten Einsatz zu warten.

Was nach einer Gelegenheit für heldenhafte Abenteuer klingt, ist in diesem Film weder glamourös noch besonders aufregend. Für Daisato ist es schlicht ein Job, den er macht, weil ihn sein Vater und sein Großvater auch schon gemacht haben und er nichts anderes gelernt hat. Es ist nicht einmal ein besonders dankbarer Job. Zwar werden Daisatos Kämpfe im Fernsehen übertragen (weshalb er seinen Körper mit allerhand Sponsorenlogos "schmücken" muss), das Interesse ist inzwischen allerdings so sehr gesunken, dass die Sendezeit auf nach Mitternacht verlegt wurde. Zudem hat die japanische Bevölkerung schon seit langem wirklich die Schnauze voll von dem ewigen Explosionslärm.

Wir sehen, mit welcher Art Humor wir es hier zu tun haben. Wie etwa auch viele Filme Takeshi Kitanos verfügt Der große Japaner über diese ganz spezielle Mischung aus Trockenheit, Melancholie, menschlicher Wärme und Sozialkritik. Die alltäglichen Mockumentary-Sequenzen wechseln sich dabei ab mit einigen der wohl skurrilsten Kampfszenen, die wir je im Kino erleben durften. Natürlich kann das CGI, das dabei zur Verwendung kommt, nicht ganz mit dem großer Hollywood-Produktionen mithalten, aber das wird mehr als ausgeglichen durch die absolut brillianten Monster-Designs, die allesamt Dalí-Gemälden entsprungen sein könnten.

Dem Film gelingt es aber nicht nur, stellenweise unheimlich witzig zu sein, sondern sich auch einem recht breiten Spektrum an Themen zu nähern, darunter Entfremdung, Kommerzialisierung, staatliche Kontrolle oder das Verhältnis Japan-USA. Die Behauptung, dass man mit Matsumotos Werk nur etwas anfangen kann, wenn man mit dem japanischen Monsterfilm vertraut ist, kann ich also nicht nachvollziehen. So eindimensional ist Der große Japaner nicht. Einzig die Finalsequenz dürfte wohl so manchen westlichen Zuschauer etwas ratlos zurücklassen.

Ach, eine Sache noch: Dass man den englischsprachigen Trailer nicht mit Big In Japan von Tom Waits unterlegt hat, werde ich nie verzeihen. Niemals.

The Dark Knight

2008-08-07T18:14:00.008+02:00

Auf der sehr empfehlenswerten Comedy-Seite www.thatguywiththeglasses.com gibt es eine Videoreihe namens Bum Reviews, in der der Protagonist - ein verrückter Obdachloser - jede einzelne seiner Filmkritiken mit den Worten eröffnet: "OH MY GOD, THIS IS THE GREATEST MOVIE I'VE EVER SEEN IN MY LIFE!!!" Was normalerweise als Satire auf die YouTube-Generation durchgeht, schien nach dem US-Release von Christopher Nolans neuem Batman-Film The Dark Knight von der Realität überflügelt worden zu sein. Das ganze Internet hatte sich ein einziges großes Bum Review verwandelt. Was mich betrifft, war es der bei weitem größte Internet-Hype, den ich je einen Film betreffend erlebt hatte. Von der Videospielkultur war ich das gewohnt, da passiert derartiges alle paar Wochen. Aber bei Filmen trifft man normalerweise auf eine deutlich gemischtere Rezeption. Nicht so bei The Dark Knight: Nahezu ausschließlich überschwängliches Kritikerlob und religiöse Verehrung von Seiten des Publikums machten aus dem Film ein regelrechtes Phänomen.

Diese Umstände erschwerten mir eine Beurteilung des Films ungemein. Denn ich nahm den Hype beim Wort und betrat den Kinosaal nicht mit dem direkten Vorgänger Batman Begins oder anderen Comicverfilmungen der jüngeren Zeit wie Iron Man im Hinterkopf, sondern mit Heat und The Godfather, Part II, wie man es mir tausende Male vorgekaut hatte. An Ende stellte ich jedoch fest, dass ich da etwas zu hoch gegriffen hatte. Rein filmsprachlich ist der Film nun einmal keine Revolution, liebe Fanboys, so schwer das auch zu akzeptieren ist. Und bevor jemand mit IMAX kommt: Ja, ich habe den Film auf einer gewöhnlichen, altmodischen Leinwand gesehen, aber das tut nichts zur Sache: 20 Minuten IMAX-Spielereien gelten nicht als großes Kino, sorry. Vielmehr habe ich den Verdacht, dass die überwältigend große IMAX-Leinwand sich negativ auf die Urteilskraft so manches Kritikers ausgewirkt hat. Boooaaaaah. Groooooß.

Nachdem das klargestellt ist: The Dark Knight ist nichtsdestotrotz ein toller Film, auf den das Klischee des lustig-bunten Popcorn-Sommerblockbusters, bei dem man sein Gehirn an der Kasse abgibt, so gar nicht zutreffen will. Nolans Stärke lag eben noch nie in subtiler Filmsprache, sondern in dichten, wendungsreichen Plots und psychologisch ausgefeilten Charakterzeichnungen, was er hier einmal mehr beweist. Und einige kreative Entscheidungen sind zumindest interessant, so zum Beispiel die visuelle Darstellung von Gotham City: Trotz der Tatsache, dass wir es mit der bis dato düstersten Batman-Verfilmung zu tun haben, bekommen wir diesmal anstelle des expressionistischen Labyrinths aus den Vorgängerfilmen eine ganz und gar realistisch, alltäglich und geräumig wirkende amerikanische Großstadt als Schauplatz geboten (in der Tat ist es Chicago), in der sogar die Sonne scheinen darf. Und selbst wenn eine Szene innerhalb von vier Wänden stattfindet, bieten uns oft große Glasfenster einen geradezu freundlichen Blick auf Gotham.

Die Art der Inszenierung verankert The Dark Knight stärker noch als seinen Vorgänger in der realen Welt, nicht in einem stilisierten Comic-Universum. Christopher Nolan geht damit ein erhebliches Risiko ein, denn Plot und Charakterzeichnung werden in solch einem Rahmen ganz anders gemessen. Und damit sind wir auch schon bei einem Problem. Der Plot ist nämlich dermaßen wendungsreich und komplex, dass der Film ganz einfach überladen wirkt. Eigentlich hätte der Stoff für zwei Filme gereicht, und vielleicht wäre das sogar besser gewesen (etwa nach der Hälfte seiner Laufzeit weist der Film eine klar erkennbare Zäsur auf). Das Tempo ist an vielen Stellen zu hoch, was dazu führt, dass Plot-Holes mitunter wie Pilze aus dem Boden schießen und manche Entwicklungen gehetzt wirken. Man spürt einfach die Schere des Cutters und den kalten Schweiß der um die Laufzeit besorgten Studiobosse. Ein Director's Cut auf DVD könnte da womöglich noch einiges nachbessern.

Abgesehen vom puren Plot verfügt The Dark Knight außerdem über einen erstaunlich expliziten und dichten politischen Subtext. Klar, 300 oder Iron Man konnte man auch dahingehend analysieren, aber hier wird es einem dermaßen aufs Aug gedrückt, dass das Umschalten in den "No politics, just entertainment"-Modus einfach nicht funktioniert. Ich habe relativ viel darüber nachgedacht und verschiedenste Meinungen darüber gelesen, und glaube inzwischen, dass der Film vielschichtig genug ist, um mehrere, auch komplett gegensätzliche Interpretationen zuzulassen und zu interessanten Diskussionen anzuregen. Und dass das auch die Absicht war. Aber ich will gar nicht zu viel über diesen Aspekt sprechen; hier soll jeder seine eigenen Schlüsse ziehen.

Was dem Film auf alle Fälle stets gelingt: Er reißt mit, er fasziniert, er fesselt und bewegt. Langweilig ist es nie, keine Sekunde lang. Die Actionsequenzen sind packend inszeniert und gehen herrlich sparsam mit CGI um. Wenn sich ein LKW überschlägt oder ein Hubschrauber in ein Gebäude donnert, dann sieht das nicht wie ein billiger Computertrick aus, sondern hat eine physikalische Qualität. Die Höhepunkte des Films jedoch liegen gar nicht in diesen Sequenzen, sondern sind den Schauspielern zu verdanken.

Was soll ich noch groß über Heath Ledger sagen? Ich wurde bereits mit dem ersten Trailer, in dem er als Joker zu sehen war, vom Skeptiker zum "Oscar!"-Schreier. Einfach unglaublich, wie er vollkommen hinter der Rolle verschwindet. Aber auch sonst zeigt sich wie schon in "Batman Begins", dass sich ein Ensemble aus A-Klasse-Darstellern auch in dieser Art von Film einfach auszahlt. Christian Bale, Michael Caine und Morgan Freeman kehren in ihre Rollen als Bruce Wayne, Alfred Pennyworth und Lucius Fox zurück, und auch Cillian Murphy als Jonathan Crane/Scarecrow hat einen leider viel zu kurzen, aber feinen Gastauftritt. Gary Oldman bekommt diesmal glücklicherweise mehr Gelegenheiten, sein Können zu zeigen und legt als Jim Gordon eine der besten Leistungen im Film vor. Die Figur der Rachel Dawes wird diesmal nicht mehr von Katie Holmes, sondern von Maggie Gyllenhaal verkörpert, was klar eine Verbesserung darstellt. Und dann haben wir natürlich noch Aaron Eckhart als Harvey Dent.

Harvey Dent ist die tragischste Figur im Film, und seine Entwicklung hat mich mindestens ebenso fasziniert wie der anarchische Wahnsinn des Jokers. Nolan ist nicht so dumm, ihn im Laufe eines Films vom perfekten Strahlemann zum Superschurken zu verwandeln. In gewissem Sinne ist Dent von Anfang an Two Face, und ein Teil von ihm wartet nur darauf, völlig in dieser Rolle aufzugehen; sogar den Namen bekommt er bereits verpasst bevor der Film überhaupt begonnen hat. Das macht seine Wandlung glaubwürdig, auch wenn sie relativ schnell geschieht. Was natürlich auch an Aaron Eckhart liegt, der neben Heath Ledger und Gary Oldman die beeindruckendste Performance im Film bietet. Großartig auch die visuelle Umsetzung von Two Face - Gänsehaut beim ersten Anblick garantiert.

Batman Begins war ein Film, der sehr auf Nummer Sicher spielte. Das Drehbuch war eng wie ein Korsett und extrem schematisch, wodurch er sehr elegant und geschlossen wirkte, und im Mittelpunkt stand vor allem ein Mann (Bruce Wayne). The Dark Knight ist ambitionierter und gewagter, will am liebsten alles zugleich sein: Tragödie, Kriminal-Epos, Reflexion über Moral und gesellschaftliche Mechanismen, und das alles im Gewand eines Sommer-Blockbusters. Dadurch wirkt der Film stellenweise hektisch und überladen - vor allem aufgrund der Neigung, seine Themen durch von den Figuren dargebrachte Stehsätze auszudrücken anstatt durch filmsprachliche Mittel.

Allen Mängeln zum Trotz ist The Dark Knight aber äußerst lohnend und auch bis dato die Batman-Verfilmung, die der Essenz des Stoffs in meinen Augen am nächsten kommt. Als puren Film halte ich allerdings immer noch Tim Burtons Batman Returns für das Meisterwerk der Serie.

Wir sind SCHEISSE!

2008-07-07T15:38:00.005+02:00

Ich muss gestehen, ich selbst bin verblüfft, als wie passend sich mein Anfang 2007 geäußerter Kommentar zur politischen Lage in Österreich im Rückblick erwiesen hat:

Österreich hat jetzt endlich was es wollte. Eine "stabile" große Koalition unter dem Bundeskanzler ~~Molterer~~ Gusenbauer. Herzlichen Glückwunsch, ihr Deppen. Und viel Spaß.

Ich würde lachen, wenn es nicht so ärgerlich wäre. Und es ist verdammt ärgerlich. Viel zu wenige Menschen scheinen zu realisieren, wie ärgerlich es ist - was für eine komplette Katastrophe das Jahr 2008 für Österreich ist.

Man muss sich das nur mal Augen führen: Ein Großteil der ersten Hälfte des Jahres bestand für die Regierung im Grunde aus Streitereien, Blockierungen und Eitelkeiten. Die ÖVP spielt zum zweiten Mal das gleiche Spiel: Eine Scheinkoalition mit einem labilen, unfähigen Partner eingehen, ihn anschließend so lange anstupsen und anrennen lassen, bis er von selbst in sich zusammenbricht. Anschließend selbst deutlich gestärkt in Neuwahlen gehen, um in der Konsequenz quasi eine Alleinregierung führen zu können. Das hat 2002 mit der FPÖ hervorragend geklappt, und jetzt ist die SPÖ dran. Kinderspiel - beiden Parteien ist die ÖVP intellektuell und strategisch haushoch überlegen. Man liest zwar immer wie intelligent und gebildet Gusenbauer denn nicht sei, merken tut davon in der Praxis halt keiner was. In Fernsehinterviews und bei öffentlichen Auftritten kommt er sowieso seit Jahren als gutmütiger, aber leicht dümmlicher Holzkopf herüber.

Im Juni kam die Fußball-EM, also das so ziemlich beste was der Regierung passieren konnte, weil Politik in dem Zeitrahmen im öffentlichen Raum so gut wie nicht existiert. Eine Auszeit also, in der die Bürger die politische Lage vergessen und Österreich in jedem Fall voll super finden. Gusenbauer ist durch Hickersberger ersetzt.

Kaum ist die EM vorbei geht es aber weiter. Hans Dichand hievt Walter Feymann an die Spitze der SPÖ und versetzt ÖVP-Außenministerin Ursula Plassnik einen Tritt in die Magengrube. Molterer erkennt, dass er handeln muss bevor es zu spät ist und spielt die "Neuwahlen"-Karte aus. Was bedeutet, dass wir also auch den Rest des Jahres politisch vergessen können, weil er mit millionenteurem, stupidem Wahlkampf-Scheißdreck und Koalitionsgesprächen zugekleistert sein wird.

Und danach? Wird es weitergehen. Wenn wir Glück haben nicht ganz so schlimm wie in letzter Zeit, aber schlimm auf "gewöhnlichem" Niveau. Denn wirklich etwas ändern wird sich in Österreich sowieso lange nicht, dank Stammwählern, Medienkonzentration, Globalisierung und all der anderen schönen Dinge, die aus dem Konzept der Demokratie längst einen schlechten Witz gemacht haben.

Bei den amerikanischen Präsidentschaftswahlen kann ich mir wenigstens mit viel Anstrengung irgendwie einreden, dass mit Obama alles anders wird, auch wenn es blöd und naiv ist. In Österreich aber darf ich nicht einmal träumen.

Yojimbo

2008-06-22T11:19:00.002+02:00

Akira Kurosawas Samurai-Klassiker Yojimbo steht inmitten eines recht umfangreichen Bezugsgeflechts. Kurosawa ließ sich für seine Geschichte um einen namenlosen Kämpfer, der zwei rivalisierende Gangs gegeneinander ausspielt, von Dashiel Hammetts Red Harvest, sowie von der Verfilmung seines Romans The Glass Key inspirieren; außerdem stellen die Western John Fords einen wichtigen stilistischen Einfluss dar. Yojimbo selbst inspirierte widerum Sergio Leones bahnbrechenden Für eine Handvoll Dollar, der das Genre des Italo-Western definierte. Und auch viel später wurde die Geschichte noch aufgegriffen, etwa 1996 in Walter Hills Last Man Standing.

Zurück jedoch zu Yojimbo, der meiner Meinung nach selbst Für eine Handvoll Dollar noch übertrifft. Jeder Aspekt dieses Films zeugt von Meisterschaft. Das erste, was auffällt, sind wohl die virtuosen, hocheleganten Breitwand-Kompositionen des Kameramanns Kazuo Miyagawa. Er versteht das Format brilliant zu nutzen, zeigt uns die Verhältnisse zwischen den Figuren und ihrer Umwelt, setzt Wände, Türen und Fenster geschickt zur Raumaufteilung ein und variiert gekonnt zwischen hoher Schärfentiefe und starkem Teleobjektiv. Nahezu jede Minute des Films ist visuell einfach hochspannend. Diese Art von Kameraarbeit ist es, die mich daran erinnert, was ich am Kino so sehr liebe.

Eine weitere hervorstechende Qualiät von Yojimbo ist sein Hauptdarsteller, Tashiro Mifune. Wer glaubt, dass man einen namenlosen Actionhelden ohne Vergangenheit nicht nuanciert und facettenreich spielen kann, der wird hier eines Besseren belehrt. Im Wesentlichen ist Mifunes Figur ein Geist, der zu Beginn des Films aus dem Nichts auftaucht, die Verhältnisse nach seinem Willen neu arrangiert, und nach erledigter Arbeit wieder vom Erdboden verschwindet. Durch Mifunes unglaublich ausdrucksstarke Mimik und Körpersprache verleiht er dem Protagonisten jedoch ein Maß an Persönlichkeit, von dem Clint Eastwoods "Mann ohne Namen" in der Dollar-Trilogie nur träumen kann. Es lohnt sich wirklich, Mifune den ganzen Film über zu beobachten - seine Augen, seine Schultern, seine Hände erzählen uns alles, was wir über die Figur wissen müssen.

Zumindest erwähnen sollte man auch Masaru Satos beeindruckenden Score, von dem sich offenbar auch Ennio Morricone beeinflussen ließ, und der es immer wieder schafft, Bezüge zu Umgebungsgeräuschen herzustellen oder sich gar mit ihnen zu verbinden.

Mit seinem coolen Helden, seiner spannenden Story und seinem schwarzen Sinn für Humor qualifiziert sich Yojimbo bereits als gelungener Actionfilm; doch die Raffinesse, die Sorgfalt und letztendlich das Genie seiner Macher erheben ihn zum Meisterwerk.

Lost in Beijing

2008-04-20T18:26:00.004+02:00

Lost in Beijing, der neue Film der chinesischen Regisseurin Li Yu, hatte es nicht leicht. Mit seiner kritischen Darstellung der chinesischen Hauptstadt und verhältnismäßig expliziten Sexszenen ein Dorn im Auge der Zensur in China, wurde er dort, von Hong Kong abgesehen, nie gezeigt, und selbst bei seiner Premiere im Rahmen der Berlinale 2007 war es lange unklar, ob man nicht vielleicht nur eine stark gekürzte Fassung zu sehen bekommen würde. Dem war zum Glück nicht so, und auch im Wiener Stadtkino gibt es den Film nun in voller Länge zu begutachten.

Die Handlung von Lost in Beijing ist recht einfach aufgebaut. Sie erzählt von zwei Ehepaaren aus verschiedenen sozialen Schichten: Auf der einen Seite haben wir den wohlhabenden Massagesalon-Besitzer Lin Dong (Tony Leung Ka-Fai, übrigens nicht zu verwechseln mit Tony Leung Chiu Wa) und seine unglückliche Frau Wang Mei (Elaine Jin). Im Massagesalon Lin Dongs arbeitet wiederum Liu Pingguo (Fan Bingbing), deren Mann An Kun (Tong Dawei) ein Fensterputzer ist, was den Plot in Gang bringt: Eines Tages putzt er nämlich genau das Fenster hinter dem Lin Dong gerade An Kuns betrunkene Frau vergewaltigt – die noch dazu kurz darauf feststellt, dass sie schwanger ist, ohne zu wissen, ob Lin Dong der Vater ist oder doch ihr Mann. Dessen anfängliche Wut und Verzweiflung verwandeln sich rasch in kalkulierteres Denken, und es kommt zu einer Reihe von Verhandlungen und Geschäften zwischen den beiden potenziellen Vätern, die natürlich am Ende hoffnungslos in sich zusammenbrechen müssen.

Das menschliche Drama ist die eine Seite dieses Films, und bei Licht betrachtet, kommt sie eigentlich recht altmodisch daher. Was nicht schlecht sein muss, funktioniert sie doch dank der sensiblen Charakterzeichnung und der durchgehend überzeugenden Darstellerleistungen durchaus wie sie soll. Richtig interessant wird Lost in Beijing jedoch als Allegorie auf die chinesische Gesellschaft, Untersuchung kapitalistischer Mechanismen und als Portrait der titelgebenden Stadt, die uns zwischendurch immer wieder in impressionistischen Sequenzen zu verschiedenen Tageszeiten gezeigt wird.

In den Sequenzen, in denen die Figuren im Mittelpunkt stehen, fällt hingegen eine geradezu expressionistische Kameraarbeit auf. Als Pingguo betrunken ist, verschwimmt das Bild und schaukelt hin und her; ist eine Figur aufgebracht, scheint auch die Kamera in Rage und zittert, als müsse sie ihre Wut unterdrücken. Zurückhaltend ist die Kamera zumindest nie: Zumeist bietet sie uns extreme Close-Ups neben Panoramaeinstellungen der Stadt, dazu Jump-Cuts, Tracking Shots, das volle Programm.

Zusammenfassend kann man sagen, dass Li Yu mit Lost in Beijing ein Film mit einigen interessanten Ansätzen gelungen ist, der einen guten Kontrast zu den Bildern darstellen dürfte, die uns dieses Jahr wohl noch aus dieser Stadt erwarten.

I'm A Cyborg, But That's OK

2008-03-18T12:21:00.006+01:00

I'm A Cyborg, But That's OK ist der neue Film des südkoreanischen Regisseurs Park Chan-wook, international bekannt geworden durch seine "Rache-Trilogie", bestehend aus Sympathy For Mr. Vengeance, OldBoy und Sympathy For Lady Vengeance.

Im Mittelpunkt des Films steht die junge Young-gun, die sich eines Tages bei der Arbeit in der Fabrik die Pulsadern aufschneidet, ein Stromkabel hineinsteckt und anschließt. Was in ihren Augen keine große Sache ist - schließlich ist sie der festen Überzeugung ein Cyborg zu sein - wirkt auf ihre Umgebung verständlicherweise weniger normal, weshalb sie in eine Irrenanstalt eingewiesen wird.

Am Freitag ist dieser Film in Wien angelaufen und ich habe ihn mir im Top Kino angesehen - dem einzige Kino in der Stadt, in dem er momentan zu sehen ist, was mich ein bisschen überrascht hat, weil ich dachte, dass Park Chan-wook spätestens seit OldBoy quasi Mainstream wäre... Umso bedauerlicher ist das, weil auch sein neuestes Werk wirklich toll ist.

I'm A Cyborg, But That's OK verfügt über immensen erzählerischen als auch visuellen Ideenreichtum, und schafft es trotz seiner offensichtlichen Verspieltheit, ein sensibles Gleichgewicht zwischen Humor und Gefühl zu bewahren - am besten verdeutlicht in einer der denkwürdigsten Kussszenen, die man je im Kino zu sehen bekommen hat. Ganz unglaublich auch die unerwarteten Gewaltausbrüche, die die Grundidee für den Film waren und einem Traum Park Chan-Wooks entstammen:

Ich träumte von einem Mädchen, das mit den Fingerspitzen schießen kann, während die leeren Patronenhülsen aus ihrem Mund fallen wie ein Wasserfall.

Wenn das nicht Poesie ist, dann weiß ich nicht, was.

film-zeit.de-Link
IMDB-Link

Academy Awards 2008

2008-02-25T18:08:00.007+01:00

Zum zweiten Mal habe ich mir gestern die Oscar-Nacht live gegeben und wieder habe ich es sehr genossen. Manche Leute scheinen die Nacht ja nur durchzumachen um ihre widerlichen Stänkereien rausposaunen zu können; ich hatte Spaß.

Bin zwischen ORF und Pro Sieben hin- und hergependelt, aber die meiste Zeit auf dem ORF geblieben, weil die Tonqualität dort deutlich besser war. Außerdem bekam man während der Werbeblöcke statt der immergleichen Trailer die Kommentare von Eugen Freund und Alexander Horwath geliefert, ersterer US-Korrespondent des Senders, vorwiegend Blödsinn labernd, und letzterer der von mir hochgeschätzte Direktor des Wiener Filmmuseums, dem zuzuhören wie immer eine Freude war.

Alle scheinen sich darüber aufzuregen, wie wenig politisch Jon Stewart war. Als ob das hier Augusto Boal wäre und nicht die verdammten Oscars. Und so schlecht fand ich z.B. folgenden Witz gar nicht:

"Not all films did as well as Juno obviously. The films that were made about the Iraq war, let's face it, did not do as well. But I'm telling you, if we stay the course and keep these movies in the theatres we can turn this around! I don't care if it takes 100 years! Withdrawing the Iraq movies would only embolden the audience! We cannot let the audience win!"

Die Coolness-Preise des Abends gehen wie immer an George Clooney, der sich dreimal verhaspeln kann und trotzdem noch charismatisch und souverän wirkt, und den Oberexzentriker Jack Nicholson, der einfach eine Oscar-Institution ist. Von diesen Herren kann Hosenscheißer John Travolta noch einiges lernen.

Ein Wort zu Dankesreden: Auf der einen Seite hasse ich es, wie taktlos diese nach kurzer Zeit abgewürgt werden. Man lässt der Show insgesamt so wenig Raum zum Atmen, dass kaum noch große Momente entstehen können, wie man sie in den abermillionen Montagen sieht. Andererseits nerven mich aber auch die Preisträger, die trotzdem glauben, zwanzig verschiedenen Leuten danken zu müssen. Ist doch sowieso unmöglich, allen zu danken, die es verdient hätten; man enttäuscht dann nur die, die man nicht erwähnt, und langweilt das Publikum. Deswegen freue ich mich immer über Leute wie Glen Hansard oder Tilda Swinton, die das offenbar verstehen.

Swintons Oscar für die beste weibliche Nebenrolle in Michael Clayton war ja überhaupt die Überraschung des Abends; ich glaube, ich habe niemanden von den Nominierten in dieser Kategorie seltener als Favoriten oder Tipp gehört. Überhaupt keine Überraschung waren die Beste männliche Nebenrolle für Javier Bardem und die Beste männliche Hauptrolle für Daniel Day-Lewis. Aber was Day-Lewis betrifft, wäre alles andere ja auch ein Witz gewesen. Nicht weil die Konkurrenz nicht hervorragend gewesen wäre, sondern weil Daniel Plainview einfach eine Kreation für die Ewigkeit ist.

Etwas enttäuscht war ich dann doch, dass No Country For Old Men There Will Be Blood sowohl Regie als auch Film weggeschnappt hat, was aber nur für das gute Jahr spricht, denn verdient haben es die Coens voll und ganz. There Will Be Blood hätte es halt vielleicht noch ein klitzekleines Bisschen mehr verdient. Immerhin wurde die großartige Kameraführung Robert Elswits ausgezeichnet. Der Skript-Oscar für Juno war vorauszusehen. Hier kommt es halt darauf an, welche Philosophie man betreffend der Kunst des Drehbuchschreibens hat.

Was den Auslands-Oscar betrifft: Ich freue mich für Stefan Ruzowitzky, der mit Die Fälscher einen zweifellos sehr guten Film abgeliefert hat, und hoffe jetzt mal auch einfach so naiv wie alle anderen auch, dass sich das auf die österreichische Filmlandschaft und -förderungspolitik auswirkt. Wenn ich aber noch einmal den lustigen Satz "Wir sind Oscar" lese oder höre, drehe ich durch. Wenn man nicht einmal die geistige Kapazität besitzt, eine BILD-Schlagzeile grammatikalisch zu erfassen, dann sollte man sich lieber gleich selbst richten.

Academy Awards 2008: "Best Picture" Nominees Recap

2008-02-21T11:42:00.017+01:00

Dieses Jahr habe ich für die Oscars vorgesorgt und mir vorab einen Haufen nominierter Filme angesehen, darunter sämtliche Best Picture-Kandidaten, auf die ich im Folgenden einen kurzen Blick werfen möchte. Über andere Kategorien kann ich nicht allzuviel sagen, weil ich in so gut wie allen Fällen nicht alle Nominierten gesehen habe. Das einzige, was ich noch mit Sicherheit sagen kann, ist, dass ich richtig böse werde, wenn Falling Slowly aus Once nicht zum besten Song ernannt wird. Gehen wir es also an.

Atonement

Pride and Prejudice von Joe Wright war ein gelungene Literaturverfilmung, viel mehr aber auch nicht. Jetzt hat der britische Regisseur abermals einen Roman verfilmt, Keira Knightley spielt wieder eine Hauptrolle und auch sonst sieht der Film seinem Vorgänger auf den ersten Blick recht ähnlich, aber eben nur auf den allerersten Blick. Die Einsätze sind diesmal weit höher. Über die Geschichte will ich nicht viel sagen, die ist immerhin der Vorlage zuzuschreiben. Das, was Atonement zu mehr macht als einem 08/15-Hollywood-Kostümmelodram sind die interessanten filmsprachlichen Akzente des Regisseurs. Wie er bestimmte Ereignisse aus mehreren Perspektiven erzählt, wie er den Komponisten Dario Marianelli für den Score virtuos diegetische und nicht-diegetische Elemente miteinander verweben lässt, oder wie er im Zentrum des Films eine der spektakulärsten Tracking-Shot-Plansequenzen seit GoodFellas inszeniert.

Auf der anderen Seite muss ich sagen, dass mir Atonement streckenweise eine Spur zu dick aufgetragen hat, zu melodramatisch und unsubtil war. Zusätzlich tue ich mir ein bisschen schwer mit der Glaubwürdigkeit des von James McAvoy und Keira Knightley dargestellten Liebespaars. Atonement ist ein sehenswerter Film, aber für den diesjährigen Oscar wird es vor allem angesichts der Konkurrenz nicht reichen. Eine Prämierung für Kostümdesign (Keira Knightleys grünes Kleid!), Art Direction und vor allem für den interessanten Score seien ihm aber gegönnt.

Juno

Mit Juno habe ich so meine Probleme. Da wäre schon einmal die Prämisse. Eine ungewollte Teenie-Schwangerschaft. Ich mag naiv oder weltfremd sein, aber ich habe noch nie verstanden, wie ungeplante Schwangerschaften heutzutage funktionieren, sofern die Betroffenen nicht extreme Pechvögel oder extreme Idioten sind. Seit ich schätzungsweise acht bin, kann ich sämtliche existierende Verhütungsmöglichkeiten alphabetisch im Schlaf aufzählen, so früh und massiv werden junge Leute heutzutage aufgeklärt. Und gerade eine Figur wie Juno, die uns als übermäßig schlaues und selbständiges Mädchen präsentiert wird, hat einfach so ungeschützten Sex? Aber wir sehen ja in Filmen auch ständig Erwachsene, die schwanger werden und davon überrascht sind. Anscheinend habe ich da irgendwas nicht mitbekommen. Vielleicht kann mich ja noch wer darüber aufklären.

Abgesehen davon ist sowieso auch der ganze Rest des Films äußerst unglaubwürdig, obwohl Drehbuchautorin Diablo Cody angeblich aus eigenen Erfahrungen schöpft. Aber sobald man sich in diese seltsame Welt eingelebt hat, kann man den Film, seine sehr guten Darsteller und sein vor charmant-witzigen Dialogen strotzendes Drehbuch eigentlich genießen. Ein bisschen störend ist nur der etwas abgeschmackte "Indie-Chic", auf dem es sich die Inszenierung gemütlich macht.

Wow, diese Rezension wurde negativer als ich dachte. Eigentlich mag ich Juno. Trotzdem - nicht mein Favorit. Den Leading Actress-Preis hätte Ellen Page allerdings durchaus verdient.

Michael Clayton

Das Regiedebüt von Drehbuchautor Tony Gilroy ist ein Anwaltsthriller in der Tradition Sidney Lumets. Ich habe mich glänzend unterhalten und den eleganten Hochglanzstil sehr genossen, auch wenn er manchmal zugegebenermaßen ein bisschen wie Autowerbung aussah. Ich mag intelligente Thriller, in denen die Schlachten nicht mit Kugeln, sondern mit Worten stattfinden. Und ich mag auch George Clooney, der hier eine gute, aber nicht unbedingt oscarwürdige Leistung bringt. Nominiert sind auch Tom Wilkinson, der hier im Grunde Howard Beale spielt, und Tilda Swinton. Am ehesten würde ich allerdings den Drehbuch-Oscar vergeben. Film und Regie? Dafür wird es wohl nicht reichen.

No Country For Old Men

So, jetzt wird es spannend, denn im Grunde steht es außer Frage, dass der Gewinner entweder dieser hier oder There Will Be Blood sein wird (allerhöchstens noch Juno, wenn die Academy beschließt, mal so richtig crazy zu sein). Und genau wie There Will Be Blood muss ich diesen Film, glaube ich, einfach noch einmal sehen, um ihn richtig beurteilen zu können. Was ich jetzt schon sagen kann, ist, dass die Coens wieder einmal extrem virtuos und vielleicht so radikal wie noch nie mit Erwartungen und Genre-Konventionen spielen, dass es eine Freude ist, und dass sie einige der brilliantesten Suspense-Sequenzen vorlegen, die ich je gesehen habe. Javier Bardem ist haushoher Favorit für den Nebenrollen-Oscar mit seiner Darstellung des Coen-Terminators Anton Chigurh, und auch sonst sieht es sehr gut aus für die Brüder. Wenn ich persönlich mich entscheiden müsste, wer den Oscar für den besten Film erhalten soll, würde mich aber ein nicht ganz eindeutiges, aber dennoch vorhandenes Bauchgefühl zum nächsten und letzten Kandidaten ziehen, zu...

There Will Be Blood

Und ich könnte nicht einmal genau sagen, warum. Denn auch diesen Film muss ich eigentlich ein zweites Mal sehen, weil er einfach meine Erwartungen gebrochen hat. Was ich mir erwartet hatte, war ein klassisches amerikanisches Aufstieg-und-Fall-Epos, und auf eine Weise habe ich das auch bekommen. Aber There Will Be Blood könnte man genauso gut als Horrorfilm, als schwarze Komödie (Stichwort Milkshake) oder wenn man unbedingt will als Portrait eines zerrissenen Amerika rezipieren. Am besten beschreibt man wohl es als bizarres Psychogramm seiner Hauptfigur Daniel Plainview, die von Daniel Day-Lewis in einer jetzt schon legendären Performance zum Leben erweckt wird. Einen wesentlichen Anteil an der Eigenartigkeit des Films hat auch der Score von Radiohead-Gitarrist Jonny Greenwoods, der leider nicht nominiert ist, weil er nicht-originales Material beinhaltet.

Zusammenfassend sei gesagt, dass There Will Be Blood einfach der radikalste und kraftvollste der nominierten Filme ist, wenn auch nicht der geschlossenste. Wenn man mich zwingen würde, einen persönlichen Favoriten zu wählen, wäre es wahrscheinlich dieser hier. Er verfügt einfach über eine in gewisser Weise unheimliche und abgründige Sogwirkung.

Cloverfield

2008-02-07T10:28:00.000+01:00

Auch wenn mich der künstliche erzeugte Internet-Hype um den neuen Handkamera-Monsterfilm Cloverfield doch eher genervt hat, so konnte ich doch nicht der Neugier widerstehen, das Monster zu Gesicht zu bekommen (Mist!). Ein Teil von mir hoffte auf einen pfundigen Big Budget-Auftritt von Cthulhu, dieser Teil wurde enttäuscht. Trotzdem habe ich mich gut amüsiert und fand den Film teilweise sogar recht clever und interessant.

Auch wenn man ihn mit "Blair Witch Project meets Godzilla" ziemlich gut beschreibt, ist Cloverfield schlussendlich doch ein Film, wie man ihn so noch nie gesehen hat, und deshalb hat er für mich funktioniert. Jeder Blick auf das Monster war ein spannender Moment, nicht weil man Angst um die Figuren hätte (allesamt unsympathische New Yorker-Yuppies), aber aufgrund der für das Genre ungewönlichen pseudo-dokumentarischen Inszenierung. Die Prämisse "Was wäre, wenn soetwas tatsächlich passieren würde" hat einfach etwas sehr Reizvolles. Und obendrein werden auch noch ein paar kleine Diskussions- und Interpretationsansätze gestreut. Man kann einen Monsterfilm auch weitaus weniger interessant machen. Mir zumindest hat Cloverfield zehnmal mehr Spaß gemacht als etwa Peter Jacksons sentimentaler King Kong-Schnarcher.

Phoenix Wright: Ace Attorney

2008-02-05T11:16:00.000+01:00

Der erste Teil der japanischen Adventure-Serie (or Visual Novel as they call it) um einen jungen Anwalt war zumindest für mich ein über weite Strecken neu- und einzigartiges Spielerlebnis. Während der Ermittlungen spielt es sich wie ein gewöhnliches Adventure - interessant wird es, wenn man in den Prozessen Widersprüche in den Zeugenaussagen aufdecken und mit Beweisstücken belegen muss. Ich glaube, ich war in einem Adventure noch nie soviel gezwungen, tatsächlich aktiv logisch nachzudenken. Normalerweise ist das Rätseldesign in diesem Genre zu abgedreht, um so etwas zuzulassen, und deshalb empfinde ich soetwas immer als sehr erfrischend.

Womit ich nicht sagen will, dass Phoenix Wright nicht abgedreht wäre, Himmel nein. Wir reden hier über ein Spiel, in dem man einen Papagei ins Kreuzverhör nimmt. Das alles passiert im waschechten Anime-Style mit maßlos überzeichneten Charakteranimationen und hochdramatischer Inszenierung. Jedermanns Sache ist das natürlich nicht, genauso wie der Umstand, dass man im Laufe des Spiels etwa 80.000 Zeilen Dialogtext liest und relativ gesehen nur sehr eingeschränkte Interaktionsmöglichkeiten hat.

Soetwas kann natürlich nur dann Spaß machen, wenn Story und Charaktere was taugen. Und hier kann Phoenix Wright: Ace Attorney wirklich punkten, denn in dieser Hinsicht ist es erstklassig. Jede einzelne Figur ist liebevoll ausgearbeitet, und wie es sich für einen Krimi gehört, steckt die Handlung voller Twists und Überraschungen. Und Dramatik. Besonders der vierte Fall ist dermaßen packend erzählt und spannend inszeniert, dass es mich nicht gewundert hätte, wenn ich im finalen Prozess auf das Atmen vergessen hätte.

Noch dazu ist Frust so gut wie nicht existent, das Spiel bleibt stets flüssig und erlaubt noch dazu jederzeit den Spielstand zu speichern, auch mitten in einem Dialog - vorbildlich! So muss es sein, gerade bei einem Handheldspiel. Zigtausend Milliarden von anderen DS-Spielen, ich blicke in eure Richtung!

Auf jeden Fall ist Phoenix Wright: Ace Attorney bis jetzt neben New Super Mario Bros. mein liebstes DS-Spiel, und ich freue mich schon darauf, die mir teilweise ganz schön ans Herz gewachsenen Figuren in den nächsten Episoden wiederzutreffen.

Meine Lieblingsfilme 2007

2008-01-14T21:10:00.000+01:00

1. INLAND EMPIRE (David Lynch)
2. Death Proof (Quentin Tarantino)
3. Pans Labyrinth (Guillermo Del Toro)
4. The Prestige (Christopher Nolan)
5. Eastern Promises (David Cronenberg)
6. Sicko (Michael Moore)
7. Immer nie am Meer (Antonin Svoboda)
8. Gefahr und Begierde (Ang Lee)
9. Persepolis (Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud)
10. Letters from Iwo Jima (Clint Eastwood)

Fuck.

2007-12-30T20:47:00.000+01:00

Passage

2007-12-12T22:36:00.000+01:00

Passage von Jason Roher ist das perfekte Spiel, um es Leuten hinzuknallen, die noch immer nicht glauben, dass Videospiele Kunst sein können. Clever, bewegend, philosophisch und gleichzeitig extrem intuitiv zu spielen (man braucht nichts als die Pfeiltasten), und in fünf Minuten ist man mit einer Sitzung durch. Wieder mal ein schönes Beispiel dafür, wie wenig Pixel es braucht, um große Poesie entstehen zu lassen.

Hier herunterzuladen.

And your mother, too! - EarthBound

2007-11-25T22:27:00.000+01:00

Wenn ich an der Kindheit etwas vermisse, dann ist es zumeist die grenzenlose Fantasie gepaart mit dem Sinn für Abenteuer. Lego-Städte werden real, der Schulkeller wird zum geheimnisvollen Labyrinth, Balgereien mit Freunden werden zu epischen Kämpfen um das Schicksal der Welt. Selbst wenn ich wollte könnte ich soviel Imaginationskraft heute nicht mehr aufbringen.

Ich will jetzt nicht etwa darauf hinaus, dass es für diesen Fall ja Videospiele gibt, denn Videospiele gab es in meiner Kindheit auch, und das ist natürlich nicht dasselbe. Worauf ich hinauswill ist, dass ich vor kurzem ein Videospiel beendet habe, dass es geschafft hat, dieses Gefühl der Kindheit auf erstaunlich ehrliche, authentische und tiefsinnige Weise einzufangen und mich damit ungewöhnlich stark zu berühren. Ich spreche von Mother 2, im Westen besser bekannt als EarthBound.

Erzählen wir zunächst kurz die ganze Geschichte. 1989 erschien in Japan für das Famicom ein Rollenspiel namens Mother, erdacht vom Autor und Werbetexter Shigesato Itoi (Bild). Statt wie Dragon Quest oder Final Fantasy in einer mittelalterlichen Fantasy-Welt, war Mother in den USA der Gegenwart angesiedelt, wo es allerdings nie offiziell erschien. Da Mother ein großer Erfolg in Japan war, folgte 1994 auf dem Super Famicom die Fortsetzung Mother 2. Dieses Spiel schaffte nun auch den Sprung nach Amerika, wo es unter dem Titel EarthBound veröffentlicht wurde (in Europa ist es nie erschienen). In Japan wiederum erfolgreich, floppte es im Westen. Über die Jahre hinweg jedoch konnte EarthBound auch in den USA und dem Rest der Welt eine äußerst leidenschaftliche Fangemeinde aufbauen.

Genug des Hintergrunds, was ist denn an EarthBound nun so besonders? Ben "Yahtzee" Croshaw beschrieb es unlängst in seiner pointierten Art als "cross between the Cthulu mythos and the Charlie Brown and Snoopy Show". Eine herrliche Beschreibung natürlich, wenngleich mich das Spiel doch eher an Stephen Kings Es erinnert hat als an den Cthulu-Mythos. Im Großen und Ganzen geht es darum, dass Giygas, der außerirdische Invasionsanführer aus Mother, abermals auf der Erde einfällt um ihre Eroberung vorzubereiten. Und es geht um vier Kinder, die selbstverständlich auserwählt wurden ihn aufzuhalten. Schauplatz sind abermals die USA der Gegenwart (hier Eagleland genannt). Als Waffen dienen Baseballschläger, Schleudern, Jojos und Bratpfannen, als Magieersatz PSI-Kräfte.

Man unternimmt eine verrückte Odysee durch die große, äußerst abwechslungsreiche Spielwelt, erforscht Städte, Höhlen, geheime Anlagen und fremde Dimensionen, bekämpft Monster, Hippies und Verkehrsschilder, lernt neue Freunde kennen und bewältigt diverse Krisen, die Giygas Einfluss auf der Erde ausgelöst hat. Dabei sammelt man acht Melodien, durch die man seine Kraft mit der der Erde bündeln und so schließlich Giygas gegenübertreten kann. Ich will nicht zuviel verraten, aber man erlebt im Laufe seiner (langen) Reise wirklich eine ganze Menge. Nicht nur, dass es einfach Spaß macht, diese wunderbar überzeichnete und liebevoll gestaltete Welt zu erforschen, EarthBound ist auch eines jener Spiele, bei dem man spürt, das Entwickler alles Mögliche hineingeschmissen haben, was sie selbst schon immer spielen wollten. Ich liebe das in Videospielen, genau wie ich Musikalben liebe, auf denen der Künstler mit jedem Song einen neuen Stil ausprobiert.

Apropos: Diese wunderbare Verspieltheit findet sich auch im experimentierfreudigen Soundtrack wieder. Nicht nur, dass er so gut wie alle Sparten abdeckt, von der Ohrwurm-Schnulze bis zur avantgardistischen Lärm-Collage, er brilliert auch tatsächlich in allen Bereichen. Hier wurde alles ausprobiert, der SNES-Soundchip zum Kochen gebracht, und praktisch jedesmal ins Schwarze getroffen. Hat man EarthBound durchgespielt, gibt es kaum ein Stück, das man vergessen hat, und jedes ist untrennbar mit einem bestimmten Ort oder Ereignis aus dem Spiel verknüpft. Manchmal verbergen sich genial-verrückte Ideen und Twists in den Songs, oftmals sind es aber auch lediglich schöne, einfache Kompositionen. Immer wieder habe ich im Spiel etwa ein Hotel nur betreten um die wundervolle Hotel-Rhumba noch einmal zu hören.

Die Gameplay-Mechanik ist die eines klassischen Japano-RPGs. Man kämpft rundenbasiert, levelt auf, kauft Ausrüstung, löst kleine Rätsel etc. Zwei Besonderheiten gibt es allerdings. Zum einen den Health-Meter, der die Gesundheit der Partymitglieder nach einem Treffer nicht mit einem Schlag reduziert, sondern sie langsam genug senkt, dass man mit einem schnell genug verabreichten Nahrungsmittel oder PSI-Spruch noch Trefferpunkte retten und vielleicht sogar den Tod verhindern kann. Zum anderen, und das gefällt mir persönlich am besten, gibt es keine wirklichen Zufallskämpfe. Zwar wimmelt es in manchen Gebieten von Feinden, die sind jedoch stets zu sehen und mit etwas Glück und Geschick kann man ihnen auch ausweichen oder sie gar von hinten überraschen.

Ein weiterer wichtiger Aspekt in EarthBound ist der Humor. Ich habe vorhin schon Hippies und Verkehrsschilder als Gegner erwähnt und das gibt schon mal einen ganz guten Eindruck. EarthBound ist voll mit verrückten Brechungen, popkulturellen Anspielungen, und es übernimmt zwar die meisten JRPG-Konventionen, tut das aber mit einem deutlichen Augenzwinkern. Manche gehen soweit, das Spiel überhaupt als eine pure Parodie auf JRPGs zu bezeichnen, was mir allerdings doch etwas zu kurz greift. EarthBound funktioniert auf vielen Ebenen - allein über das verstörende Finale etwa könnte ich einen eigenen Aufsatz schreiben.

Kann man auch etwas Schlechtes über EarthBound sagen? Nun, mich persönlich hat wahrscheinlich am meisten der begrenzte Inventarplatz gestört. Man kann zwar Gegenstände glücklicherweise fast jederzeit abholen und lagern lassen, aber nichtsdestotrotz verbringt man viel zu viel Zeit mit lästigem Itemmanagement. Weiters kann sich die Grafik nicht unbedingt mit etwa zeitgleich erschienenen Genrekollegen wie Final Fantasy VI oder Chrono Trigger messen, und große Storytwists und psychologisch vielschichtige Charaktere wird man ebenfalls vergeblich suchen. Die Hauptfiguren sind mehr oder weniger klassische Stereotypen, die dazu einladen, sie mit eigenen Vorstellungen zu füllen. Was bei diesem Spiel aber erstaunlich gut funktioniert, da es so sehr die eigene Kindheit wachrüttelt, dass man sich zwangsläufig an den reichen Streber, den bösartigen Fettsack oder das süße Mädchen aus der ersten Klasse erinnert.

Das ist überhaupt das Erstaunliche an EarthBound; nicht nur, das man spürt, wieviel Liebe und Herzblut in die Entwicklung geflossen ist, sondern auch wie gut hier die Essenz des Kindseins verstanden und mit beachtlicher Tiefe umgesetzt wurde. EarthBound ist in meinen Augen neben vielen anderen Aspekten das definitive Werk zum Thema Kindsein, und es zeigt einmal mehr wie Videospiele künstlerischen Wert haben können, da es kein anderes Medium gibt, das sich für dieses Sujet so perfekt geeignet hätte.

2006 ist übrigens für den Game Boy Advance das langersehnte Mother 3 erschienen - allerdings bis heute nur in Japan.
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Links:

Starmen.net - Anlaufstelle Nr.1 für EarthBound/Mother-Fans
Bester. Werbespot. Ever.
Das meinte ich mit "leidenschaftliche Fan-Gemeinde".

Sexy Sadie what have you done

2007-11-12T22:06:00.000+01:00

Hat sich die Viennale also doch noch für mich ausgezahlt. Gestern war David Lynch in Wien und hat sich im Gartenbaukino einem Publikumsgespräch gestellt, bei dem ich das Glück hatte, anwesend sein zu dürfen. Nichtsdestotrotz hatte der Nachmittag den schalen Beigeschmack einer Sektenveranstaltung, da Lynch weniger über seine Filme als über "transzendentale Meditation" sprach und wie sie uns den Weltfrieden bringen kann.

Nun, ich weiß, dass Lynch gerne darüber schwadroniert - was mich dabei überrascht hat war, wie sehr die Leute tatsächlich darauf eingestiegen sind. Ein Großteil der Fragen bezog sich nicht auf Lynchs künstlerisches Schaffen, sondern war eher vom Kaliber "Oh großer Guru David, wie können wir mit dem Zorn in unserer Seele umgehen?" oder "Was können wir gegen die bösen Leute im Pentagon tun?"

Verdammt nochmal, wem INLAND EMPIRE als religiöse Grenzerfahrung nicht reicht, der hatte doch dort bitteschön nichts zu suchen!

Für alle, die es verpasst haben: Jemand war so freundlich, das gesamte Q&A in acht Teilen auf YouTube zu stellen. Hier geht's los.

Schmidt & Pocher

2007-10-26T10:41:00.000+02:00

Viele hatten es als weiteren Beweis für den langsamen aber stetigen Untergang des Abendlandes angesehen, als angekündigt wurde, dass Harald Schmidt künftig zusammen mit Oliver Pocher auf Sendung gehen würde. Gestern hatte die Show Premiere und so schlimm war es im Grunde nicht. Es hat sich klar gezeigt, dass es noch immer Schmidts Show ist, und so dominant wie er sich gab, hatte Pocher gar nicht viel Gelegenheit, das Niveau großartig nach unten zu ziehen. Ich persönlich habe gar ziemlich mit Pocher mitgefühlt, so gnadenlos, streng und auch etwas überheblich wie sein neuer Meister mit ihm umgegangen ist. Gut, vielleicht berechtigt, aber zumindest das eingeschnappte "Sorry, dass bei der Premiere noch nicht alles so gut geklappt hat" am Ende hätte er sich sparen können. Oder Pocher auch hin und wieder mal ausreden lassen. Aber vielleicht ist es ja wirklich die gütige Strenge eines Vaters, der seinen Zögling auf die Härte des Lebens vorbereiten will.

Ein viel größeres Problem scheint mir, dass beide so unterschiedliche Publikumsschichten ansprechen. Irgendwie wirkten sie nicht besonders kompatibel, abgesehen vom beißenden Zynismus. Wenn Pocher Witze über Disco-Türsteher macht, steht Schmidt dumm daneben, und wenn Schmidt über Politik redet, ist es genau umgekehrt. Irgendwas klappt da noch nicht ganz, aber das kann noch werden. Immerhin leben die meisten großen Comedy-Paarungen von ihrer Unterschiedlichkeit. Aufeinander eingespielt müssen sie eben sein, und das geht nun einmal nicht von heute auf morgen.

76

2007-10-07T17:20:00.000+02:00

Samstag früh wollte ich mir Viennale-Tickets holen und bin vorsichtshalber gar eine ganze Stunde vor Öffnung bei einem der drei Ticketschalter gewesen. Blöd nur, dass zu diesem Zeitpunkt bereits gezählte 76 Leute vor mir standen. Schon rein rechnerisch hätte meine Wartezeit daher mehr Stunden betragen, als ich Zeit (oder Nerven) zur Verfügung hatte. Mit blutendem Cineastenherz verließ ich die Schlange und kaufte mir aus Frust einen Nintendo DS.

Ist das jedes Jahr so? Warum macht man dann nicht wenigstens ein oder zwei zusätzliche Ticketschalter auf? Arg!! Naja, wird dann wohl doch nichts aus Blade Runner: The Final Cut um ein Uhr Nachts im Gartenbaukino. Fuck.

Aber der DS tröstet.

A Tale of Two Kingdoms / Sam & Max: Season One

2007-09-22T15:27:00.000+02:00

Hach, Adventures. Eins meiner Lieblingsgenres, schon seit ich computerspiele. Aber ich muss zugeben, in letzter Zeit habe ich mich häufig gefragt, ob das noch immer so ist. Ich meine, dass ich an Adventures das Erforschen, die Storys, die Charaktere und den Humor (Adventures sind schließlich das Comedy-Genre) genieße ist klar, aber das Gameplay eines Adventures besteht ja eigentlich aus Rätseln. Oftmals hirnrissigen Rätseln, die ich in einer vorgegebenen Reihenfolge auf eine vorgegebene, hirnrissige Art lösen muss.

An Grim Fandango beispielsweise liebe ich fast alles. Setting, Story, Charaktere, Dialoge - grandios. Aber die Rätsel? Größtenteils einfach nervig. Und niemand braucht mir kommen mit "Wenn dich nur die Geschichte, Charaktere, Dialoge und so'n Zeug interessieren, dann schau dir doch 'nen Film an, Noob!" Genauso könnte ich argumentieren: Wenn euch nur das Rätseln und "die Herausforderung" interessieren, dann kauft euch doch einen Scheiß-Rubikwürfel.

Im Sommer habe ich zwei in der jüngeren Vergangenheit erschienene Adventures gespielt - beide im weitesten Sinne aus der Independent-Szene -, die mich daran erinnert haben, warum ich diese Art von Spielen liebe. Vom Prinzip her grundverschieden zeigen sie zwei sehr unterschiedliche Arten, wie man es richtig machen kann.

Nummer Eins ist das AGS-Spiel A Tale of Two Kingdoms (Freeware und hier zu finden). Ich hatte keine großen Erwartungen, aber die wirklich professionell gemachten AGS-Titel interessieren mich grundsätzlich. Der erste Versuch, in das Spiel hineinzufinden, scheiterte. Es beginnt mit einem elend langen, scrollenden Intro-Text, der ein derartig uninteressantes und klischeehaftes Fantasy-Setting vorstellt, dass man es nur schleunigst hinter sich lassen will. Nach der Lektüre des ein oder anderen interessanten Reviews, versuchte ich es schließlich noch einmal, kämpfte mich durch - und wurde mit einem wirklich außergewöhnlichen Adventure belohnt.

Das Faszinierende daran ist: Das, was A Tale of Two Kingdoms so großartig und einzigartig macht, ist weder die Story noch die Charaktere. Das ist zwar alles ganz nett, richtig toll ist aber das Gameplay, sprich Rästeldesign. Es ist den Entwicklern nämlich gelungen, die Offenheit eines Sierra-Titels wie King's Quest mit der Benutzerfreundlichkeit eines LucasArts-Adventures wie Monkey Island zu verbinden. Anders ausgedrückt, man hat die größtmögliche Handlungsfreiheit, aber trotzdem kein einziges Dead End. Für beinahe jedes Problem gibt es mehrere Lösungen, mitunter bis zu fünf verschiedene. Dazu kommt eine Unzahl an Subquests und Geheimnissen. Und macht man einen Fehler, kann man das Spiel in jedem Fall trotzdem gewinnen - die Spielwelt verändert sich eben durch die gesetzten Handlungen, und womöglich sieht man eine andere der insgesamt fünf Endsequenzen. A Tale of Two Kingdoms ist also quasi das Deus Ex unter den Adventures (mit dem Unterschied, dass Grafik und Musik absolut wundervoll sind). Der zweite große Pluspunkt am Rätseldesign ist, dass die Lösungen stets nachvollziehbar und logisch sind. Wann immer ich einen Blick in den Walkthrough werfen musste, war meine Reaktion auf die gesuchte Antwort ein "Natürlich, ist doch klar! *andenkopfschlag*". Und genauso sollte es bei gutem Rätseldesign sein.

Das zweite Spiel, das mir den Spaß an Adventures zurückgebracht hat, ist Sam & Max: Season One. Gott, wie sehr mich das nervt, wenn irgendwelche GameStar-Redakteure schon wieder behaupten, mit diesem oder jenem Adventure sei jetzt endgültig die LucasArts-Qualität wiedererreicht worden. Aber hier bin ich geneigt, diese Behauptung selbst aufzustellen. Zum einen: Ich glaube, ein derartig witziges Spiel hat es nicht mehr gegeben seit, uhm... Sam & Max Hit the Road? Ich bin kein Mensch, der bei Filmen besonders oft laut lacht, geschweige denn bei Computerspielen. Aber Season One hat mich mehr als einmal erwischt. Ich spreche wohlgemerkt von der englischsprachigen Originalfassung - die deutsche Lokalisation ist leider nicht so toll geworden, wie JoWood uns versprochen hatte.

Auch bei Sam & Max: Season One hat mich das Rätseldesign begeistert. Zuallererst einmal ist der Schwierigkeitsgrad angenehm niedrig. Viele Leute haben sich darüber beschwert, für mich hingegen ist das, wie schon zuletzt erwähnt, in der Regel ein Pluspunkt. Aber das Wichtigste ist, dass mich die Rätsel immer wieder durch ihre Originalität, ihren Einfallsreichtum und ihren hohen Spaßfaktor beeindruckt haben. Ja, genau die Rätsel haben mir Spaß gemacht! Einer Psychotherapeutin eine interaktive Traumsequenz so darzustellen, dass sie einen für verrückt erklärt oder vor laufender Kamera eine Sitcom zu improvisieren ist eben mal etwas anderes, als das übliche Items-kombinieren und Leuten-vermisste-Gegenstände-zurückbringen.

Noch dazu hilft das Episodenformat wirklich, eine emotionale Beziehung zu den zahlreichen herrlich exzentrischen bis geistesgestörten Figuren aufzubauen, da man in jeder Folge gewissermaßen das Gefühl hat, alte Bekannte wiederzutreffen und neue Seiten an ihnen kennenzulernen. Über die manchmal kritisierte Kürze und den Recyclinganteil der Episoden kann ich wohl nicht wirklich objektiv richten, da ich mir die gesamte Staffel auf einmal gekauft habe, und so das Gefühl nicht kenne, ein Monat auf das nächste Häppchen warten zu müssen. So ganz kann ich das Gejammere aber nicht verstehen. Und um nochmal auf die GameStar zu schimpfen: Einfach nur bescheuert finde ich es, wenn man eine Episode in seinem blöden, unflexiblen Wertungskasten haargenau so bewertet wie ein normales Spiel ("Umfang 3/10 - nur ein Episoden-Häppchen"). So viel Ignoranz und Dummheit kann ich beim besten Willen nicht nachvollziehen.

Nebenbei finde ich es toll, was das Entwicklerteam Telltale so alles bietet. Unter anderem kann man sich auf deren Website zu jeder einzelnen Folge drei verschiedene Audiokommentare anhören (umsonst und ohne Registrierung), genauso wie 18 Stücke aus dem grandiosen Soundtrack. Oder Steve Purcells neuen, Eisner Award-gekrönten Sam & Max-Webcomic lesen.

Deus Ex: Invisible War ...NOOOOT!

2007-09-17T11:27:00.000+02:00

Dass Deus Ex: Invisible War schlecht programmiert und verbuggt ist, habe ich schnell bemerkt, konnte aber damit leben - bis es mir nach schätzungsweise 8 Stunden Nettospielzeit beim Quicksaven hängengeblieben ist, wodurch alle Spielstände gelöscht wurden. Und nebenbei noch einige andere Dinge, wie z.B. meine Firefox-Lesezeichen und meine Cookies. Irgendwie hat es Deus Ex: Invisible War nämlich geschafft, mein Windows-Profil zu beschädigen. Gut, dass ich den Eigene Dateien-Ordner auf dem besagten Computer nicht verwendet habe (was ich von heute an sowieso ganz sicher nie wieder tun werde)... Aber ich darf die Gelegenheit nutzen, um mich über die Unsitte vieler Spiele aufzuregen, Spielstände in einem Ordner meines Profils abzulegen. Was war so schlecht am alten System, die Spielstände einfach in das verdammte Spielverzeichnis zu legen? Alles neumodischer Schnick-Schnack. Oder um es auf wienerisch zu sagen: Wos brauch i des?!

Ein interessanter Aspekt der ganzen Geschichte ist, dass ich trotz allem nicht den naheliegenden Drang verspüre, Deus Ex: Invisible War in die Ecke zu schmeißen und die nächsten Jahre nicht mehr anzusehen. Denn wider meine Erwartungen und trotz deutlicher Mängel und Ärgernisse hat es mir gar nicht so schlecht gefallen. Das nennt man dann wohl Masochismus.

Jade Empire

2007-09-13T21:01:00.000+02:00

Jade Empire ist ein Meisterwerk. Das muss einfach einmal gesagt werden. Wie viel auf diesem wundervollen Spiel herumgehackt wird, ist einfach nicht zu ertragen...

Es handelt sich um ein Rollenspiel von BioWare (Baldur's Gate, Knights of the Old Republic), dass 2005 für die XBox erschien und 2007 als aufgemotzte Special Edition für den PC umgesetzt wurde, von der sich manche andere Konsolenportierungen mehr als eine Scheibe abschneiden können.

Bemerkenswert ist, dass BioWare bei Jade Empire erstmals gezwungen war, das komplette Szenario für ein Rollenspiel selbst zu kreieren - davor waren alles Lizenztitel. Und das Szenario ist für meinen Geschmack einfach wunderbar: Antikes China (Kung-Fu-Ass-Kicking!) mit Fantasy- und Steampunk-Elementen - 100% Ork-Free! Fasznierend, erfrischend, herrlich. Design und Inszenierung tragen ihren Teil dazu bei: Grafik und Art Direction sind erschlagend schön, und auch die Musik ist ein echter Ohrenschmaus. Sogar die deutsche Sprachausgabe fand ich bis auf wenige Ausnahmen relativ gut und professionell.

Jade Empire besitzt auf der einen Seite die klassischen BioWare-Tugenden (spannende Story, lebendige Charaktere, moralische Entscheidungsfreiheit, interessante Quests etc.), das Gameplay ist allerdings zugänglicher - komplexes Statistik-, Inventar-, und Partymanagement fallen weitgehend weg - und die Kämpfe sind diesmal action-orientiert, ich darf also höchstpersönlich zuschlagen.

Natürlich könnte man an dieser Stelle "Verkommerzialisierung" rufen und über "Konsolenkiddies" und "Casual Gamer" herziehen, aber ich für meinen Teil fand es durchaus angenehm, vor allem da die Spieltiefe trotz allem beträchtlich ist. Es gilt die alte Regel: Es gibt keine guten und schlechten Genres, keine guten und schlechten Plattformen, es gibt nur gute und schlechte Spiele. Und auch wenn es überall behauptet wird, Jade Empire ist nicht "zu kurz"! Seit wann sind 30 Stunden bitte "zu kurz", vor allem für ein Spiel, das an keiner einzigen Stelle auch nur ansatzweise so etwas wie Leerlauf aufweist? Hab ich was verpasst? Ganz abgesehen davon, dass der Wiederspielwert immens ist - wie von BioWare gewohnt gibt es unheimlich viel zu entdecken und stets mehrere Wege, eine Aufgabe zu meistern.

Ein weiterer, oft geäußerter Kritikpunkt ist, dass die Kämpfe zu einfach seien und ohnehin nur aus Button-Mashing bestünden. Davon habe ich nichts mitbekommen. Nicht nur, dass die Kämpfe durch unzählige verschiedene Stile eine große Auswahl an taktischen Möglichkeiten bieten, sie machen zudem noch wirklich unerhört viel Spaß. Und ein niedriger Schwierigkeitsgrad ist für mich persönlich nun einmal grundsätzlich etwas, das ich als postiv empfinde. Sei es, weil ich Spiele nicht als Sport, sondern als Kunst/Unterhaltung rezipiere oder weil mir mit zunehmendem Alter einfach Zeit, Geduld oder schlicht noch immer das Können fehlt.

Auf jeden Fall hat es Jade Empire geschafft mich nicht nur mitzureißen, sondern sogar zu emotionalisieren, etwas, das Spiele leider immer noch viel zu selten schaffen. Und es hat mir Spaß gemacht, wirklich alles daran (auch das Vertical Shooter-Minispiel). Ein atemberaubend schönes Gesamtkunstwerk.

Trailer XBox-Version
Trailer Special Edition (PC-Version)

Half-Life 2

2007-09-11T15:02:00.000+02:00

Lange ist es her, dass hier geschrieben wurde, aber ab jetzt gibt es wieder halbwegs regelmäßige Posts. Man weiß ja, wie das so ist mit der sommerlichen Trägheit.

Was mich betrifft, ist im Sommer das mit mir passiert, was man allgemeinhin als "Totale Vergeekung" bezeichnen könnte. Ist man im Semester noch voll akademisch drauf und nimmt sich vor den Ulysses zu lesen (300 Seiten habe ich geschafft), sitzt man im August da und spielt Lego Star Wars II. Ich möchte jetzt nicht auf Ursachen und Details dieser Entwicklung eingehen, sondern damit schlicht ankündigen, dass in diesem Blog in nächster Zeit ein Arsch voll Game-Reviews auftauchen wird.

Zu Beginn nehmen wir uns einen der meist gehyptesten Shooter ever vor. Nein, nicht Bioshock, noch gehypter: Genau, Half-Life 2.

Das erste Half-Life ist wohl einer der überschätzesten Spiele überhaupt. (Ist das Wort "überschätzt" nicht toll? Man klingt sooo viel objektiver, als wenn man schlicht "Ich fand's scheiße" sagt!) Das größte Missverständnis von allen ist, wenn Leute doch tatsächlch behaupten, es hätte eine gute Story - oder wäre gar der erste Shooter mit einer Story gewesen! In Wirklichkeit unterscheidet sich die Story von Half-Life bis auf ein paar Kleinigkeiten nicht großartig von der von Doom oder Quake. "Ja, aber das Tolle ist doch, WIE die Geschichte erzählt wurde!" ist dann der übliche Einwurf. Nämlich ohne Zwischensequenzen, sondern über geskriptete Events und in Echtzeit. Okay, das war sicher was Neues und sehr einflussreich, aber das haben danach etliche Spiele besser gemacht - Half-Life ist einfach todlangweilig! Half-Life, das ist stundenlang über Rohre hüpfen und alle heiligen Zeit mal einen Wissenschaftler treffen, der einem eine Tür öffnet, was in 50% der Fälle nicht funktioniert, so dass man festsitzt. Eingestreut sind "Rätsel", ich muss also hin und wieder an einem Rad drehen oder einen Schalter drücken.

Natürlich, das war jetzt sehr polemisch. Ich bestreite nicht, dass Half-Life einige gute Ideen und Momente hat, aber das entschuldigt trotzdem nicht, dass jeder Half-Life für eine gottverdammte Offenbarung hält, während keine Sau Strife kennt. Dass ich mit Half-Life schließlich doch noch sehr viel Spaß hatte, lag an der großen Anzahl qualitativ hochwertiger Singleplayer-Mods - They Hunger, Redemption, USS Darkstar, The Xeno-Project... alle weitaus kurzweiliger als das Hauptspiel.

Anyway. Kommen wir zu Half-Life 2. Mit dem habe ich ähnliche Probleme, allerdings in weitaus geringerem Ausmaß, weil es einfach ein viel besseres, intelligenteres und abwechslungsreicheres Spiel ist. Das Wort, dass ich aber am häufigsten beim Spiel gedacht habe, ist "professionell". Das, was Half-Life 2 versucht zu sein, das ist es in Perfektion. Der am beste designte Schlauch ever. Das Leveldesign ist pure Kunst - vor allem vom spielerischen Standpunkt her, aber teilweise auch vom ästhetischen, denn City 17 ist ein großartiges, hochatmosphärisches und unverbraucht wirkendes Setting. Allzu oft möchte man einfach nur stehenbleiben und die Umgebung bewundern.

Noch stärker als beim Vorgänger merkt man außerdem, dass es den Designer wichtig war, für jeden "Level" ein eigenes Spielgefühl zu schaffen. Das gelingt auch größtenteils, nur waren mir die einzelnen Abschnitte einfach zu lang. Irgendwann wiederholt sich alles, und dann kommt bei mir die aus dem ersten Teil bekannte Langeweile auf. Das ist der Fehler von Valve: Wenn sie ein tolles Feature oder eine tolle Idee haben, dann reiten sie sie zu Tode. Stichwort Physikrätsel. Beim ersten Mal noch lustig, beim zweiten Mal auch. Beim zwölften Mal nicht mehr.

Das Spiel, als dass es überall gepriesen wird, wäre Half-Life 2 dann, wenn es durchgehend so gut wäre wie der Anfang und der Schluss. Die ersten und letzten beiden Kapitel - toll. Auch das Ende fand ich keineswegs unbefriedigend, aber ich weiß natürlich schon, dass es in Half-Life 2: Episode One weitergeht und man nicht wieder sechs Jahre warten muss.

Insgesamt also ein sehr gutes Spiel, wenn auch nicht so gut wie oft behauptet. Dazu gibt es einfach zu viele Längen und Wiederholungen zwischen den richtig tollen Momenten. Nein, der beste Ego-Shooter aller Zeiten ist und bleibt ein anderer...

Noch ein Wort zur deutschen Lokalisation: *WÜRG*. Nur um ein Beispiel herauszugreifen: Warum, WARUM übersetzt man "Loading..." nicht mit "Laden...", sondern mit "Daten werden ge..."?! Da bleibt mir nur, in den Angry Video Game Nerd-Mode zu schalten und zu manisch "What were they thinking ??!!" zu schreien. Von der Synchronisation will ich ja erst gar nicht anfangen. Naja. Zum Glück bin ich etwa zur Hälfte des Spiels draufgekommen, dass man nur die Spracheinstellungen von Steam ändern muss, um im Original spielen zu können.

Jeder, der Half-Life 2 gespielt hat, sollte übrigens diesen herrlichen Webcomic lesen.

R.I.P.

2007-07-31T16:37:00.000+02:00

Bergman und Antonioni an einem Tag, das ist schon der Hammer. Vielleicht führt das ja wenigstens zur ein oder andere Programmänderung im TV. Besonders Bergman-Filme kriegt man ja so gut wie nie zu sehen, was eine Frechheit ist, wenn man an die gigantische Anzahl an Klassikern denkt, die er hinterlassen hat. Von Antonioni werden ja wenigstens Blow Up und Zabriskie Point ab und zu gezeigt.

R.I.P.

2007-07-30T23:48:00.000+02:00

Thunder Bolt Death Proof

2007-07-24T13:52:00.000+02:00

Achtung: Eventuell kleinere Spoiler.

Zuerst hatte ich mir ja gesagt, ich warte, bis man Grindhouse - das Double Feature, das aus Robert Rodriguez' Planet Terror und Quentin Tarantinos Death Proof besteht - in seiner ursprünglichen Form, also als Double Feature, zu sehen bekommt. Mehrere Punkte haben mich umgestimmt. Zum einen ist es fraglich, ob Grindhouse komplett überhaupt in absehbarer Zeit bei uns gezeigt wird - und DVD geht in diesem Fall auch gar nicht, weil Grindhouse von seinem Konzept her nur im Kino Sinn macht. Rodriguez und Tarantino wollten das Erlebnis eines Abends in einem Schundkino der 70er simulieren, komplett mit gefakten Trailern und absichtlich eingearbeiteten "Projektionsfehlern" und Unreinheiten im Filmmaterial. Ein weiterer Grund is, dass die getrennten Filme nicht die gleichen Versionen sind wie in Grindhouse - beide sind deutlich länger. Tarantino hat es so beschrieben, dass es gewissermaßen drei Filme gibt: Planet Terror, Death Proof und Grindhouse, und dass jeder für sich alleine stehen kann. Natürlich muss er das aus marketingtechnischen Gründen sagen, aber es erscheint mir doch sehr einleuchtend. Der dritte Grund ist, dass ich sowieso nicht einfach dasitzen hätte können, während im Kino um die Ecke der neue Tarantino läuft.

Wenn Death Proof beginnt, ist man sofort mitten in Tarantino-Land. Nach dem "Our Feature Presentation"-Jingle (bekannt aus Kill Bill) und einem Cartoon, der den folgenden Film als "Restricted" kennzeichnet, geht es sofort los: 70er-Surfmusik, gelbe Schrift und nackte Frauenfüße in Großaufnahme. Und vom ersten Augenblick an Zitate, Zitate, Zitate - natürlich auch bezogen auf Tarantino selbst. Big Kahuna Burger und Red Apple-Zigaretten sind Ehrensache, und besonders eine Stelle hat mir gefallen, weil sie wieder mal so schön das Wunder der Postmoderne beschreibt: In Kill Bill hat Tarantino Bernhard Hermanns Twisted Nerve-Thema von 1968 verwendet um eine Brian De Palma-Szene zu untermalen, der wiederum ständig Hitchcock zitiert hat, dessen Hauskomponist Hermann war. Die Folge war, dass das Thema daraufhin schlagartige Popularität vor allem als Handy-Klingelton erlangte. In Death Proof wird das nun weitergesponnen: In einer Szene läutet ein Handy, und natürlich hören wir Twisted Nerve.

Im Mittelpunkt von Death Proof stehen zum einen acht Frauen, denen Tarantino den Großteil den Films überlässt um ausgiebige Dialoge zu führen. Und hier scheiden sich schon die Geister, denn die Dialoge sind diesmal selbst für Tarantino-Verhältnisse wirklich überbordernd und können auch nicht durchgehend mit dem Witz früherer Tarantino-Dialoge mithalten, was nicht heißt, dass sie sich nicht authentisch anfühlen. Jedenfalls fokussiert sich der Film so sehr auf die Frauen-Unterhaltungen, dass Death Proof über weite Strecken wie Tarantinos Version von George Cukors The Women wirkt. Dann haben wir allerdings das Gegenstück, den von Kurt Russell gespielten Stuntman Mike, ein Frauenmörder der besonderen Art. Sein Auto ist ein Stunt-Wagen, mit dem er auch die schlimmsten Crashs überleben kann, und mit dem zermanscht er eben die Autos, in denen die Frauen seiner Begierde sitzen.

Die sich aus dieser Prämisse ergebenen Auto-Actionszenen sind von einer ungeheuren Intensität, vor allem da Tarantino komplett auf CGI verzichtet hat, und sich deshalb alles einfach ungewohnt "echt" und "schmutzig" anfühlt, wie man es aus Filmen wie Bullitt und The French Connection kennt, nur natürlich hier noch um ein vielfaches gesteigert, allein durch die Stunts von Zoe Bell, die in Kill Bill Uma Thurmans Stunt-Double war und hier erstmals eine Hauptrolle spielen darf.

Was der Film ganz sicher nicht ist, ist geschlossen oder ausgewogen. Er besteht aus zwei Hälften - je viel Dialog, gefolgt von Action am Ende - die durch Ort und Zeit voneinander getrennt sind. Dabei zitiert die zweite Hälfte, die erste solange, bis ein Twist am Ende alles umkrempelt; beide Teile sind zugleich Eben- und Spiegelbilder. Aber nicht nur in dieser Hinsicht ist Death Proof durchzogen von Ambivalenzen, Gegensätzen und Widersprüchen, wie dem zwischen entspanntem Dialog und Adrenalin-gepackter Action oder auch zwischen Feminismus und Sexismus. Allesamt sind die weiblichen Figuren selbstbewusst, bestimmend, aktiv und vor allem abgebrüht, hart und gnadenlos. Andererseits könnten die Damen rein äußerlich einem feuchten Männertraum entsprungen sein und dementsprechend weidet sich die von Tarantino erstmals selbst geführte Kamera geradezu unverschämt geil an Ärschen, Titten, Beinen und, ähm, eben Füßen.

Ein ganz besonderes Beispiel dieser Ambivalenz ist Stuntman Mike. Zuerst ziehen Tarantino und Kurt Russell alle denkbaren Register um Mike zu einem der coolsten Filmcharaktere aufzubauen, die die Welt je gesehen hat, was bei einem schlechteren Regisseur/Drehbuchautor/Schauspieler möglicherweise gezwungen gewirkt hätte, hier aber geradezu atemberaubend funktioniert (Einer der größten Momente des Films ist es, wenn Mike einmal kurz bevor er in sein Auto steigt vielsagend in die Kamera lächelt). Und als sie damit fertig sind, reißen sie sie Sandburg wieder ein und dekonstruieren Mike, bis er ein feiges, erbärmliches Geschöpf ist, das einem direkt Leid tut.

Am Ende des Films ist man überwältigt, aber auch zwiegespalten. Vor allem beginnt man über den größten Widerspruch des Films überhaupt zu reflektieren: Death Proof ist zwar irgendwie dumm, primitiv und sinnlos - aber gleichzeitig unglaublich intelligent, raffiniert und poetisch.

Sam & Max: Season One auf DVD

2007-07-19T09:25:00.000+02:00

Es könnte passieren, dass ich mir nach langer, langer Zeit wieder einmal ein aktuelles Computerspiel kaufe. Schuld daran ist das Erscheinen der europäischen Version von Sam & Max: Season One auf DVD Ende August.

Ursprünglich habe ich ja an moderne Adventures so wenig geglaubt, dass ich selbst als LucasArts-Fanatiker die neuen Sam & Max-Spiele weiterhin ignoriert hätte. Wenn ich jetzt aber lese, das ich auf der DVD - wie es bei Filmen ja Standard ist - zwischen der deutschen Fassung und der Originalfassung wählen und wenn ich will sogar Untertitel (!) dazuschalten darf, dann könnte mich das umstimmen. Da spiele ich es möglicherweise sogar zweimal durch, denn für die deutsche Synchronisation hat man die Sprecher verpflichten können, die schon bei Hit the Road die Rollen von Sam und Max übernommen haben. Und auch wenn ich normalerweise ein Todfeind von synchronisierten Fassungen bin - Sandra Schwittau (Bart Simpson) als Max fand ich tatsächlich richtig gut.

Außerdem wird die DVD randvoll mit Extras sein (Making Ofs, Trailer, Soundtrack, Poster, ...), und auch eine lästige Internetfreischaltung soll es nicht geben. Respekt Telltale/Dreamcatcher/Jowood! Wenn ihr haltet was ihr versprecht und das ganze dann noch zu einem halbwegs vernünftigen Preis verkauft, könntet ihr eventuell Bekanntschaft mit meinem Geld machen.

Offizielle Seite

Sicko

2007-06-28T22:36:00.000+02:00

Es ist immer wieder beeindruckend, wie ungeheuer souverän Michael Moore sein Handwerk beherrscht. Natürlich ist auch sein neuester Film Sicko, der sich um das US-amerikanische Gesundheitssystem dreht, keine objektiv-sachliche Dokumentation (manche Leute glauben ja echt noch, dass es sowas gibt), sondern ganz offen: Pamphlet, Agitprop, Satire.

Auch wenn sich Moore mit seiner übertriebenen Schwarz-Weiß-Malerei und seiner selektiven Faktendarstellung mal wieder ziemlich weit aus dem Fenster lehnt, er versteht es, den bestmöglichen Nutzen aus seiner Taktik zu ziehen. Der unkritische Zuseher ist schockiert, gebannt und emotionalisiert, dem kritschen Zuseher wird versucht zu suggerieren, dass hier bewusst augenzwinkernd-satirische Überspitzung eingesetzt wird, um die Botschaft wirkungsvoll an den Mann zu bringen.

Was mich betrifft, war ich beim Sehen ständig zwischen den beiden Postionen hin- und hergerissen, zwischendurch blieb mir noch Zeit, Moores Fähigkeiten als Filmemacher zu bewundern. Und auch als Provokateur macht ihm keiner etwas vor: Die Aktion mit Kuba ist einfach zu genial; von vorne bis hinten wird hier zielsicher der Finger in kollektiv-amerikanische Wunden gelegt.

Natürlich manipuliert Moore noch immer, was das Zeug hält. Auf der anderen Seite ist es zu begrüßen, dass ein kritischer Film, der demokratisches Bewusstsein vermitteln möchte, ein großes Publikum findet. Die Frage, auf die es hinausläuft, lautet: Wann und inwiefern heiligt der Zweck die Mittel?

IMDB-Link
Trailer
Übersicht über kontroverse Aspekte

It's Bloomsday, kid, it's Bloomsday

2007-06-16T00:28:00.000+02:00

Ob ich es wohl diesen Sommer schaffe, Ulysses endlich zu lesen? Bis jetzt kenne ich nur das letzte Kapitel und das fand ich toll. Aber wahrscheinlich schaffe ich es wieder nicht. Ich stehe ja schon jetzt vor einer unmöglich zu bewältigenden Bücherliste. Aber irgendwann... Irgendwann kaufe ich mir die fette, kommentierte Ausgabe und dann bewältige ich dieses Mammutwerk, das schwöre ich an diesem heutigen Bloomsday!

INLAND EMPIRE

2007-05-31T16:02:00.000+02:00

Morgen läuft David Lynchs neues Werk INLAND EMPIRE endlich auch in Österreich regulär an. Ich war gestern bei der FM4-Kinopremiere, und ich glaube, dass das Rennen um meinen Lieblingsfilm 2007 damit gelaufen ist. Tatsächlich habe ich jede der 172 Minuten genossen, auch wenn ich verstehe, wenn es manchen zuviel des Guten ist.

Ich persönlich war schlicht gebannt von dem, was Lynch selbst mit einer billigen Digitalkamera an großartigen Bildern zustande bringt, von seinem wie immer grandiosen Sounddesign, von der Musik und von den Leistungen der Schauspieler, allen voran Laura Dern, die ja schon viel gelobt wurde. Bisher mochte ich sie nicht besonders, aber diesmal fand ich sie wirklich toll. Aber man darf auch die anderen nicht vergessen: Jeremy Irons, Justin Theroux, Grace Zabriskie... Außerdem haben viele bekannte Gesichter kleinere Rollen und Gastauftritte, wie es sich für einen Film über Hollywood gehört.

Auf jeden Fall ist INLAND EMPIRE Lynchs bisher radikalster und am schwierigsten zu entschlüsselnder Film (wenn man ihn denn entschlüsseln möchte). Dennoch fühlt er sich nie wie eine Serie von wahllos aneinandergereihten Szenen an, es ist immer gerade genug vorhanden, das dem Zuschauer zumindest ein paar vage Ahnungen von möglichen Zusammenhängen in die Hand gibt. Das Schwierige ist wohl die schiere Menge von Ebenenen, Handlungssträngen, Motiven, die sich in der langen Spielzeit offenbaren. Um diese zu verarbeiten und irgendwie einordnen zu können, wird wohl mehrmaliges Sehen erforderlich sein.

Die andere Möglichkeit ist natürlich, einfach den Wahnsinnstrip zu genießen. Und auch das lohnt sich wirklich; ich zumindest war am Ende ganz schön überwältigt.

IMDB-Link
Der italienische Trailer ist wahrscheinlich der schönste.
"Cheese is made from milk!"

Chalk

2007-05-25T00:07:00.000+02:00

Gestern ist Chalk von Joakim Sandberg erschienen, ein geradezu geniales Indie-Game, welches das Prinzip des klassischen Shoot-'em-Ups auf originelle Weise variiert. Statt Schüsse abzufeuern zeichnet man mit der Maus Kreidestriche, die man beispielsweise dazu einsetzen kann, Geschosse der Gegner auf sie selbst zurückzulenken. Das Spiel steckt voller guter Ideen, macht großen Spaß und ist sowohl geschmackvoll als auch sorgfältig designt. Ach ja, und Freeware ist es außerdem.

Hier geht's zur Website mit Download.

La Jetée

2007-05-14T19:01:00.000+02:00

Chris Markers 1962 entstandenen, 28-minütigen Kurzfilm La Jetée zu sehen ist wohl eines der intensivsten filmischen Erlebnisse, das man haben kann - zumindest war es das für mich. Und das obwohl der Film fast gänzlich ohne Bewegung und Dialog auskommt. Klingt langweilig? Ist es aber nicht. La Jetée funktioniert nämlich als "Photo-Roman", wie es im Vorspann heißt. Er besteht nahezu komplett aus kunstvoll montierten Standbildern, darüber hören wir einen Off-Erzähler und, gezielt eingesetzt, Musik und Geräusche. Es ist gleichzeitig ein Science-Fiction-Film und eine Liebesgeschichte, eine Reflexion über Zeit, über Erinnerung, über das Kino.

Die Handlung spielt nach dem Dritten Weltkrieg. Paris ist zerstört und radioaktiv verseucht. Die Überlebenden haben sich in die Katakomben zurückgezogen und erforschen dort mittels Experimenten an Gefangenen die Technologie des Zeitreisens, um aus anderen Zeitzonen Hilfe holen zu können. Einem Gefangenen gelingt schließlich die Reise in die Vergangenheit, da er eine besonders intensive Erinnerung an ein Bild aus seiner Kindheit mit sich trägt, das ihm bis heute keine Ruhe lässt.

Übrigens kennen den Film zumindest indirekt auch viele Leute, die mit französischem Kunstkino nicht so viel am Hut haben und lieber Bruce Willis-Filme schauen; er war nämlich das Vorbild für Terry Gilliams 12 Monkeys. In die obligatorische Abwertung des "Remakes" werde ich aber gewiss nicht verfallen - zum einen sind die beiden einfach viel zu unterschiedlich und zum anderen finde ich 12 Monkeys großartig. Nichtsdestotrotz: La Jetée sollte man gesehen haben. Unbedingt. (Finger weg jedoch von der Version auf You Tube, zumindest von der englischen: Eine zentrale Szene fehlt.)

IMDB-Eintrag

Point + Click x 5

2007-05-07T23:05:00.000+02:00

Independent Gaming hat heute eine Liste mit den 20 meisterwartetsten Freeware-Adventures veröffentlicht, größtenteils AGS-Titel. Da schiebe ich doch gleich meine eigene Liste nach. Um nicht den Überblick zu verlieren, beschränke ich mich jedoch auf fünf Plätze.

5. Zak McKracken and the Lonely Sea Monster

Von den vielen angekündigten Zak-Sequels ist bis jetzt (soweit ich mitbekommen habe) eines tatsächlich erschienen: Die neuen Abenteuer des Zak McKracken. Ohne Zweifel ein spaßiges Fangame, aber mehr oder weniger insgeheim wünschen wir uns eben doch einen richtigen Nachfolger, der uns etwas vom Spielgefühl des Originals zurückbringt. Die in meinen Augen interessantesten Projekte in dieser Hinsicht sind zum einen das ambitionierte Zak McKracken Beetween Time and Space, das sich mit hochauflösender Grafik und gerenderten Zwischensequenzen allem Anschein nach auch vor moderneren Titeln wie Runaway nicht zu verstecken brauchen wird, und zum anderen Zak McKracken and the Lonely Sea Monster, das einen völlig anderen Weg einschlägt, indem es sich eher an die Retro-Freunde und Nostalgiker wendet. Was das Spiel interessant macht, ist, dass ich das Gefühl habe, dass der Entwickler verstanden hat, worum es bei Zak McKracken geht, nämlich nach eigener Aussage:

Creating a sense of freedom through non-linearity
Creating a feeling of grand adventure through explorations not through puzzles exclusively.
Keep Zak in the Sleezy Tabloids World, a World of Mysteries, Hoaxes New age Crap as seen on the shelves of your local supermarket.
"Why use plastic C4 when a Can Opener and Peanut Butter will do the job?"

Auch grafisch hält er sich strikt an das Original (also tatsächlich des Originals, nicht der verbreiteteren Enhanced-Version). Hell, er verteidigt sogar die Mazes. (Was für ein Satz. Die deutsche Sprache stirbt.) Und der nötige Sinn für Humor scheint ebenfalls vorhanden zu sein.

Schön ist auch, dass er das Spiel tatsächlich erst kurz vor der Beta-Phase angekündigt hat. Die Chancen, dass es tatsächlich bald erscheint, stehen also gut.

4. Square John Boy

Ich hätte auch The Forgotten Element an diese Stelle setzen können, habe mich aber schließlich doch für Square John Boy entschieden, weil mich dieses pubertäre Riesentitten-Getue ankotzt.

Nicht nur, dass Square John Boy sehr hübsch aussieht, es hat auch ein interessantes Konzept zu bieten: Man übernimmt die Rolle eines geistig behinderten Burschen namens Henry, der Zeuge am Mord an seiner Mutter wurde. Ziel ist es, die Erinnerungsfetzen daran zu einem Ganzen zusammenzusetzen, die Geschehnisse zu begreifen und der Außenwelt mitzuteilen, auf dass der Mörder - Henrys eigener Vater - zur Rechtschaffenheit gezogen werden kann. Sollte die Kombination aus einer spannenden, unheimlichen Story und dem ernsthaften, sensiblen Thema geschmacksicher funktionieren, könnte uns ein hochinteressantes Spiel ins Haus stehen.

3. Indiana Jones and the Crown of Solomon

Ja, die Demo hatte ein paar Schwächen. Aber erstens glaube ich daran, dass die Jungs aus dem Feedback gelernt haben und zweitens kann ich nicht aus meiner Haut. Indiana Jones and the Last Crusade war mein erstes Lucasfilm Games/LucasArts-Adventure, und wenn ich mir die teilweise wunderschönen Screenshots zu Crown of Solomon ansehe, das als dessen direkter Nachfolger geplant ist, wird mir einfach warm ums Herz. Im Grafikstil des Vorbilds gehalten beginnt Crown of Solomon dort, wo dieses endet. Auf dem Rückweg von Iskenderun wird Indy von den Nazis aufgespürt und ins Schloss Brunnwald zurückgebracht, um von Hitler persönlich verhört zu werden. Ach, und erwähnte ich schon, dass die Freimaurer vorkommen?

2. Fester Mudd and the Curse of the Gold

Monkey Island im Wilden Westen. Cool. Wenn dieses Spiel hält, was Screenshots und Entwickler versprechen ("full-length, consisting of over 40 screens"), dann steht uns eine Zeitreise in die goldene Ära des Adventures bevor. Auch wenn es wohl noch etwas dauern wird. Aber vielleicht geht sich zumindest eine Demo dieses Jahr noch aus.

1. Indiana Jones and the Fountain of Youth

Sister product. Nicht Fangame oder Amateur-Adventure, nein: FoY ist ein sister product zu Indiana Jones and the Fate of Atlantis. Auf diese Bezeichnung für ihr Projekt legen die Entwickler Wert. Was eine ziemliche Ansage ist, wenn man bedenkt dass Fate of Atlantis eines der umfangreichsten und besten Adventures aller Zeiten ist. Nur: Spätestens die langerwartete Demo hat bewiesen, dass die das offensichtlich ernst meinen. Natürlich, vielleicht wird das Spiel ob solch hoher Ziele nie fertig, aber... Gott im Himmel, was ist, wenn doch?

So... Einmal Zak McKracken, zwei Mal Indiana Jones und einmal Monkey Island im Wilden Westen. Hat da jemand "reaktionär" und "nostalgisch verblendet" gesagt? Happy Birthday, SCUMM.

Jackie Brown

2007-05-03T16:37:00.000+02:00

Gestern habe ich zum zweiten Mal Quentin Tarantinos Jackie Brown gesehen, diesmal auf der Kinoleinwand und im Original, und ich muss sagen, dass ich, anders als beim ersten Mal, ziemlich überwältigt war. Was ist das doch für ein wunderbarer Film.

Angesichts von Reservoir Dogs, Pulp Fiction und Kill Bill ist man ja versucht, Jackie Brown mit einem "Jaja, ist eh auch nicht schlecht" abzutun und insgeheim die Action, die coolen Sprüche und/oder den grotesken Humor der anderen Filme zu vermissen. Dabei beweist Tarantino gerade mit Jackie Brown seine wahre Größe. Er hätte auch einfach ein zweites Pulp Fiction drehen können, sowie es seine unzähligen Epigonen versucht haben, aber stattdessen hat er etwas anderes probiert, ohne dabei seinen Stil zu verleugnen (komplexer Zitatedschungel, unnatürlich natürliche Dialoge, Coolness etc.).

Dabei merkt man dem Film in jeder Sekunde die Sorgfalt und Liebe an, mit der er umgesetzt wurde. Besonders zeigt sich dies in den Charakteren und ihren Beziehungen zueinander. Statt reiner postmoderner Ironie und comichafter Übertreibung bekommen wir hier wirklich ehrliche, emotionale Bindungen und Konflikte zu spüren. Mal ehrlich, wer hätte nach Reservoir Dogs und Pulp Fiction gedacht, dass Tarantino es schafft, eine menschliche Beziehung dermaßen subtil und bravourös darzustellen wie im Falle Jackie Brown und Max Cherry? Genauso gut wird etwa das Verhältnis von Ordell und Louis rübergebracht, oder die Spannung, die zwischen Jackie und Ordell herrscht.

Aber auch filmisch ist Jackie Brown einfach ungeheuer souverän. Natürlich nicht so experimentierfreudig wie Kill Bill, aber auch hier haben wir Dinge wie Splitscreen, lange Tracking Shots und eine Sequenz, die hintereinander aus drei verschiedenen Perspektiven erzählt wird. Allein die an De Palma und Hitchcock erinnernde Szene, in der Ordell Jackie in offensichtlicher Tötungsabsicht zu Hause besucht, ist meisterhaft. Oder natürlich die tolle Eröffnungssequenz mit Across 110th Street.

Ich freue mich jetzt jedenfalls von Neuem darauf, Tarantinos nächsten Streich, Death Proof, zu sehen. Soll ja schon wieder ein Meisterwerk geworden sein.

ORF neu - Ein paar erste Eindrücke

2007-04-13T19:28:00.000+02:00

Ich bin ja von Filmen abgesehen normalerweise kein großer TV-Konsument, aber nachdem am Dienstag im ORF schließlich die größte Programmreform in der Geschichte der Menschheit stattgefunden hat, habe ich mir gestern mal etwas Zeit genommen, ein paar der neuen Formate zu begutachten.

Zum Beispiel haben wir da das auf ein junges Publikum zugeschnittene Magazin Wie bitte?, das gestern unter anderem Dieter Böhmdorfer und Martin Puntigam zum Thema "Was darf Satire" zu Gast hatte (und dass die beiden sich nicht mögen konnte man spüren). Ganz okay. Andi Knoll als Moderator führt bei mir persönlich halt eher zu Aggressionen und der Titel Wie bitte? ist für mich noch immer mit der deutschen Bürgerservice/Comedy-Sendung verbunden, die immerhin jahrelang auf RTL lief.

Bürgerservice haben wir im ORF in Form von Konkret, abwechselnd moderiert von Claudia Reiterer und Martina Rupp. Okay, hier bin ich zugegebenermaßen wohl in einer Minderheit, wenn ich beim Titel an Mundstuhl oder Erkan und Stefan denke. Wenn ich hier meckern müsste, würde ich mich wohl daran stören, dass die "konkreten", praxisorientierten und halbwegs informativen Servicebeiträge neben Vera Russwurm-mäßigen "tragischen Schicksalen" stehen.

Etwas, gegen das ich als junger Mensch naturgemäß nichts habe, dass mich aber überrascht, ist, dass der ORF sich insgesamt derart stark auf das junge Publikum konzentriert. Ich meine, abgesehen von den vielen neuen, jungen Formaten: Willkommen Österreich wurde ja vollkommen gekickt und fast überall haben wir jetzt das 16:9-Format, das gefällt den älteren Menschen im Lande selbstverständlich gar nicht. Und ich dachte immer, dass die nun mal den Großteil der Fernsehzuschauer darstellen. Aber wie gesagt, das soll natürlich keine Kritik sein, wenn man will, kann man das sogar als mutig bezeichnen.

Der Look der neuen ZiBs gefällt mir auch recht gut (von den Streifen im Hintergrund abgesehen. Ist niemanden aufgefallen, wie komisch das aussieht?) Aber kommen wir jetzt zur Unterhaltung und damit zum Prestigeprojekt: Mitten im Achten, die Daily Sitcom.

Um es kurz zu machen: Mission failed. Ich sage nicht, dass es nicht immer wieder mal ein paar ganz gute Witze gäbe, aber der Punkt ist, die Serie ist verkrampft, unauthentisch, gezwungen, weltfremd. Ich meine, sind die Autoren überhaupt Menschen? Oder von veralteten Zielgruppen- und Trend-Untersuchungen gefütterte Maschinen? Ich meine, man braucht ja die Puzzlesteine gar nicht erst zu analysieren, so lieblos sind sie zusammengewürfelt. Fast jede Szene scheint nach dem gleichen Prinzip zu funktionieren: 1) Sex 2) irgendwas vermeindlich Modernes, Hippes wie "Internet" oder "George Clooney" und 3) ein Wien-Bezug, also Ausdrücke wie "Einspänner" oder eine Figur, die im Wiener Dialekt redet. Andererseits haben wir aber auch wieder mal Figuren, die im Imperfekt sprechen. Zum Dilletantismus der Autoren gesellt sich dann leider noch der Dilletantismus mancher Darsteller wie Gerold Rudle. Insgesamt schade, denn um die paar guten Ansätze tut es mir irgendwie leid.

Einen Tick besser hat mir da schon die Impro-Comedy Die liebe Familie - Next Generation gefallen. Ein bisschen gewöhnungsbedürftig ist es schon und zumindest beim ersten Mal nicht restlos gelungen, aber um einiges sympathischer. Ich kann mich zwar an die ursprüngliche liebe Familie nur noch sehr dunkel erinnern, aber allzuviel gemeinsam hat die neue Version damit wohl nicht, eher handelt es sich um eine österreichische Version der Schillerstraße. Trotzdem: Wir haben noch immer einen Sektionschef Lafite (Herbert Steinböck) und wir haben auch noch immer eine Frau Sokol, die - geniale Idee - von Gerald Votava dargestellt wird. Zusammen mit den restlichen gut aufgelegten Darstellern und Gaststars hat das durchaus Unterhaltungs-Potenzial.

Zum Schluss komme ich vielleicht etwas vom Thema ab, aber das muss ich einfach auch mal sagen: Das beste, was der ORF im Moment zu bieten hat, kam erst im Anschluss und war schon vor dem 10. April da: Die 4 da (immerhin relativ neu) und natürlich Die Sendung ohne Namen. Die 4 da habe ich jetzt dreimal gesehen und war jedesmal wieder hin und weg ob solch kreativer, witziger, beißender und treffender Satire. Ich bin gespannt, wie lang die Autoren Scheuba, Maurer und Henning dieses Niveau halten können. Tja, und über Die Sendung ohne Namen muss ich ja wahrscheinlich sowieso nicht mehr viel sagen (Hey, vereinzelt hat man sie schon über die Landesgrenze hinaus entdeckt). Ich wollte sie nur auch endlich einmal in diesem Blog erwähnt haben, bevor sie endgültig eingestellt wird.

300

2007-04-08T02:57:00.000+02:00

Faschistische Propaganda. Stumpfsinnige Metzelorgie. Zweistündige Videospiel-Zwischensequenz. Widerliche Macho-Fantasie.

So, jetzt haben wir die wichtigsten Schlagwörter abgehakt, die in einer 300-Kritik stehen müssen und können endlich zu dem kommen, was ich eigentlich sagen will, nämlich: Sucht euch ein Kino mit einer großen Leinwand, kauft eine Karte für 300, wenn möglich in der vorderen Hälfte des Saals, geht hinein, entspannt euch, werdet euch bewusst, dass niemand, aber auch wirklich niemand in diesen Film geht, um seine Wertmaßstäbe zu überprüfen oder gar seine Geschichtskenntnisse zu verbessern, wartet bis das Licht ausgeht, haltet die Fresse und genießt.

Genießt den Ausflug in dieses archaische, übersteigerte und zum Glück vollkommen fiktionale Paralleluniversum, lasst euch von der visuellen und akustischen Kraft überwältigen und habt Spaß. Denn das ist es, was der Film mit jeder Faser seiner Existenz ausströmt, mit jeder Einstellung, jedem Trailer, jedem Plakat: Ich nehme mich nicht ernst, ich bin Camp, ich bin übertrieben, ich will unterhalten, ich will rocken, ich will coole Bilder liefern. Hätte Zack Snyder mit diesem Film Botschaften und Ideologien übermitteln wollen, dann hätte er ihn anders inszeniert. So wie es ist, wirkt es sogar, als habe er mit aller Kraft dagegen angearbeitet, in dieser Hinsicht zu ernst genommen zu werden. Und ich glaube daran, dass der Großteil des Publikums das im Unterschied zu den Feullieton-Kritikern und den oft sehr verlogenen, naserümpfenden Selbst-Profilierern auch mitkriegt.

Möge der Dialog "This is Madness! - Madness? THIS! IS!! SPARTAAAA!!!" noch lange von Betrunkenen in aller Welt gegrölt werden.

Nine Inch Nails @ Gasometer

2007-03-30T21:35:00.000+02:00

Gestern und heute spielen Trent Reznor und seine Mannen im Wiener Gasometer. Darauf habe ich lange gewartet, mich aber trotzdem in aller Bescheidenheit auf die gestrige Show beschränkt. Als Fan des raffinierten Industrial Rocks der Nine Inch Nails war ich die letzten Tage vor dem Auftritt ganz schön euphorisch. Konnten meine immensen Erwartungen erfüllt werden? Lesen Sie selbst.

Die Vorband war Ladytron aus Liverpool, eine Elektro-Pop-Formation mit zwei Frontfrauen, die ein beachtliches Maß an Erotik versprühten. Die Songs waren okay bis gut, und im Hintergrund lief auf einer Leinwand Dario Argentos Horrorklassiker Suspiria, den ich jetzt definitv endlich mal sehen muss. Ich glaube, der müsste sich sogar auf einer meiner Videokassetten befinden. Mal schauen...

Man mochte übrigens meinen, dass sich Reznors Perfektionismus direkt auf den Ablauf der Show ausgewirkt hat: Einlass pünktlich, Vorband pünktlich, Beginn pünktlich, absolut geradlinige Show, kein Gequatsche zwischen den Songs, pünktliches Ende, keine Zugaben. Echt angenehm.

Was weniger angenehm war, war der doch überraschend hohe Anteil an spätpubertären Gören ("Closer wird mein Hochzeitslied!" - O-Ton. Ohne Scheiss.), aber vielleicht stand ich auch nur zufällig neben einem Rudel dieser Sorte. Naja, aber sobald das Konzert losging, verschwanden derlei Damen aus meiner Position sowieso recht schnell, was daran lag, dass meine Position vorne in der Mitte war und dort, sobald Trent auf die Bühne kam und mit Somewhat Damaged loslegte, naturgemäß die Hölle los war. Nach Last, Sin und March of the Pigs musste ich mir eingestehen, dass auch ich einen Gang runterschalten würde müssen wenn ich den Abend überleben würde wollen. Also ließ ich mich ein Stück zurückfallen und glücklicherweise kam mir auch Trent entgegen, indem er mit Something I Can Never Have für einen kurzen Waffenstillstand sorgte. Es folgte Ruiner, und dann - ich musste zurück nach vorn - Closer.

Der Erstickungtod hatte mittlerweile mehrmals hefig an die Tür geklopft und ich lebte sozusagen von einem Puster aus der Kilmaanlage zum nächsten, aber es folgten mit Burn und Gave Up sowieso Songs, die bei mir keine besonders intensiven Gefühle auslösten. Dann wurde es langsam wieder spannend: Ein kurzer Chill-Out mit Help Me I Am In Hell, dann eine Steigerung mit Eraser und schließlich Wish und The Big Come Down hintereinander, wow. Vor allem letzteres war wie schon auf der Beside You In Time-DVD (YouTube-Clip) ein klares Highlight.

Weiter gings mit der neuen Single Survivalism, Only und Suck. Na gut, wer's mag. Allerdings war es schon ein verdammt intensiver Moment, als Trent gegen Ende von Suck das Mikro ins Publikum warf und das letzte "I am so dirty on the inside" vor dem finalen Refrain von einem Fan singen ließ. Weiter ging es mit The Day The World Went Away, dank Na-Na-Na-Faktor quasi das Hey Jude der Nine Inch Nails. Direkt danach war ich etwas überrascht, weil ein Lied folgte, das ich nicht kannte; inzwischen weiß ich, es handelte sich um Dead Souls, ein Joy Divison-Cover, dass Trent für den Soundtrack von The Crow aufgenommen hatte.

Schließlich ging es in Richtung Finale: Hurt, The Hand That Feeds und zu guter Letzt Head Like A Hole, von dem ich nicht gedacht hätte, dass es dermaßen rocken würde. Fulminanter Abschluss also einer tollen und sehr intensiven Show. Ein kleiner Wermutstropfen ist, dass mir bewusst geworden ist, dass es ganz schön viele an sich beliebte Nine Inch Nails-Songs gibt, die mich nicht besonders umhauen. Was erfüllte und nicht erfüllte Setlist-Wünsche betrifft: Wish und Closer habe ich mir erwartet, über The Big Come Down habe ich mich sehr gefreut. Schön wären noch gewesen: Terrible Lie, Mr Self Destruct, The Becoming, The Great Below... Naja, man kann eben nicht alles haben, und die Show hatte mit 90 Minuten genau die richtige Länge.

So. Und jetzt bin ich erstmal gespannt, wie das neue Album Year Zero wird, das in ein paar Tagen erscheint.

Setlist, Bilder und Videos des Auftritts

Immer nie am Meer

2007-03-10T01:21:00.000+01:00

Immer nie am Meer ist für mich die größte Überraschung des bisherigen Kinojahres. Erwartet hatte ich mir eine einfache, leicht zotige No Budget-Tragikomödie, bekommen habe ich Beckett.

Über Dirk Stermann, Christoph Grissemann und Heinz Strunk (aka Mathias Halfpape aka Jürgen Dose), die Hauptdarsteller und Autoren des Films, lache ich ja schon ein Drittel meines Lebens, was die ersten beiden betrifft würde ich mich gar als waschechten Fan bezeichnen (Ich kann nur jedem empfehlen, das MP3-Archiv ihrer Off-Air-Tagebücher auf der FM4-Homepage zu plündern - geniales Lachmaterial für Wochen). Klar also, dass ich mich sehr auf den ersten Kinoauftritt dieser Herren freute. Regie führte Antonin Svoboda, der Plot ist schnell erklärt: Drei jämmerlich am Leben gescheiterte Männer mittleren Alters sitzen nach einem Unfall ohne Aussicht auf Rettung in einem Auto fest.

Was banal klingt, entpuppt sich als überraschend tiefsinnige Parabel auf nicht weniger als die gesamte menschliche Existenz. Dabei kann es wohl nur in Österreich funktionieren, Immer nie am Meer eine Komödie zu nennen, denn obwohl es einige Lacher gibt, ist es in der Tat vielleicht der nihilstischste und zynischste Film, den ich je gesehen habe. Das Beeindruckende dabei ist, mit welcher Dichte und Konsequenz er den vorgestellten Mikrokosmos nutzt, um die elementaren Fragen des Lebens zu thematisieren (und durchweg mit einem schallenden "Nein" zu beantworten). Diesen Tiefgang hätte ich mir von einem Stermann-und-Grissemann-Film einfach nicht erwartet. Kurz gesagt, ich bin baff.

www.immernieammeer.at

Flags of our Fathers / Letters from Iwo Jima

2007-03-06T01:14:00.000+01:00

Achtung: Eventuell kleinere Spoiler.

Gleich vorweg: Ich finde das Projekt ziemlich reizvoll, das Steven Spielberg und Clint Eastwood da auf die Beine gestellt haben. Zwei Filme über eine historische Schlacht, zuerst aus der einen Perspektive, dann aus der des Gegners. Speziell handelt es sich um das Gefecht zwischen den USA und Japan um die Herrschaft über die Pazifikinsel Iwo Jima im Zuge des Zweiten Weltkriegs. Eastwood übernahm bei beiden Filmen die Regie.

Der erste Film, Flags of our Fathers, schildert die amerikanische Perspektive und erzählt die Geschichte rund um das berühmte Foto, das sechs US-Soldaten beim Flaggenhissen auf dem Berg Suribachi zeigt. Vorlage für den Film ist das Buch des Sohnes eines der Soldaten - die Entstehung dieses Buches dient auch als Rahmenhandlung. Diese wird wiederum vermischt mit zwei Handlungssträngen, die immer wieder hin- und herspringen und von den Hauptfiguren zusammengehalten werden: Zum einen die Schlacht auf Iwo Jima an sich, zum anderen die daraufgefolgte PR-Tour der Kriegshelden durch die USA. Dieses Durcheinander von Zeitebenen ist nicht komplett gelungen, führt aber auch zu einer der besten Szenen des Films: Die drei Hauptfiguren erklimmen mit der Fahne den Gipfel, während es rund um sie knallt und kracht; doch just als sie den Mast in den Boden stecken offenbart uns die Kamera, dass wir uns in Wirklichkeit bei einer Festveranstaltung in einem Footballstadion und die drei Helden sich auf einem nachgebauten Karton-Berg befinden; das Knallen kommt von Feuerwerkskörpern.

Anhand dieser doch ziemlich ironischen Szene sehen wir schon, dass es Eastwood unter anderem natürlich ums Dekonstruieren geht: Der Hype um das Bild und seine Helden ist auf einer ganzen Menge Lügen aufgebaut, aber für die US-Regierung immens wichtig gewesen, da sie zu dem Zeitpunkt so gut wie Pleite war und dringend Unterstützung brauchte, die wiederum nur durch einen Moral-Boost in der Bevölkerung möglich war. Die Schlachtszenen bekommen wir in klassischer Saving Private Ryan-Manier geboten, inklusive jeder Menge Eingeweide und abgetrennter Gliedmaßen und mit viel Wackelkamera, die uns die Chaotik der Situation verdeutlichen soll. Diese Szenen sind hervorragend inszeniert, und da liegt auch das Problem.

Ich weiß ja nicht wie es anderen Menschen geht, aber ich war einfach viel zu sehr von der Grandiosität von Kamera, Schnitt und Ton überwältigt, als dass ich noch viel anderes hätte fühlen können. Jedes Mal wenn es BUMM gemacht und der Kinosaal gebebt hat, habe ich mich gefreut wie ein kleines Kind. Und auch wenn einem Soldaten die Innereien heraushingen, dachte ich mir vor allem: Wow, wie haben die Make-Up-Leute das nur wieder hingekriegt? Technisch perfekt das alles. Nun könnte es sein, dass ich einfach zu einer sehr abgestumpften und zynischen Generation gehöre, aber umso mehr sollte man sich vielleicht Gedanken machen, ob dieser Weg, Antikriegsfilme zu machen, nicht schön langsam überholt ist. Ich verlange jetzt natürlich nicht ausgerechnet von Clint Eastwood, dass er in Hollywood eine neue Filmsprache einführt, aber generell würde ich meinen: Antikriegsfilme nach klassischem Muster sind tot. Bis auf die Eingweide und Körperteile funktionieren die meisten dieser Filme noch immer nach dem Muster von All Quiet on the Western Front. Und keinen berührt es mehr, weil wir es schon zig Mal gesehen haben. Andere Wege mit dem Thema umzugehen zeigen zum Beispiel Filme wie Apocalypse Now, Platoon oder The Thin Red Line, wenn diese auch trotz ihrer Sinnlichkeit eher auf einer existenziell-philosophischen Ebene funktionieren (und wenn auch letzterer in meinen Augen kläglich gescheitert ist), die dafür aber auch zeitloser ist.

Wollen wir aber fairerweise nicht vergessen, dass es in Flags of our Fathers neben dem Schrecken des Krieges ja vor allem um die Rolle des ikonischen Flaggen-Fotos geht und damit um die Frage nach dem Begriff Heldentum. Die Antwort bekommen wir etwas unelegant am Ende des Films zusammengefasst: Heldentum ist etwas, das die Menschen brauchen, um einen Sinn in etwas Entsetzlichem und im Grunde Abstrusem wie dem Krieg zu finden. Das Bild des Helden, der sich für sein Vaterland opfert wird jedoch vor allem von Medien und Politik inszeniert; wenn sich diese Leute aufopfern, dann für die Freunde und Kameraden um sie herum. Das ist zwar ein bisschen gar konsensual, aber werden wir nicht übermütig, wir sind schließlich noch immer in einem Hollywood-Film von Clint Eastwood, der sich obendrein zu dem Zeitpunkt sowieso längst als gescheitert erwiesen hat. Okay, das ist zu hart. Er ist nicht schlecht und hat durchaus einige interessante Dinge zu sagen. Aber richtig gut ist er halt auch nicht; Paul Haggis' Drehbuch ist einfach zu unausgewogen, die Charaktere zu flach und uninteressant. Ryan Philippe im Matrosenanzug. Nuff said.

Kommen wir also zu Letters from Iwo Jima, dem Film, der alles besser macht. Er zeigt die japanische Perspektive und hat das Glück, keinen Medienhype dekonstruieren zu müssen, sondern sich ganz auf die Schlacht an sich konzentrieren zu können - von ein paar kurzen Rückblenden abgesehen spielt der gesamte Film auf Iwo Jima. Die Drehbuchautorin Iris Yamashita liefert uns dabei endlich das, was wir beim Komplementärfilm so sehr vermisst haben: Charaktere, an denen uns etwas liegt. Im Vordergrund stehen dabei vor allem zwei: der charismatische, im Grunde amerikafreundliche General Kuribayashi (Ken Watanabe) und der einfache Soldat Saigo (Kazunari Ninomiya), der seine schwangere Frau daheim zurücklassen musste. Der Antikriegsaspekt ist dadurch viel eleganter in die Handlung integriert. Auch Eastwoods Inszenierung ist gelungen, weil auf poetische Weise düster, nahezu apokalyptisch. Dies führt den Film ein wenig mehr auf die existenzielle Ebene, von der ich vorhin gesprochen habe.

Meine Lieblingsszene war übrigens folgende: Zwei japanische Soldaten haben sich ein paar Amerikanern ergeben. Zwei der Marines bewachen die Gefangenen, bis es ihnen zu dumm wird; also knallt einer der beiden die wehrlosen Japaner - weiße Friedensfahne noch in der Hand - einfach ab. Diese Szene hat mir deshalb so so gut gefallen, weil sie all meine im Laufe des Films aufgekommenen Befürchtungen eliminiert hat, er laufe nur darauf hinaus, dass die meisten Japaner einfach zu blöd sind, rechtzeitig zu bemerken, was die Amis im Grunde für großartige, gutherzige Kerle sind.

Wenn man sich also unbedingt für einen der beiden Filme entscheiden will - und das geht, weil beide Filme wirklich in sich abgeschlossen und eigenständig sind - dann für Letters. Wer allerdings das innovative Projekt als solches erfahren möchte, der muss sowieso beide sehen. Die Reihenfolge ist dabei wiederum egal.

Hollywoodland

2007-03-01T17:36:00.000+01:00

Wenn irgendwo "Noir" draufsteht, kann man mich damit immer ködern. So kam ich auch um das jüngste Exemplar dieses Genres nicht herum, das den Titel Hollywoodland trägt und den mysteriösen Tod von Georges Reeves zum Thema hat, jenes Mannes, der durch die Rolle des Superman in der 50er-Fernsehserie The Adventures of Superman zu Starruhm gelangte.

Regisseur Allen Coulter, der zuvor beim Fernsehen beschäftigt war und hier sein Kinodebüt vorlegt, präsentiert uns keine eindeutige Auflösung des Falles, sondern bietet uns ganz im Rashomon-Stil mehrere Lösungen an. Der Film ist dabei in zwei Handlungsstränge unterteilt; zum einen werden wir Zeuge der Ermittlungen des heruntergekommenen Hard-Boiled-Detektivs Louis Simo (Adrien Brody), zum anderen bekommen wir Rückblenden zu sehen, die den Aufstieg und Fall von Georges Reeves (Ben Affleck) zeigen. Adrien Brody für so eine Rolle zu casten scheint seltsam, und in der Tat habe ich ein bisschen gebraucht um mich daran zu gewöhnen, aber irgendwie funktioniert es dann doch noch, vor allem, weil Simo eine etwas weichere und verletzlichere Version des klassischen Hard-Boiled-Detektivs darstellt, der zum Beispiel unter den Kommunikationsschwierigkeiten mit seinem kleinen Sohn leidet (Das hätte es bei Mitchum oder Bogart wohl nicht gegeben). Doch viel interessanter als die Krimigeschichte fand ich sowieso die Portraitierung von Reeves, in der sich außerdem mal wieder zeigt, dass Ben Affleck mitnichten ein schlechter Schauspieler ist, sondern eben einfach meistens in beschissenen Filmen spielt. Zusätzlich werden noch zwei tolle Nebendarsteller geboten: Bob Hoskins als böser Studioboss und Diane Lane als dessen Frau und Geliebte Reeves'.

Leider kommen Inszenierung und Story nicht über den guten Durchschnitt hinaus, wenn man also Vergleiche mit ähnlichen Filmen der letzten Zeit ziehen will, dann eher mit Where The Truth Lies als mit The Black Dahlia. Der Grund, sich Hollywoodland anzusehen liegt für mich eindeutig in der tragischen Reeves-Story, was vor allem Ben Affleck zu verdanken ist. Als Film Noir bietet er vergleichsweise wenig, das kann Brain De Palma dann doch besser.

Übrigens hat es offenbar einige Rechtsstreitereien mit Warner Brothers gegeben, die die Filmrechte am Superman-Stoff besitzen. So durfte der Film nicht wie ursprünglich geplant den zynischen Titel Truth, Justice and the American Way tragen, und das berühmte S-Logo durfte zwar zum Glück verwendet werden, musste aber aus dem Trailer hinausretuschiert werden.

Academy Awards 2007

2007-02-26T14:07:00.000+01:00

Leider hat das mit den Oscars bei mir dieses Jahr nicht so ganz hingehauen, da ich irgendwie im Hinterkopf hatte, dass die Verleihung Ende März stattfinden würde, und ich deshalb diesen Monat nützen wollte, um mir die wichtigsten Favoriten anzusehen. Nun fanden sie aber schon gestern statt und habe ich mir etwas überrumpelt wenigstens noch schnell Pan's Labyrinth reingezogen (großartiger Film übrigens), der nun zusammen mit Pirates of the Carribean: Dead Man's Chest zu den einzigen Gewinnern gehört, die ich bis jetzt gesehen habe. Naja, es wird nachgeholt; The Departed auf jeden Fall, vielleicht auch Babel und The Queen, auf Little Miss Sunshine werde ich verzichten, der nervt mich schon jetzt (von Dreamgirls ganz zu schweigen).

Trotzdem verspürte ich seltsamerweise so große Lust dazu wie noch nie, mir die Veranstaltung live anzusehen, was ich dann auch zum ersten Mal in meinem Leben getan habe. Und ich habe mich gut unterhalten, trotz etwas viel Al Gore-Schleimerei, größtenteils öden Dankesreden, und einer nicht überragenden Ellen DeGeneres. Dafür fand ich etwa sehr schön, als Martin Scorsese endlich den Regie-Award bekam, von seinen New Hollywood-Buddies Coppola, Spielberg und Lucas, und mit Standing Ovations. Freue mich auch für Forest Whitaker, und Helen Mirren war sehr sympathisch. Denke auf jeden Fall, dass ich nächstes Jahr wieder live schauen werde, es ist doch hundertmal schöner als eine von diesen Zusammenfassungen mit nervigen Kommentaren und Übersetzungen.

Dünyayi Kurtaran Adam - Turkish Star Wars

2007-02-18T02:10:00.000+01:00

Ab und zu hat man einfach die Schnauze voll davon, ständig gute Filme zu sehen. Wenn ich mir so die letzten Einträge in meiner Film-Liste anschaue... Die bitteren Tränen der Petra von Kant. Großartig. Der Mann ohne Vergangenheit. Toll. The Prestige. Super. Die Sehnsucht der Veronika Voss. Sehr gut. Monty Python and the Holy Grail. ROFL. Und schließlich All Through The Night, ein spaßiges Abenteuer, in dem Humphrey Bogart als sympathischer New Yorker Kleingangster eine Nazi-Untergrund-Bande aber sowas von pwnt. Wundervoll.

Es musste also etwas getan werden. Ein richtig mieser Film musste her, Trash der untersten Schublade. Kein B-Movie, kein C-Movie, nur noch ein D- oder E-Movie konnte da helfen. Nur muss man da vorsichtig sein. Als ich damals Plan 9 From Outer Space gesehen hatte, war ich ziemlich enttäuscht. Immerhin hatte er den Ruf, der schlechteste und unfreiwillig komischste Film aller Zeiten zu sein, was er nicht ist. Okay, er ist schlecht und auch unfreiwillig komisch, aber sind wir uns doch ehrlich, man braucht nur um eine beliebige Uhrzeit RTL2 einzuschalten und man hat gute Chance, einen Film zu sehen, der Ed Woods Kultklassiker bei weitem übertrumpft. Das gleiche z.B. bei Alone In The Dark. Forget the Hype. Nicht schlechter oder komischer als Independence Day oder Con Air.

Nein, der schlechteste und unfreiwillig komischste Film, den ich kannte, blieb immer King Solomon's Mines, hierzulande besser bekannt als Quatermain - Auf der Suche nach dem Schatz der Könige, mit Richard Chamberlain und einer ziemlich jungen Sharon Stone. Ein herrlich billiger und saudämlicher Indiana Jones-Abklatsch (in dem fatalerweise sogar John "Sallah" Rhys-Davis mitspielt). Dicke Empfehlung. Oft genug um fünf Euro in Wühltruhen zu finden, und es lohnt sich.

Aber heute wurde Quatermain endlich abgelöst. Heute lernte ich eine ganz neue Dimension des schlechten Filmemachens kennen, sowie ich es bisher nicht für möglich gehalten hätte. Es gibt Dinge, von denen ich vor lauter Orson Welles und Jean-Luc Godard und Stanley Kubrick gar nichts ahnte. Heute bin ich nämlich über Dünyayi Kurtaran Adam (1982) gestolpert, und das ist jetzt kein posermäßiges Originaltitel-Hinrotzen, denn dieser Film schaffte es offiziell nie über sein Produktionsland, die Türkei, hinaus, hat demnach auch keinen deutschen oder englischen Verleihtitel. Die wörtliche Übersetztung lautet Der Mann der die Welt rettet, allerdings ist er international besser unter dem Namen Turkish Star Wars bekannt - und berüchtigt.

Turkish Star Wars? Ja, tatsächlich gibt es in der Türkei eine richtige Tradition unautorisierter, trashiger Low-Budget-Plagiate amerikanischer Erfolgsfilme, die sich auch nicht scheuen, Musik oder Sequenzen ihrer Vorbilder einfach zu "samplen". So finden wir in Dünyayi Kurtaran Adam ständig vollkommen sinnlose Zusammenschnitte von Raumschlachten aus dem ersten Star Wars-Film, die sich bis zum Erbrechen wiederholen. Der Score ist unter anderem zusammengeklaut aus Moonraker, Flash Gordon, Planet Of The Apes und vor allem Raiders Of The Lost Ark - bei wirklich jeder Gelegenheit ertönt das berühmte Indy-Thema, bis man es nicht mehr hören kann. Noch dazu sind diese Klauereien sowas von schlampig zusammengeschnitten, dass man meinen könnte, ein Blinder auf Ecstasy hätte sich mit einem elektrischen Bratenmesser auf die Bänder gestürzt.

Auf Drogen müssen auch die Drehbuchautoren gewesen sein. Die Story dreht sich um zwei Weltraumpiloten, die auf einem Wüstenplaneten abstürzen, wo sie gegen einen Zauberer kämpfen müssen, der die Erde zerstören will. Was das alles mit goldenen Gehirnen, sagenumwobenenen Kartonschwertern, wirrer Islam-Propaganda und kinderzerquetschenden Riesen-Plüschmonstern zu tun hat, muss man einfach selbst erleben, ich könnte es beim besten Willen nicht erklären. Im Grunde ist es eh nicht so wichtig, da schätzungsweise die Hälfte der neunzig Minuten Spielzeit für wilde Schlägereien draufgehen. Vorzugsweise mit hochexotischen Aliens oder besser gesagt mit Statisten in albernen Faschingskostümen. Natürlich darf auch eine Lovestory nicht fehlen, deren non-verbale Subtilität ihresgleichen sucht. Alle fünfzehn Minuten ertönt das Love Theme aus Raiders und die blonde Nebendarstellerin grinst den Hauptprotagonisten an, als würde der Regisseur mit einer Schrotflinte vor ihr stehen und sagen: "(RATZ-RATZ) Und jetzt lächle, du Schlampe!"

Meine Lieblingseinstellung ist kommt aber erst kurz vor Schluss. Der Hauptprotagonist hat den bösen Zauberer per Handkantenschlag in zwei Hälften geteilt, und die liegen jetzt am Boden, was uns mit folgendem Special Effect gezeigt wird:

Großartig, oder? Vor allem, weil uns nach einem Zwischenschnitt auf das Gesicht des siegreichen Helden auch noch die andere Hälfte gezeigt wird, die ebenfalls deutlich über die Mitte hinausgeht, so dass quasi jede Hälfte ihre eigene Nase hat...

Man könnte noch viel über diesen Film sagen, aber da es ihn gestreamt im Netz mit englischen Untertiteln gibt, sage ich nur: Ansehen! Ich verzichte vorsichtshalber auf einen direkten Link, da ich mit der rechtlichen Situation dieses Falles hoffnungslos überfordert bin, aber er ist ganz leicht zu finden. Letzten Dezember ist übrigens tatsächlich ein Sequel erschienen - leider allerdings mit höherem Budget, freiwilligem Humor und ohne Klauerei...

Syndicate

2007-02-07T12:06:00.000+01:00

Die letzten Tage mussten Prüfungen, Filme und soziale Kontakte leider etwas zurückstecken, denn ich bin fatalerweise über Bullfrogs Syndicate gestolpert, ein Spiel, das mich völlig unverhofft gepackt und an den Bildschirm gefesselt hat.

Bullfrog war Anfang der Neunziger eine der innovativsten und hochgelobtesten Spielehersteller - Kopf des Teams war Peter Molyneux, jüngeren Semestern bekannt durch Black and White, Fable und The Movies. Damals hat er mit Bullfrog seinen Ruhm als Designer begründet, vor allem natürlich durch das God-Game-Meisterwerk Populous und dessen Fortsetzung, aber auch durch Spiele wie Magic Carpet, Theme Park und 1993 eben Syndicate. Meistens waren Bullfrog-Spiele durch ihre originellen Spielmechnaniken nur schwer in Genres einzuordnen, was auch hier zutrifft.

Bei Syndicate kommt wie so oft Molyneux' Faszination für die dunkle, böse Seite im Menschen zum Vorschein. Das Szenario ist eine klassische Cyberpunk-Dystopie: Die Welt wird nicht mehr von Regierungen, sondern von einer Handvoll Konzerne beherrscht, die sich über Dinge wie Bürgerrechte und moralische Werte eher wenige Gedanken machen. Wer jetzt glaubt, der Spieler übernimmt die Rolle eines jungen Helden, der eine Untergrundbewegung anführt, mit dem Ziel die Herrschaft der Konzerne zu brechen - weit gefehlt. In Wirklichkeit übernehmen wir die Rolle eines Konzerns, und unser bescheidenes Ziel ist die Alleinherrschaft über die Welt durch Vernichtung der anderen Konzerne.

Und es gibt tatsächlich keinen Twist bei der Sache. Wir sind kein "guter" Konzern oder so, auch nicht mit einem eigenem, im Grunde moralischen Ehrenkodex. Schon im Intro wird gezeigt, wie wir Agenten "ausbilden; nämlich indem wir uns Typen von der Straße schnappen, ihnen einen Chip implantieren und sie mit Drogen vollpumpen. Und wenn uns beim Kampf gegen die gegnerischen Konzerne Polizisten oder ahnunglose Passanten im Weg sind, dann werden sie eben aus dem Weg geräumt. Doch bevor wir weiter über das Weltbild von Syndicate reden, erstmal zum Gameplay.

Auf einer Weltkarte wählt der Spieler ein Land/Gebiet, dass er erobern möchte und erhält daraufhin ein Missionsbriefing. In den Missionen steuert er ein Team von bis zu vier Agenten aus isometrischer Perspektive, meistens durch eine Stadt. Diese Städte sind sehr lebendig gestaltet: Zivilisten spazieren umher, Autos fahren, Polizisten patroullieren. Die Missionsziele reichen von Killeraufträgen über Eskortierungen bis zu Sabotage und fast immer hat man es mit einer Überzahl feindlicher Agenten zu tun, die unserem Team ans Leder wollen.

Das Ganze spielt sich als Mischung aus Taktik und Action. Ist die Mission erfüllt, gehört das Gebiet uns und wir können Steuern eintreiben, von denen wir Waffen, Munition und Upgrade-Implantate für unser Team kaufen und erforschen. Allerdings darf man nicht übermütig werden: Sind die Steuern zu hoch, gibt's eine Revolte - dann muss man das Gebiet noch einmal erobern.

Die Sogwirkung von Syndicate ist der von Populous sehr ähnlich, und die non-lineare Missionsauswahl über die Weltkarte ist wirklich extrem motivierend, nach dem Motto "China schnapp ich mir jetzt aber noch. - So, jetzt nehm ich noch Indonesien mit. - Aber bei Australien ist dann für heute Schluss..." Dazu kommt noch das ständige Upgraden und Erforschen neuer Gimmicks und Waffen. Kurz gesagt, das Spiel macht absolut süchtig.

Auch die Missionen selbst machen, obowohl sie meist nach ähnlichem Muster ablaufen, wirklich Spaß und sind ungeheuer spannend. Ich glaube, das ist das erste Mal, dass ich einem Spiel nicht böse bin, dass es mich innerhalb der Missionen nicht speichern lässt. Deren Umfang und Schwierigkeitsgrad sind nämlich perfekt darauf zugeschnitten.

Ein paar kleine Negativpunkte fallen mir allerdings auch ein. Zum einen werden die Figuren, wenn sie hinter Gebäuden stehen, wirklich von ihnen verdeckt; sie scheinen also nicht durch, wie bei moderneren Titeln. Wenn mich Gegner aus dieser Position angreifen, kann ich mich nur wehren, indem ich ihren Standort mithilfe der Karte erschätze. Auch wenn ich Gebäude betrete, wird deren Decke nicht transparent - Gefechte in diesen werden somit zu Blinde-Kuh-Spielen.

Ein weiteres Problem betrifft die nicht immer makellos funktionierende Wegfindung. Das kann zum Beispiel für Frust sorgen, wenn man mit einem hochempfindlichen, missionsrelevanten Fahrzeug gerade eine Masse von wild um sich schießenden Gegnern durchquert hat und es dann plötzlich umkehrt, obwohl der Zielort in der Gegenrichtung liegt. Aber diese Mängel sind angesichts des Alters des Spiels verzeihlich.

Syndicate ist übrigens nicht nur in seinem Szenario kompromisslos, auch das Gameplay und die grafische Gewalt ist für die Zeit ziemlich hart. Im Grunde verbringt man bei aller taktischer Tiefe die meiste Zeit damit, Massen von Gegnern per Minigun mit Blei vollzupumpen, worauf sie von der Wucht der Schüsse mehrere Meter zurückgeschleudert werden bis sie in sich zusammensacken. Auch Verbrennen und In die Luft jagen ist möglich, und laut MobyGames spritzt in der englischen Originalversion sogar jede Menge Blut.

Vielleicht verkläre und überinterpretiere ich hier, aber ich habe nicht das Gefühl, dass all dieser Zynismus und diese Gewalt völlig unreflektiert und um der "Coolness" willen in diesem Spiel steckt, á la "John Romero's about to make you his bitch". Vielmehr wirkt Syndicate wie ein Werk von Leuten, die so richtig von der Welt und ihrer Entwicklung angepisst sind und das mit dem Spiel ausdrücken wollten. Wenn es in diesem totalitären Terrorregime nur von ein paar Prozent Steuersatz mehr oder weniger abhängt, ob die Bevölkerung revoltiert oder als "sehr glücklich" eingestuft werden kann, dann hinterlässt das einen schalen Nachgeschmack.

Was man mit Sicherheit sagen kann, ist, dass Syndicate ein äußerst innovatives und auch sehr einflussreiches Spiel war, man denke an X-COM, Commandos oder gar an GTA. Und vor allem ist es noch heute ungeheuer packend und macht einen Heidenspaß. Generell: Wer sich fragt, warum jedesmal so ein Riesen-Hype entsteht, wenn Peter Molyneux ein neues Spiel ankündigt, der sollte sich die Bullfrog-Klassiker der frühen Neunziger einmal ansehen.

Syndicate auf MobyGames
Power Play-Testbericht

Kurzer Monatsrückblick

2007-02-01T18:55:00.000+01:00

Nein, ich bin nicht tot. Aber Jänner ist Prüfungszeit auf der Uni, da geht es etwas stressiger zu als sonst. Dabei sind in diesem Land so viele lustige Dinge im Jänner passiert:

Österreich hat jetzt endlich was es wollte. Eine "stabile" große Koalition unter dem Bundeskanzler ~~Molterer~~ Gusenbauer. Herzlichen Glückwunsch, ihr Deppen. Und viel Spaß.

Dichand und Fellner brechen zusammen, verzweifeln, rufen die Apokalypse aus. Kein Finanzminister KHG mehr. THIS COUNTRY IS GOING STRAIGHT TO HELL!

Ich durfte als Student, der vorher Zivildienst geleistet hat, ein paar Wochen lang das Gefühl genießen, zur einer der meistgehassten Bevölkerungsgruppen im Staat zu gehören. Dass ich kein einziges Mal in Gefahr geriet, an einem Laternenpfahl aufgeknüpft zu werden, kann ich mir nur durch einen immensen Überschwall göttlicher Gnade erklären.

Politik und Journalismus richten ihre Aufmerksamkeit endlich auf die wirklich relevanten Themen und Probleme des Landes. Strache, der vor Jahren mal besoffen im Wald rumrannte. Platter, der auf Bilder mit Schwammerln drauf ballert. Nicht zu vergessen Starmania, Paris Hilton und die unerträgliche Windows Vista-Propaganda.

Schwerpunkt Klimawandel im ORF. Inklusive hochseriöser Dokumentationen wie The Day after Tomorrow und Diskussionssendungen mit Reinhold Messner. War der Jahrtausend-Orkan Kyrill eigentlich auch deren Idee?

Und so weiter. Das kann der Februar unmöglich überbieten.

The Wild Bunch

2006-12-28T13:46:00.000+01:00

In den letzten Tagen habe ich vier sehr verschiedene Western gesehen: McCabe & Mrs. Miller von Robert Altman, El Dorado von Howard Hawks, The Searchers von John Ford (zum zweiten Mal) und The Wild Bunch von Sam Peckinpah. Dabei war El Dorado okay, The Searchers besser als ich ihn in Erinnerung hatte, McCabe & Mrs. Miller toll und The Wild Bunch hat mich umgehauen.

Ich hatte mir viel von The Wild Bunch erhofft, immerhin zählt Pat Garrett & Billy The Kid, der ebenfalls von Peckinpah stammt, zu meinen absoluten Lieblingen des Genres. Aber einen derartig meisterhaften und dabei so unterhaltsamen Film hatte ich mir dann doch nicht erwartet. Auf der einen Seite existentialistisch, elegisch und brutal, auf der anderen Seite aber teilweise auch ein Riesenspaß für Jungs. Dabei hammermäßig geschrieben, gefilmt und geschnitten. Man sollte ihn aber auf alle Fälle im Original sehen, außer man hat nichts dagegen, wenn etwa aus einem "dirty son of a bitch" ein "gewissenloser Verbrecher" wird. Auf der DVD erklingt der Originalton außerdem in neu abgemischtem Stereo statt in tristem Mono, was besonders aufgrund des exzellenten Scores viel wert ist. Die Hauptrolle spielt übrigens William Holden, der sich aufgrund ebenfalls genialer Performances in Filmen wie Sunset Boulevard, Stalag 17 und Network schön langsam zu einem meiner Lieblingsschauspieler mausert.

Spielberg ist 60

2006-12-18T21:14:00.000+01:00

Mit Steven Spielberg wird heute einer der beliebtesten, aber auch meist gehassten Regisseure der Welt 60 Jahre alt. Auch wenn ich einige Argumente gegen ihn durchaus verstehen kann - ich habe ihn immer verteidigt und werde es weiterhin tun. Munich ist der zweitbeste Film, den ich dieses Jahr im Kino gesehen habe. Und ja, ich freue mich auch auf Indiana Jones 4. Und für alles weitere lasse ich einfach folgenden Link sprechen:

The 60 Reasons Why Spielberg Rules

Alles Gute, Steven!

The Man Who Wasn't There

2006-12-11T14:56:00.000+01:00

Endlich. Diesen Film wollte ich ja wohl schon ewig sehen. Gestern Nacht lief er endlich einmal im Free-TV, und zwar auf ARD, unter dem von mir noch nie zuvor gehörten, ziemlich dummen, aber nichtsdestotrotz irgendwie süß klingenden Titel Der unauffällige Mr. Crane. Der Film stammt aus dem Jahr 2001 und von Joel und Ethan Coen, dem Brüderpaar, das uns bereits zuvor regelmäßig mit Perlen des schrägen, aber stilvollen Kinos verwöhnt hat, darunter Fargo, The Big Lebowski, O Brother, Where Art Thou? oder mein ewiger Favorit Barton Fink.

Im Mittelpunkt der in den 40er-Jahren angesiedelten Geschichte steht der wortkarge Friseur Ed Crane, gespielt von Billy Bob Thornton, dessen Leben gelinde gesagt etwas aus den Fugen gerät - Erpressung, Mord und UFO-Entführungen inklusive. Unterstützt wird er von einer Cast, die sich sehen lassen kann: Frances McDormand, James Gandolfini, Scarlett Johansson, Tony Shalhoub - eine feine Auswahl, wie üblich bei den Coens.

Die Inszenierung könnte gar nicht eher nach meinem Geschmack sein. Langsam und ruhig, sehr stilisiert, sehr noir und, heilige Scheiße, ist der Film schön. Eigentlich möchte man vor jeder der Schwarz/Weiß-Einstellungen auf die Knie fallen. Der Kameramann Roger Deakins musste sich bei der Oscar-Verleihung leider seinem Kollegen Andrew Lesnie, für den ersten Teil der Lord of the Rings-Trilogie geschlagen geben, der den Preis zugegebenermaßen auch nicht ganz unverdient bekommen hat.

Nicht nur deshalb ist der Film einfach einer zum Genießen. Ich verstehe überhaupt nicht, wie manche Leute ihm unterstellen können, dass er langweilig wäre. Es wird wirklich genug geboten, um drei Filme damit füllen zu können. Schon allein Billy Bob Thornton mit Zigarette in der Hand und hochgezogener Augenbraue ist genug für einen gelungenen Abend. Wem das nicht reicht: Scarlett Johansson als Lolita. Tony Shalhoub als charimatischer Top-Anwalt mit Starallüren. Beethoven. Die Heisenbergsche Unschärferelation. UFOs. Und die Angeber unter uns können das ganze dann noch mit Kafka oder Camus in Verbindung bringen.

Wenn also Barton Fink mein Lieblings-Coen ist, dann befindet sich The Man Who Wasn't There jetzt offiziell auf Platz 2, ex aequo mit O Brother, Where Art Thou?.

IMDB-Eintrag

Die Hektiker: Silberhochzeit

2006-12-02T23:02:00.000+01:00

Gestern durfte ich im Simpl das neue Programm Österreichs erfolgreichster Kabaretttruppe, der Hektiker, erleben. Da es sich mal wieder um ein Jubiläumsprogramm (25 Jahre) handelte, gab es einige alte Sachen zu sehen, aber zum Glück auch so manches Neues, wie etwa einen exklusiven Einblick in die Koalitionsverhandlungen (deren brisantester Zankapfel weder die Abfangjäger noch die Studiengebühren, sondern ein SpongeBob-Schwammkopf-Federpennal ist). Sogar aktuelle Tages- und Wochenzeitungen wurden hervorgeholt, um den Eindruck einer "aufgewärmten" Best-Of-Nummernrevue zu vermeiden. Das funktioniert gut, herausgekommen ist ein abwechslungsreicher Abend, der um ein gutes Stück kurzweiliger geraten ist als das streckenweise etwas behäbige letzte Programm "Jenseits". Höhepunkte: Florian Scheubas Imitationstalent (Armin Assinger, Ottfried Fischer), ein vierstimmiger, aus den Lieblingsfloskeln des klassischen österreichischen Proleten zusammengesetzter Kanon (unbeschreibbar, muss man erlebt haben) und der nach wie vor brilliante 1991er-Sketch über die "Wiener Fremdenfreunde".

www.diehektiker.com

Casino Royale

2006-11-28T12:13:00.000+01:00

Auf den ersten Blick mag es seltsam anmuten, dass ich mich so auf diesen Film gefreut habe, finde ich die James Bond-Filme doch größtenteils langweilig. Aber diesmal ist es anders: In Casino Royale versprach man mir einen James Bond mit Persönlichkeit, wie in der Buchvorlage! Der auch mal nachdenkt über das was er tut. Der nicht allem gleichgültig gegenübersteht. Der auch mal zweifelt. Der auch mal verliert. Und der nicht im nächsten Film alles wieder vergessen hat, was er erlebt hat. Ich spreche nicht von tiefsinniger Charakterzeichnung, nur von ein paar kleinen Ecken und Kanten. Wie dankbar war ich jedesmal in einem Bond-Film, wenn man mir nur den Bruchteil einer Sekunde das Gefühl gab, dass dieser Typ im Smoking mit der Knarre ansatzweise sowas wie ein Mensch ist! Und tatsächlich: Casino Royale bietet mir diese Momente in durchaus zufriedenstellender Anzahl (zuviel soll es ja dann doch nicht sein). Endlich gibt man mir das Gefühl, dass das, was geschieht, Relevanz für die Serie und die Figur hat. Auch für die meisten anderen Bereiche gilt: Casino Royale ist die Summe einer Menge richtiger Entscheidungen.

Eine davon heißt Daniel Craig. Am Anfang gehasst, weil jeder Clive Owen wollte (den ich mir in der Tat genauso gut in dem Film hätte vorstellen können) und der gute Craig einen offensichtlich echt beschissenen ersten Presseauftritt hingelegt hat, jetzt geliebt, weil die Leute den fertigen Film gesehen haben und sich währenddessen keine Sekunde lang Pierce Brosnan vorstellen wollten. Auch mir fällt nichts ein, was man an Craig aussetzen könnte. Er spielt gut, sieht gut aus, kann ordentlich austeilen und genauso gründlich einstecken. Guter Mann.

Eine weitere richtige Entscheidung liegt im Plot: Man rebootet die Serie und erzählt Bonds erstes Abenteuer als Doppelnullagent - als Vorlage nimmt man einfach den ersten Ian Fleming-Roman. Das hat den schönen Effekt, dass man Bonds Charakter, seinen Gewohnheiten und Vorlieben auf die Spur kommen kann, ihn also in einem Stadium erlebt, in dem er sich quasi gerade erst entwickelt. Was weggelassen wurde ist der ganze futuristischen Schnickschnack, von giftigen Kugelschreibern bis zu unsichtbaren Autos - Bond soll den Bösen einfach in guter alter Manier die Fresse polieren oder ihnen ein paar Kugeln um die Ohren jagen. Oder sie einfach beim Pokerspielen abzocken. Bond im Edel-Casino am Spieltisch - das ist wunderbar, das ist ikonisch, das wollen wir sehen.

Was wir noch sehen wollen, das sind Bond-Girls. Der Feminismus kann sie uns nicht wegnehmen. Das einzige, was er ihnen anhaben konnte, ist, dass sie jetzt pro Film mindestens zehnmal betonen müssen, wie tough und klug sie nicht sind. Aber damit können wir leben, einen Unterschied macht es ja in der Praxis nicht wirklich. Diesmal dürfen Caterina Murino und Eva Green ran und beide enttäuschen nicht. Schön, sexy, teure Kleider. Passt! Genauso wichtig ist der Bösewicht. Mads Mikkelsen alias Le Chiffre hat leider nicht viel Platz, um sich zu entfalten. Aber er hat immerhin ein markantes Gesicht, macht am Spieltisch dauernd so einen lustigen Trick mit seinen Chips und... weint Blut! Cool.

Eines der furchtbarsten Dinge am letzten Bond-Film Die Another Day war der unerträgliche Titelsong der unerträglichen Madonna. Zum Glück scheint es sich dabei nur um einen Ausrutscher gehandelt zu haben. Chris Cornells You Know My Name mag kein Jahrtausend-Song sein, aber er gibt dem Franchise zumindest etwas Würde zurück. Gitarren und Bläser - nennt mich reaktionär, aber so soll es sein.

Und nun zum letzten wichtigen Punkt bei Bond-Filmen: die Action. Über sie muss man nicht viele Worte verlieren: Spektakulär wie immer, gehobener Hollywood-Standard halt, genau was man erwartet. Die superakrobatische, Tomb Raider-artige Jump-and-Run-Sequenz gegen Anfang wirkt vielleicht etwas seltsam, und auf originelle Einfälle wird man auch nicht unbedingt haufenweise stoßen, aber alles in allem wüsste ich nicht, was man da groß meckern sollte. Wenn sich Bonds Aston Martin schätzungsweise achtzigmal überschlägt, dann denke ich nicht darüber nach, wie realistisch das ist und welchen Zweck es für die Handlung hat, sondern ich lehne mich zurück und genieße die herrliche, sinnlose Zerstörungswut. Immerhin bewegt sich die Action zumeist im halbwegs stilvollen Rahmen, zumindest im Vergleich zu anderen Action-Blockbustern. Also schön altmodisch, ohne CGI-Overload und aufgesetzten Bullet-Time-Sequenzen.

Um zum Abschluss noch was Negatives zu bemerken: Eine Sache hat aber doch ziemlich genervt. Ich will's mal so ausdrücken: Wenn ich jedes Mal fünfzig Cent bekommen hätte, wenn auf der Leinwand das SONY-Logo erscheint, wäre ich jetzt ein sehr, sehr reicher Mann. Ich habe nicht grundsätzlich etwas gegen Product Placement, es kann durchaus ein realistisches Flair erzeugen, aber wenn man es dermaßen übertreibt, wird es lächerlich. Man glaubt ja schon, der Film handelt von einem totalitären SONY-Terrorregime. Aber wie schrieb ich schon letztens an anderer Stelle: Sich über penetrante Werbung zu beschweren ist heutzutage halt ein bisschen wie sich über das Wetter zu beschweren.

Fazit: Wahrscheinlich der beste Bond-Film, den ich bis jetzt gesehen habe. Grundsolide Unterhaltung mit Stil, Schauwerten, einem markanten Hauptdarsteller und ohne große Ausrutscher. Und sowieso besser als die bizarr-groteske Casino Royale-Verfilmung von 1967.

Der faulige Gestank der Ignoranz II

2006-11-26T14:40:00.000+01:00

Ich weiß, ich bin vielleicht etwas spät dran, aber nach allem, was ich in den letzten Tagen über das Thema gelesen habe, hat doch folgender Kontrast die stärkste Wirkung auf mich gehabt.

Das Problem

Die Lösung

Bernd Begemann im WUK

2006-11-06T16:37:00.000+01:00

So oft geh ich ja nicht auf Konzerte, umso geehrter dürfen sich die Herrschaften fühlen, die mir vorspielen dürfen. Gestern war Bernd Begemann im Wiener WUK dran. Kennengelernt habe ich den seit Ende der Siebziger musikalisch aktiven deutschen Liedermacher durch den wöchentlichen Podcast Ohrensessel, in dem er zusammen mit seinen Freunden Ben Schadow und Benjamin Maack sympathische Reviews von Filmen und DVDs macht.

Dass Begemann allgemein kaum jemand kennt ist verwunderlich - liest man doch im Zusammenhang mit ihm immer wieder Phrasen wie "Vater der Hamburger Schule" und "bester Entertainer Deutschlands" (ob diese nun übertrieben sind oder nicht sei dahingestellt). Auf jeden Fall bietet der Mann mitreissende Pop-Melodien, spritzig-ironische Texte und beachtenswerte Entertainer-Qualitäten, was man unter anderem daran merkt, dass das Konzert über drei Stunden dauerte, aber wie im Flug verging - einzig die körperlichen Schmerzen vom Kreuz abwärts waren ein Indiz für die Menge der vergangenen Zeit.

Mit seiner elektrischen Gitarre bewaffnet sang Begemann also eine beachtliche Anzahl an Songs, darunter etwa Ich habe nichts erreicht außer dir, Kelly Family Feeling, Fernsehen mit deiner Schwester, Gib mir eine zwölfte Chance oder die großartige Deutsche Hymne ohne Refrain, die er häufig zu Medleys verband und immer wieder durch kurze Monolge oder Stand-Up-Comedy unterbrach. Einen Teil der Titel sang erzusammen mit seiner Hamburger Kollegin Regy Clasen, die auch einen kurzen Soloteil zum besten geben durfte. Gegen Ende kamen dann vor allem Publikumswünsche dran, die auch zu einem Großteil erfüllt wurden.

Sympathischen, zynischen Humor gab es zuhauf; gerade über Österreich wusste er viel zu sprechen ("Ihr seid eigenartig - alle in Europa denken das!"), besonders über österreichische Literatur. So verglich er die inneren Monologe in seinen Songs mit Leutnant Gustl von Schnitzler ("Googelt das nach, Kids"), erklärte, warum er Elfriede Jelinek nicht mag ("Immer das gleiche! Jaja, die sind schuld, wir wissen schon...") und meinte aphoristisch: "Wenn man zu studieren beginnt, glaubt man, es wird wie in einer US-amerikanischen College-Serie, aber bald merkt man, es ist wie in einem Thomas Bernhard-Roman!" In weiser Voraussicht spottete er sogar über, ähem, öde Weblog-Konzertberichte ("Ich war ja so schlecht drauf, aber dann war ich auf nem Konzert, bla bla bla").

Bleibt mir also nur noch das Posten dieser beiden Links und die Empfehlung, ihnen zu folgen:

Bernd Begemanns Homepage (mit Songs zum Anhören)
Ohrensessel Podcast

Meine Geschichte als Computer- und Videospieler - Teil 5

2006-11-01T12:43:00.000+01:00

Wir sind mittlerweile im Jahr 2000 angelangt, und ich darf darauf hinweisen, dass es in unserem Haushalt noch immer keinen Internetzugang gab, was eigentlich schon seit längerem die absolute Ausnahme war. Ich war kein Mensch, ich war "der Trottel ohne Internet". Wahrscheinlich kommt daher meine bis heute anhaltende intuitive Abneigung gegen Multiplayer-Modi und -Spiele. (Sieht in etwa so aus: Singleplayer-Spieler sind an Computerspielen als Kunstwerke interessiert, für Multiplayer-Spieler ist es nur ein stumpfsinniger Sport. Ziemlich simple und extremistische Ansicht, ich weiß, aber ein bisschen was von ihr steckt bis heute in mir drin, ob ich das nun will oder nicht.) Wie dem auch sei, meine Quellen für Zeug aus dem Netz waren a) Spiele-Heft-CDs und b) die Informatik-Stunden in der Schule. So kam ich etwa an Mods für Half-Life, die mir größtenteils viel mehr Spaß machten als das Hauptspiel (das ich noch heute für in vielerlei Hinsicht überbewertet halte). Rechts zu sehen: Die höchst vergnügliche Zombie-Metzelei They Hunger von Neil Manke.

Vor allem aber öffnete sich mir langsam aber sicher die wundervolle Welt der Emulatoren. Es begann mit dem C64-Emulator CCS64, durch den ich erste Bekanntschaften mit der Ultima-Reihe und den Infocom-Textadventures machte – an beidem war ich schon lange sehr interessiert gewesen, und beides beeindruckte mich auch ziemlich. Immerhin fand ich in Ultima V endlich die von mir so schmerzlich vermisste lebendige Spielwelt voller Handlungsfreiheit; trotzdem blickte noch nicht so richtig durch. Auch in die Infocom-Spiele waren sehr reizvoll, aber ebenfalls sehr schwierig, vor allem auf dem C64 (globige Buchstaben und Nachladen nach jedem Absatz). Es sollte noch einige Zeit dauern, bis ich beides endgültig für mich entdecken würde. Ein anderer wichtiger Emulator war ZSNES, durch den ich die Super Nintendo-Konsole kennenlernte, die mir als Sega-Jünger bisher verschlossen geblieben war. (Selbstverständlich spielte ich all diese Emulatoren-Spiele nur bei Freunden, die die Originale besaßen und Sicherheitskopien angefertigt hatten – auf die Idee, mir ROMs aus dem Internet herunterzuladen würde ich nie kommen. Hätte ich auch keinerlei Verständnis dafür, ehrlich. Was ist schließlich dabei, mal schnell beim Media Markt um die Ecke vorbeizuschauen und sich, sagen wir, die Nice Price-Version von Labyrinth für den C64 zu holen? Außerdem möchte ich, dass George Lucas möglichst viel Geld verdient, um American Graffiti endlich so bearbeiten zu können, dass es seiner ursprünglichen Vision entspricht. Hoppla, ich schweife ab.)

Irgendwann bekam mein Bruder Baldur’s Gate II (Bild links) zum Geburtstag geschenkt. Auch ich versuchte mich daran und war zutiefst beeindruckt vom spannenden Gameplay und der romanhaften Dichte von Story, Atmosphäre und Charakterzeichnungen. Das wunderte mich einigermaßen – war ich nicht damals vom ersten Teil so enttäuscht gewesen? Sollte dieser um so vieles schlechter als sein Nachfolger sein? Ich beschloss, der Sache auf den Grund zu gehen und spielte den ersten Teil noch einmal. Und dieses Mal erkannte ich, um was für ein großartiges Werk es sich handelt, auch wenn Baldur’s Gate II tatsächlich noch um ein, zwei Klassen besser und ausgereifter ist und meiner Meinung nach vielleicht sogar die bisherige Krönung der Spieldesignkunst überhaupt darstellt, weil es die besten Eigenschaften verschiedener Genres zu einem großen Gesamtkunstwerk verbindet – gewissermaßen das Birth of a Nation oder von mir aus auch Citizen Kane des Computerspiels.

Ich lernte noch einige andere Spiele kennen und lieben: Thief, Deus Ex, No One Lives Forever, Max Payne – alles Titel, die das an sich recht stupide Genre des (Ego-)Shooters intelligent variierten und mit neuen, originellen Ideen anreicherten.

(Obwohl Deus Ex eigentlch schon mehr RPG als Shooter ist.)

(Und obwohl diese sture Genre-Einteilung auf Deus Ex bezogen sowieso Unsinn ist.)

(Und obwohl Deus Ex eigentlich ein so singuläres Meisterwerk darstellt, dass man es sowieso kaum mit anderen Spielen vergleichen kann.)

(Ich mag Deus Ex.)

Die große Revolution in meiner Spielerkarriere kam aber erst Anfang 2005: Unser Haushalt bekam Internetzugang, und mir öffneten sich dadurch die Tore in die Welt von e-Bay, Amazon und sonstiger Dienste, wodurch ich unzählige neue Titel kennenlernte. Endlich konnte ich mich wirklich näher mit der Ultima-Reihe (Teil VII siehe oben rechts) und der Interactive Fiction-Szene (inklusive den legendären Infocom-Titeln) beschäftigten. Auch die AGS-Community schien mir wahnsinnig interessant. AGS (Adventure Game Studio) ist ein Programm zum Erstellen klassischer Point&Click-Adventures etwa im LucasArts- oder Sierra-Stil. Und teilweise entstanden und enstehen in dieser Community großartige Titel, die das Herz jedes Adventure-Freundes zum Hüpfen bringen. Wär vielleicht mal einen eigenen Post wert... Ich konsumierte aber nicht nur AGS-Titel sondern erfüllte mir auch den Traum, selbst ein, zwei kleine Adventures zu programmieren. Dasselbe habe ich auf Interactive Fiction bezogen vor (die BASIC-Textadventures gelten nicht, auch wenn eines davon sogar recht gut war), hier kam ich allerdings bis jetzt über ein sehr frühes Stadium der Konzeptionsphase nicht hinaus – aber spätestens wenn Inform 7 final geht, werd ich auch das anpacken.

Irgendwann muss Schluss sein, und bevor ich endgültig als Über-Nerd dastehe, beende ich diese Serie – die wichtigsten Stationen wurden gestreift. Wenn ich in die Zukunft des Mediums blicke, bin ich gespannt und frustriert zugleich. Wirklich spannende, innovative Titel wie Spore sind Mangelware – die Spielemagazine berichten hingegen aufgeregt über inhaltsleere Technikprotzereien wie Crysis oder biedere Schlaftabletten-Adventures wie Runaway 2. Aber ich bezweifle trotzdem nicht, dass noch sehr aufregende Zeiten auf uns Spieler warten und freue mich schon darauf, vielleicht mitzuerleben, wie das Medium langsam seinen Kinderschuhen entwächst.

Meine Geschichte als Computer- und Videospieler - Teil 4

2006-10-28T16:25:00.000+02:00

Seit kurzem hatten wir also einen Pentium mit 450 MHz im Haus, einen High-End-Rechner! Unser erstes Spiel darauf war übrigens Need for Speed III: Hot Pursuit (siehe links), was grafisch natürlich extrem beeindruckend war, wenn man bedenkt, dass wir bis dahin nur einen 486er mit 33 MHz gehabt hatten, der schon seit Jahren hoffnungslos veraltet gewesen war.

Außer Dungeon Master hatte ich noch nie ein richtiges Computer-Rollenspiel gespielt, also noch nie eines, das in einer richtigen Fantasywelt spielt, mit Quests und so weiter, nicht bloß in einem Dungeon. Da ich mich ja so für Handlungsfreiheit begeistern konnte, hatte ich stets einen alten Power Play-Artik el über Ultima V im Kopf (das selbstverständlich nicht mehr erhältich war, auch die Ultima Collection fand sich nirgends), der mich in der Hinsicht beeindruckt hatte. Jetzt kam nach längerer Zeit wieder einmal ein klassisches, wunderschönes Fantasy-Rollenspiel heraus, das von der Fachpresse durchgehend gut bewertet wurde; es hieß Baldur’s Gate. Ich besorgte mir also diesen Titel, war aber bald ziemlich enttäuscht. Zu wenig lebendig schien mir die Welt, zu linear und eingeschränkt das Gameplay. Immerhin stütze ich mich noch immer auf den Artikel über Ultima V, und darin hatte nun einmal jeder NPC einen eigenen Tagesablauf und so weiter. Ich war überrascht, dass etliche derartige Features in einem Titel, der immerhin gut zehn Jahre später erschienen war, fehlten. (Ich sollte später sowohl an die Ultima-Spiele kommen, als auch Baldur’s Gate zu schätzen lernen – kein Grund also zur Beunruhigung.)

Anfang 2000 bekam auch ich einen Computer in mein Zimmer, einen Pentium 500. Bei dessen Grafikkarte war der Ego-Shooter Turok 2 dabei, was mich sehr freute. Richtig gespielt habe ich es aber nie; es gab nämlich einen Cheat, mit dem man den gesamten Level verdunkeln konnte, so dass er wirkte, als würde er in stockfinsterer Nacht spielen, mit dem Flammenwerfer in der Hand als einziger Lichtquelle (siehe rechts). Ich fand das ungeheuer atmosphärisch (am schönsten war es, wenn etwas in bunten Farben explodierte), und spielte dann meistens ein und denselben Level immer wieder mit diesem Cheat, während ich dazu Musik hörte. Ein bißchen krank, ich weiß, aber immehin bin ich somit heute wohl der einzige Mensch auf der Welt, der wenn er einen Song von den Corrs hört an brennende Dinosaurier denken muss.

Mein Lieblingsspiel zu der Zeit war aber Die Sims. Es war in seiner Art völlig neu und machte absolut süchtig. Nicht nur ich, sondern meine gesamte Familie war davon betroffen, was ungünstig war, da wir vier Leute waren, aber nur zwei Computer hatten.

In der Schule war Computerspiel-mäßig ebenfalls eine tolle Zeit angebrochen, da wir ab Schuljahresbeginn über einen Klassen-PC verfügten. Zuerst war eine BASIC-Version von Bomberman das Spiel der Stunde. Als Multiplayer-Titel ja sowieso erwiesenermaßen einer der spaßigsten Titel aller Zeiten, hatte es zusätzlich den Vorteil, dass es nicht nur zu zweit, sondern zu viert an einem PC spielbar war. Es wurde erst abgelöst, als ein anderer Klassenkollege das Freeware-Spiel Liero (siehe links) mitbrachte – eine Art Worms in Echtzeit und eines der besten Beispiele dafür, wie ein extrem simples Spielprinzip für tonnenweise Spielspaß sorgen kann; es war schon toll, nur zuzusehen. So bildeten die Burschen der Klasse (manchmal auch ein oder zwei „coole“ Mädchen) Pause für Pause eine Traube um den PC, und nicht selten blieben einzelne sogar freiwillig länger in der Schule, nur um ihre Revanche zu erhalten.

To be concluded...

Meine Geschichte als Computer- und Videospieler - Teil 3

2006-10-26T12:51:00.000+02:00

In der Schule hatte ich einen Freund, mit dem mich verband, dass wir beide hoffnungslos veraltete Computer zu Hause stehen hatten. Während Pentium-Prozessoren von 133 bis 200 MHz zum Standard wurden, hatte ich einen 486er und er (noch schlimmer) einen Amiga 600. Doch wir begeisterten uns für unser Spiele-Hobby. Ich lernte durch ihn Spiele wie Deja Vu kennen (ein Adventure, bei dem mich vor allem die Handlungsfreiheit beeindruckte – ich kannte bis dahin kein Spiel, in dem man sich selbst K.O. schlagen kann!) oder North and South und Worms, die natürlich vor allem zu zweit großen Spaß machen; außerdem diverse Werbe-Adventures wie Telekommando 2, in dem man einen Techniker der Telekom spielt. Es zeigt sich, wie beliebt Point&Click-Adventures in der ersten Hälfte der Neunziger waren, wenn man an diese kuriosen Werbespiele denkt. Unter anderem gab es etwa ein Bifi-Adventure und auch die Bank Austria hatte ein Spiel namens Arnie Goes 4 Gold veröffentlicht. Ganz zu schweigen von Titeln diverser Ministerien wie Das Erbe vom Deutschen Umweltbundesamt.

Wenn es in der Schule zur Pause klingelte, sprangen ich und mein Freund von unseren Plätzen auf und rannten in die Schulbibliothek. Das klingt jetzt unglaublich, erklärt sich aber dadurch, dass in der Bibliothek ein PC stand (ein 386er). Dort spielten wir unter anderem Lemmings, Duke Nukem 2 und alte LucasArts-Adventures – dass wir im Jahr 1997 lebten, also im beginnenden Zeitalter der 3D-Grafikkarten, ging uns am Allerwertesten vorbei – wir waren glücklich in unserer Welt. Bald entdeckten wir im Informatikbereich der Bibliothek, wo auch der Computer stand, ein Buch, das einfach und anschaulich, mit Zeichnungen und Bildern, Jugendlichen die Grundlagen von BASIC vermitteln wollte. Wir gingen es zusammen durch und waren bald in der Lage, selbst kleine Text-Adventures zu schreiben, die wir uns dann gegenseitig vorführten.

Eines Tages steckte mich der 3D-Wurm dann aber doch an. Nachdem mich das durch Doom populär gewordene Konzept von Spielen in der Ego-Perspektive bereits ziemlich fasziniert hatte, geriet ich eines Tages durch Besuch bei einem Freund in Kontakt mit Jedi Knight (Bild rechts). Als Star Wars-Fan sowieso vorbelastet, war ich von dem Spiel hin und weg – soetwas hatte ich noch nie gesehen. Ab jetzt hatte ich eine Mission. Ich wusste, dass wir zu Hause irgendwann einen neuen PC bekommen würden, und bis dahin musste ich meine Eltern soweit gebracht haben, dass sie mir dieses Spiel erlaubten. Sie waren nämlich in der Hinsicht sehr streng – schon um die Weltraum-Shooter Rebel Assault und X-Wing hatte ich regelrecht kämpfen müssen; diese spielten ebenfalls beide im Star Wars-Universum – aus der Sicht meiner Eltern nahm man also mit diesen Spielen aktiv an einem Krieg teil. Nichtsdestotrotz, ich konnte sie von der Harmlosigkeit beider Titel überzeugen. Bei Jedi Knight würde es aber schwieriger werden; meine Eltern lehnten Ego-Shooter aufgrund ihres Spielprinzips und der damit verbundenen Gewaltdarstellung pauschal ab, und zu allem Überfluss trug Jedi Knight einen Empfohlen ab 18-Sticker der USK - und ich war immerhin erst 14! Es kostete also viel Mühe, aber es gelang: Als wir einen neuen PC mit 450 MHz bekamen, rannte ich zum Software Dschungel und kaufte mir Jedi Knight. Und wie man heute bemerkt, bin ich ein grundanständiger Bürger geworden und habe keinen psychischen Schaden davongetragen (abgesehen von der Sache mit den Prostituierten, die ich hin und wieder verstümmle, aufschlitze und anschließend verspeise).

To be continued...

Meine Geschichte als Computer- und Videospieler - Teil 2

2006-10-24T23:10:00.000+02:00

Weihnachten 1991 bekamen wir ein Sega Mega Drive, damals das Non-Plus-Ultra auf dem Konsolenmarkt. Unsere erste Spiele darauf: John Madden’s NFL American Football und NHLPA Hockey (beide frühe Titel der EA Sports-Reihen, die noch heute existieren), aber vor allem Sonic the Hedgehog (Bild rechts oben). Das Jump&Run mit dem blauen Igel in der Hauptrolle war der Anstoß für ein jahrelanges fanatisches Suchtverhalten gegenüber allem, was mit Sonic zu tun hatte. Noch heute kann ich mich genau erinnern, wie ich Sonic 2 zum Geburtstag bekommen habe. Wie ich mir Sonic 3 mit hart erspartem Geld gekauft habe. Und wie ich ausflippte, als ich eines Tages zu Weihnachten Sonic&Knuckles aus dem Geschenkkarton ans Licht hob. Ich nahm mir die Musik aus den Levels auf Kassette auf und hörte sie zum Einschlafen. Ich war manisch.

Das war wohl auch der Grund, warum mir meine Eltern einen Game Boy verweigerten. In der Schule hatte jeder einen verdammten Game Boy, und wenn ich bei einem Freund eingeladen war, war es für mich das größte, einen Level Super Mario Land zu spielen. Aber das einzige, was sich Handheld-mäßig bei mir tat, war, dass mir einer dieser Freunde einmal eine oder zwei Wochen seinen Game Gear borgte, was großartig war – immerhin war es das Konkurrenzprodukt von Sega und hatte sogar einen selbständig leuchtenden Farbbildschirm, was beim Game Boy noch über zehn Jahre lang auf sich warten lassen würde...! Die Game Gear-Version von Sonic the Hedgehog spielte ich natürlich wie besessen auf einen Schlag durch (aber sie ist ja auch nicht so lang).

Das nächste Kapitel wurde eröffnet, als sich mein Großvater einen 486er zulegte. In der Zwischenzeit hatte sich der IMB-PC gegenüber Atari, Amiga und C64 endgültig durchgesetzt. Zu diesem Anlass (oder auch zu Geburtstag oder zu Weihnachten) bekam der Großvater von meinen Eltern Indiana Jones and the Fate of Atlantis geschenkt, mit der Begründung, dass es „zur Zeit einfach das beste Spiel“ sei (es gewann knapp gegen Der Patrizier). Die Besuche bei meinen Großeltern wurden damit zu Pilgerfahrten. Der gewaltige Eindruck, den dieses Spiel auf mich machte, ist kaum zu beschreiben. Das gleiche bei Day of the Tentacle (Bild links), das mein Vater eines Tages kaufte und bei meinem Großvater installierte. Was man sich heute nicht mehr vorstellen kann: Die Begeisterung darüber, dass dieses Spiel über SPRACHAUSGABE verfügte! Spätestens jetzt stand fest: LucasArts ist meine Religion.

Eines Tages kaufte sich mein Großvater einen neuen PC (Pentium 166), und wir bekamen den 486er. Er war schon damals veraltet, aber es war unsere erste IBM-Maschine. Und irgendwann brachte mein Vater die 10 Adventures-Compilation von LucasArts nach Hause. Ab da ging es rund: Monkey Island, Zak McKracken, Loom, Sam and Max – alles wurde gnadenlos verschlungen, leider – wie auch schon Fate of Atlantis und Day of the Tentacle – stets mit viel zu schnellem Griff zur Komplettlösung. Was gäbe ich heute darum, mir diesen Teil des Gedächtnisses löschen zu lassen, und all diese Abenteuer noch einmal zu erleben...

To be continued...

Meine Geschichte als Computer- und Videospieler - Teil 1

2006-10-23T11:51:00.000+02:00

Jawohl, ich sitze gern vor Bildschirmen und spiele. Seit meiner Kindheit ist meine Faszination für diese Art von Unterhaltung ungebrochen. Und ja, ich glaube daran, dass daraus mal sowas wie eine Kunstform werden kann. Teilweise ist sie das sogar schon. Aber darum soll es hier jetzt nicht gehen; gehen soll es um meine ganz persönliche Geschichte als Computer- und Videospieler. Nur ein relativ kurzes Erinnern mit den wichtigsten Highlights. Mit anderen Medien wie Film wäre das für mich nahezu unmöglich, aber bei Computer- und Videospielen ist das dank der damit einhergehenden technischen Entwicklung, die so ungeheuer schnell voranschreitet, ziemlich spaßig.

Ich bin mir nicht sicher, womit es begonnen hat. Entweder war es das Sega Master System oder der Atari ST. Das waren die Geräte, die meine Eltern besaßen, und beide übten schon in meiner frühen Kindheit eine starke Anziehungskraft auf mich aus. Ältere Generationen werden es nicht verstehen, aber es war einfach ungeheuer aufregend, diese Abenteuer, die man da am Bildschirm erleben konnte. Selbst erleben, nicht einfach anderen dabei zusehen wie im Fernsehen. Keine Ahnung, welches das erste Spiel war, bei dem ich einen Joystick in der Hand hielt. Aber ich erinnere mich sehr gut an die einzelnen Titel, immerhin habe ich sie auch Jahre später immer wieder gespielt. Am Master System waren es vor allem Action-Spiele wie The Ninja, Shinobi, Quartet und Fantasy Zone 2 (Bild links); Sportspiele nahmen schon damals eine eher sekundäre Rolle für mich ein, auch wenn ich etwa Out Run durchaus gerne mochte (aber das ist ja auch ein wahrer Kult-Klassiker; welcher Spiele-Freak, der in den 80ern aufgewachsen ist, kennt nicht die Ohrwürmer Passing Breeze, Splash Wave und Magical Sound Shower...?).

Auf dem Atari gab es neben unbekannteren Titeln wie Pink Panther, Hostages und dem ultra-gruseligen Grafik-Adventure Chono Quest (ich habe es seit Jahren nicht mehr gespielt, aber die musikalische Hauptthema werde ich wohl nie vergessen) Monumente wie Winter Games, Dungeon Master, Populous, Starglider 2, Formula One Grand Prix, Railroad Tycoon und – am wichtigsten – Indiana Jones and the Last Crusade (Bild rechts). Letzteres ist als mein erstes LucasArts-Adventure (damals hieß es noch Lucasfilm Games) eines der wichtigsten und am meisten mit Sentimentalitäten verbundene Spiel meiner Gamer-Karriere. Es hinterließ großen Eindruck bei mir, und als mir meine Eltern eines Tages endlich erlaubten, den dazugehörigen Film zu sehen, war das wie Weihnachten und Ostern an einem Tag (das gehört aber nicht hierher). Den zweiten Platz in dieser Hinsicht nimmt wohl Dungeon Master ein, auch wenn ich noch etwas älter werden musste, um nicht bei jeder Mumie Angstausbrüche zu bekommen. Populous (von dem ich eine Brettspielvariante bastelte), Railroad Tycoon und Winter Games liebte ich ebenfalls, Starglider 2 (Bild links) fand ich zwar irgendwie toll, hab aber nie auch nur ansatzweise verstanden, um was es da eigentlich geht (auch die Anleitung war in englischer Sprache und somit nutzlos für mich); so bin ich halt einfach von Planet zu Planet geflogen, genoß die traumartige Atmosphäre, schoß ein paar Weltraumpiraten ab und ließ mich von der Sonne einschmelzen, was einen coolen grafischen Effekt ergab. Hostage habe ich nur heimlich gespielt (ein "realistisches" Anti-Terror-Spiel; meine Eltern verboten es mir), und bei Formula One Grand Prix hatte ich am meisten Spaß damit, als Geisterfahrer spektakuläre Crashs zu erzeugen und mir diese dann in der Wiederholung aus verschiedensten Kameraperspektiven anzusehen.

To be continued...

Bücher-Sommer 2006

2006-10-05T22:45:00.000+02:00

Wie wenig du gelesen hast, wie wenig du kennst - aber vom Zufall des Gelesenen hängt es ab, was du bist.
- Elias Canetti

Die Uni hat wieder begonnen; es ist Zeit den Lese-Sommer Revue passieren zu lassen. Viel war es nicht, aber es hat sich alles gelohnt, wie ich finde. Sachbücher, Comics und Kurzgeschichten lass ich jetzt mal außen vor, übrig bleiben sieben Romane und ein Drama.

Thomas Bernhard: Frost

Eigentlich wollte ich im Sommer ja mehr lesen, aber dann habe ich überraschenderweise sehr lange gebraucht, um mich durch dieses erste Buch zu kämpfen, was meine Pläne so gut wie über den Haufen geworfen hat. Nicht dass Bernhards erster Roman schlecht wäre - er ist nur anstrengend und dabei nicht gerade aufregend.

Ein junger Medizinstudent wird von einem Kollegen in die Provinz geschickt, um dessen Bruder - den exzentrischen alten Maler Strauch - zu beobachten. So pirscht sich der Protagonist an den Sonderling heran und es entsteht so etwas wie eine Freundschaft, die vorwiegend daraus besteht, dass der Maler lange nihilistische Monologe hält, die man auch gut als Aphorismensammlung für Selbstmörder verkaufen hätte können. Mit der Zeit stellt der Protagonist mit einer Mischung aus Angst und Faszination fest, dass ihn das Ausgeliefertsein an die verbitterte Weltsicht des Malers zusammen mit der morbiden Atmosphäre des Dorfes auch selbst zu verändern beginnt.

Der Roman zählt auf jeden Fall zum deprimierendsten, die ich je gelesen habe. Mit welch negativer Wucht hier das Portrait des in einem Tal eingeschlossenen österreichischen Provinzdorfes und seiner Bevölkerung entworfen wird, ist wirklich beeindruckend. Das ganze Buch hindurch herrscht eine geradezu unmenschliche Kälte, sowohl in meteorologischem, als auch in jedem anderen erdenklichen Sinn. Trotzdem: Ich konnte einfach keinen Zugang finden; besonders die Gedankengänge des Malers waren für mich einfach nicht nachvollziehbar, so sehr ich mich auch bemüht habe. Aus meiner Sicht ist es - überspitzt ausgedrückt - einfach das sinnlose Gebrabbel eines Geisteskranken. Eine Zeit lang habe ich überlegt, einen Maler Strauch-Simulator zu programmieren, der per Zufallsprinzip Worte und Satzfetzen so aneinanderreiht, das man glaubt, eine Stelle aus Frost vor sich zu haben. Vielleicht mach ich das eines Tages noch mal.

Ian Fleming: Casino Royale

Ich war eigentlich nie ein großer James Bond-Fan (die meisten Filme finde ich über weite Strecken langweilig), aber auf den neuen Film bin ich doch irgendwie gespannt, schließlich stellt er meinen ersten bewusst miterlebten Bond-Darsteller-Wechsel dar. Da man sich wieder einmal bei einem Fleming-Roman bedient hat, habe ich entschlossen ihn zu lesen, um beim Film besser mitreden (sprich: klugscheißen) zu können. Endlich weiß ich jetzt was die Fans meinen, wenn sie sich einen "härteren, zynischeren Bond wie in den Büchern" wünschen. Dass Bond in Flemings Casino Royale ein Mensch ist und kein Comic-Superheld war wohl die größte Umstellung für mich. Die relativ simple Handlung besteht grob gesagt aus drei Akten, von denen sich jeder ein bisschen anders anfühlt. Der erste, in dem Bond einen feindlichen Agenten beim Bakkarat abzocken muss, ist hierbei der beste und spannendste. Ohne zuviel weiteres zu verraten: Der zweite ist dann fast schon erschreckend düster und hart, während der dritte ruhig und meditativ ist. Insgesamt würde ich sagen, dass Casino Royale ganz okay ist, aber da ich mir eigentlich eine spaßige Agentengeschichte erwartet hatte, hat mich der zynische Tonfall dann doch etwas geschockt.

William Shakespeare: Hamlet

Natürlich kennt jeder Hamlet und weiß in etwa worum es darin geht, aber ich wollte es einmal wirklich lesen. Und wurde überrascht. Über seine Bedeutung und Vielschichtigkeit brauchen wir nicht zu diskutieren, aber das Drama um den dänischen Prinzen ist noch dazu verdammt spannend und unterhaltsam. Was lernen wir daraus: Man sollte sich vom Respekt vor großen Werken der Weltliteratur nicht auffressen lassen, sonst kann einem ein tolles Lesevergnügen entgehen. Das trifft übrigens auch auf Faust I. zu. Ehrlich.

Franz Kafka: Der Prozess

Also Kafka mag ja nun wirklich jeder. Mainstream. Aber der Mann ist eben einfach gut. Auf der einen Seite diese verstörenden menschlichen Urängste, auf der anderen Seite dieses moderne Gefühl der Entfremdung in einer durchbürokratisierten Gesellschaft... Ich habe viele Lieblingsstellen im Prozess, die ich hier liebend gerne nacherzählen oder beschreiben würde, doch ist das leider so gut wie unmöglich. Aber Kafka kennt und liebt ja wie gesagt sowieso jeder, also weiter zum nächsten Büchlein.

Paul Auster: Die New York-Trilogie

Das sind jetzt eigentlich drei kurze Romane, nämlich Stadt aus Glas (City of Glass), Schlagschatten (Ghosts) und Hinter verschlossenen Türen (The Locked Room). Ich habe mir vorgenommen diese Trilogie zu lesen nachdem ich Austers Filmprojekte Smoke und Blue in the Face gesehen hatte. Diesen Sommer habe ich das Vorhaben nun verwirklicht und wurde mit einem interessanten, auf jeden Fall außergewöhnlichen Leseerlebnis belohnt. Den ersten Teil der Trilogie, Stadt aus Glas, kann ich auf jeden Fall bedingunglos weiterempfehlen. Im Mittelpunkt steht der Schriftsteller Daniel Quinn, der in einen höchst sonderbaren Kriminalfall und dabei in eine Art Identitätskrise gerät, von der keine der Figuren im Roman (und darüber hinaus) verschont bleibt. Es entsteht ein komplexes Netzwerk aus falschen Identitäten, Alter Egos und vermeindlich zufälligen Parallelen und Spiegelbildern, so dass jedes Individuum mehrere Ebenen bekommt, die sich wiederum untereinander überschneiden... Verwirrt? Keine Sorge, das ist keines der etlichen Bücher, dass den Leser mit zig Nebenfiguren samt ihren komplizierten Verwicklungen zumüllt, so dass man irgendwann völlig entnervt das Handtuch wirft. Auster baut die Geschichte sehr sauber und durchdacht auf - statt den Leser mit hemmunglosem Informationüberfluss zu überfordern, liefert er Ansätze und Doppelbödigkeiten, die ihm Raum lassen und ihn zum Nachdenken anregen. Gefiel mir sehr gut. Schlagschatten und Hinter verschlossenen Türen sind auch nicht schlecht, allerdings habe ich sie nicht mehr mit demselben Vergnügen gelesen wie Stadt aus Glas, an dessen Gewitztheit und Komplexität sie meiner Meinung nach nicht herankommen.

Thomas Bernhard: Auslöschung. Ein Zerfall

Nach dem äußerst anstrengenden Frost hatte ich ja eigentlich erstmal genug von Bernhard und ihn für diesen Sommer abgeschrieben gehabt. Aber dann stolperte ich eines Abends durch Zufall in das Kulturprogramm von ORF 2.

Mit dem Kulturprogramm im ORF ist es ein bisschen wie am Anfang von Per Anhalter durch die Galaxis, als Arthur Dent eines Morgens aufwacht und ein Bulldozer sein Haus abreißen will. Er protestiert, aber Prosser, der Fahrer des Bulldozers, argumentiert, dass die Pläne für den Abriss die letzten neun Monate im Planungsbüro ausgelegen wären:

Prosser: "Aber die Pläne lagen aus..."
Arthur: "Lagen aus? Ich musste schließlich erst in den Keller runter..."
Prosser: "Da werden sie immer ausgehängt."
Arthur: "Mit einer Taschenlampe."
Prosser: "Tja, das Licht war wohl kaputt."
Arthur: "Die Treppe auch."
Prosser: "Aber die Bekanntmachung haben Sie doch gefunden, oder?"
Arthur: "Jaja, das habe ich. Ganz zuunterst in einem verschlossenen Aktenschrank in einem unbenutzen Klo, an dessen Tür stand Vorsicht! Bissiger Leopard!"

Na jedenfalls sah ich dort eine Wiener Festwochen-Aufzeichnung von Bernhards Dramolett-Trilogie Claus Peymann kauft sich eine Hose und geht mit mir essen mit Claus Peymann und Hermann Beil. Dabei habe ich mich so glänzend amüsiert, dass ich beschloss, den Sommer mit Bernhards Opus Magnum Auslöschung zu beschließen, von dem mir versichert wurde, dass es besser zu lesen sei als Frost. Eine gute Entscheidung, denn jetzt bin ich mit Bernhard wieder vollends ausgesöhnt.

Der in Rom lebende Protagonist Franz Josef Murau erfährt, dass seine Eltern und sein Bruder bei einem Unfall ums Leben kamen, was ihn zum Haupterben und Verwalter des Familienanwesens Wolfsegg in seinem Geburtsland Österreich macht. Allerdings ist ihm das nicht besonders angenehm, da er Wolfsegg, Österreich und so ziemlich alles was damit zusammenhängt zutiefst verabscheut. Den ersten Teil des Buches verbringt er am Fenster seiner Arbeitszimmers in Rom stehend und sich zurückerinnernd an die Zeit mit seiner ihm verhassten Familie. Im zweiten Teil kehrt er für das Begräbnis nach Wolfsegg zurück.

Man könnte Bernhard vorwerfen, dass er Murau einfach wahllos alles beschimpfen lässt, das ihm einfällt - so einfach ist die Sache allerdings nicht. Als Leser ist man ständig hin- und hergerissen, immer im Zweifel, was man denn nun von diesem Kerl halten soll. Gerade wenn man sich völlig von ihm mitreissen lässt, relativiert er sich im nächsten Moment schon wieder selbst, indem er sich korrigiert, sich widerspricht oder - was so gut wie immer der Fall ist - dermaßen übertreibt, dass es schon wieder komisch wirkt. Außerdem reflektiert Murau durchaus auch über sich selbst, bezeichnet sich sogar dezidiert als "Übertreibungskünstler". Nicht nur das führt auch dazu, dass man sich immer wieder fragt, wieviel von Bernhard denn nun in diesem Murau steckt - auf den ersten Blick immerhin eine ganze Menge. Vielleicht sollte man darüber gar keine Gedanken machen und die Auslöschung einfach ganz entspannt als ungemein gut geschriebene und vollkommen überzogene Satire auf die österreichische Gesellschaft lesen, die laut Murau ausschließlich aus Katholiken und Nationalsozialisten besteht. Meistens beides in einem.

Take My Breath Away Baby

2006-09-27T19:43:00.000+02:00

Gestern liefen auf BR sowohl Außer Atem (A bout de souffle) (1960) von Jean-Luc Godard als auch Atemlos (Breathless) (1983), das amerikanische Remake von Jim McBride. Was für eine schöne Gelegenheit, die beiden Filme mal direkt hintereinander zu sehen.

Beide handeln von einem etwas ausgeflippten Kleinganoven, der in eine junge Studentin verliebt ist, die sich von dessem lausbübischen Outlaw-Charme zugleich angezogen und abgestoßen fühlt.

In Anbetracht dessen, dass Godards Film durch seine innovative Inszenierung nicht nur eines der Schlüsselwerke der Novelle Vague, sondern überhaupt einen der revolutionärsten Streifen in der Geschichte des Kinos darstellt, ist der Versuch, die beiden Filme zu vergleichen natürlich das Bescheuertste was man machen kann, und deswegen tu ich das jetzt einfach mal.

Die Hauptfigur

bei Godard: Jean-Paul Belmondo als Michel Poiccard

Cool, ohne Zweifel. Hat auf jeden Fall den zeitloseren Stil: schlechtsitzender Anzug, Krawatte, Hut, dazu meistens Sonnenbrille und Zigarette. Großes Idol: Humphrey Bogart.

bei McBride: Richard Gere als Jesse Lujack

Geschmackssache. Sagen wir mal hart an der Grenze. Styling: unter anderem rotes Rüschenhemd, Fifties-Jacke, gestreifte Hose. Auch sonst auffälliger und zappeliger als Belmondo. Tanzt und singt fast ununterbrochen irgendwelche Rock'n'Roll-Songs. Identifiziert sich mit der Comic-Figur Silver Surfer. Großes Idol: Jerry Lee Lewis.

Das Mädchen

bei Godard: Jean Seberg als Patricia Franchini

Süß, ohne Zweifel. Nationalität: Amerikanerin. Styling: Kurzhaarschnitt und Sonnenbrille. Möchte auf der einen Seite die moderne junge Frau verkörpern, fällt aber auf der anderen Seite auf die altmodischsten Anmachsprüche rein - in der Sequenz, in der sie einen exzentrischen Romancier interviewen muss, wird dieses Dilemma wunderschön auf den Punkt gebracht.

bei McBride: Valérie Kaprisky als Monica Poiccard

Klar, von der Bettkante würde die junge Französin wohl keiner stoßen, trotzdem bleibt sie ziemlich blass und wirkt als Person relativ uninteressant. Ist die meiste Zeit damit beschäftigt notgeilen, alten Architekturprofessoren in den Arsch zu kriechen.

Die Musik

bei Godard: Die jazzigen, improvisiert wirkenden Themen passen wundervoll zum Stil des Films und die kurzen, wiederkehrenden Leitmotive summt man noch lange nach dem Abspann.

bei McBride: Auch hier muss man einen glatten Einser vergeben. Fifties-Rock'n'Roll regiert den Soundtrack und harmoniert damit mit dem Lebensgefühl der Hauptfigur. Toll vor allem die allerletzte Sequenz, wenn sich Kitsch-Orchester und Rock'n'Roll quasi ein Duell liefern.

Die Inszenierung

bei Godard: Handkamera, Improvisation, Originalschauplätze, Jump-Cuts, Jump-Cuts, Zitate und Jump-Cuts.

bei McBride: Action, Romantik, Suspense, Kitsch, Erotik - Hollywood as its best: bigger than life. Dazu viel amerikanische Popkultur: Rock'n'Roll, Comics, Autos und Graffitis.

Fazit

Alles in allem gefallen mir beide Filme ziemlich gut. Natürlich ist Godards Film wichtiger und bahnbrechender, aber McBrides Version ist für ein Remake in neuem Kontext ziemlich gut gelungen. Es hat seinen Reiz, die französisch-Novelle-Vague-artige und die modern-hollywoodeske Realisierung einer Idee nebeneinander zu haben (wie etwa auch bei Claude Chabrols La femme infidele und Adrian Lynes Unfaithful - letzeres übrigens ebenfalls mit Richard Gere).

San Andreas's 115th Dream

2006-09-13T12:24:00.000+02:00

Heute Nacht hatte ich einen recht seltsamen Traum. Ich befand mich als blinder Passagier auf einem Piratenschiff, zusammen mit noch ein paar anderen, darunter Männer, Frauen, Kinder, von allem etwas. Das Ungewöhnliche war, dass die Mannschaft des Schiffs nicht aus Piraten, sondern ausschließlich aus Nazi-Soldaten bestand. Wir waren hinter Kisten versteckt und beobachteten sie beim Im-Stechschritt-Marschieren an Deck, als uns plötzlich der Atem stockte – Hermann Göring trat aus der Kapitänskajüte und verkündetete wütend schreiend, dass er nichts mehr hasse als blinde Passagiere, und dass er das Schiff persönlich nach solchen absuchen werde. Von Panik ergriffen suchten wir nach Verstecken. Da erblickte ich eine kleine Waschschüssel, wie ich sie aus dem Pflegeheim, in dem ich meinen Zivildienst abgeleistet hatte, kenne. Ich schnappte sie, lief in eine dunke, abgelegene Ecke und schaffte es dort tatsächlich, mich komplett in der Schüssel zu verkriechen, so dass es bei sehr oberflächlichem Hinsehen so aussah, als würde nur ein Haufen Kleidung darin liegen. Doch nach kurzer Zeit kam Göring bereits direkt auf die dunkle Ecke zu, noch immer schreiend, inzwischen zählte er Foltermethoden auf, die er an blinden Passagieren vorzunehmen pflege. Als er bereits wenige Zentimeter von der Waschschüssel entfernt war, wurde er im letzen Moment durch irgendetwas abgelenkt und gab die Suche auf. Letztenendes hatte der dicke Hermann keinen von uns entdeckt, und wir feierten schließlich unseren Erfolg so offen und herzlich, dass man annehmen muss, dass die Nazis aus irgendeinem Grund sämtlich verschwunden waren. Ende gut, alles gut.

Ich biete die Verfilmungsrechte dieses Traums hiermit zum Verkauf an. Denn Nazis und Piraten, das kann nur ein Hit werden. Gleichzeitig wäre ich sehr an einer psychoanalytischen Deutung interessiert.

Der faulige Gestank der Ignoranz

2006-09-09T13:32:00.000+02:00

Eigentlich wollte ich diese dämliche Diskussion ja vollkommen ignorieren, weil sie mich sowieso nur aufregt. Die Rede ist von der Eva-Herman-Karriere-oder-Kinder-Sache. Was mein Blut dabei am meisten in Wallung bringt ist, dass es laut dieser Debatte (wie übrigens in fast jeder Debatte zu diesem Thema), sowieso nur zwei Typen von Frauen gibt.

1) Schüchterne Hausmütterchen, die sich nicht trauen, ihrem bösen, meist betrunkenen, jeden abend Fußballschauenden Mann zu widersprechen. Sie tragen stets eine geblümte Schürze, verbringen den ganzen Tag nur mit Kochen, Windeln wechseln und in der Bibel lesen, und haben nicht die geringste Ahnung, dass es auch einen weiblichen Orgasmus gibt. Sie sind dumm, ungebildet und leben in der sogenannnten „Provinz“, was in Österreich „alles außer der Wiener Innenstadt“ bedeutet.

2) Knallharte, coole, wunderschöne, sexy, intelligente, emotional gefestigte, reife, starke, selbstbewusste, unabhängige, schlaue, hochgebildete, ehrgeizige Karrierefrauen. Diese Frauen sind ausnahmslos in kreativen, topbezahlten Bürojobs (meistens in der Marketing-Branche oder im Journalismus) tätig, tragen immer ein maßgeschneidertes Kostüm, und befinden sich stets in Konkurrenz mit anderen, die genauso ehrgeizig wie sie selbst sind, den nächst höheren Posten zu ergattern, damit sie dann noch mehr verdienen. Während sich die Mittel der anderen auf Mobbing, Intrigieren und mit dem Chef ins Bett gehen beschränken, versuchen sie selbst, ihre Ziele ausschließlich durch harte Arbeit und gute Ideen zu erreichen. In Österreich leben sie ausnahmslos in der Wiener Innenstadt, haben aber vor, so bald wie möglich nach Berlin zu ziehen.

Ich könnte noch viel länger weitermachen, aber das erübrigt sich sowieso. Einfach einer Diskussion zum Thema lauschen oder ein paar Artikel lesen, um die beiden Profile bis ins Unendliche zu erweitern. Es lebe der faulige Gestank der Ignoranz.

Miami Vice

2006-08-29T11:47:00.000+02:00

Nach meinen letzten beiden Kinobesuchen (Pirates of the Carribean 2, Superman Returns) war Miami Vice eine Wohltat. Endlich wieder mal ein Film, bei dem man sich nicht in jeder zweiten Sequenz denken musste "Ach Gott wie peinlich" oder "Für wie blöd halten die mich?" Ich verlange ja keinen intellektuellen Tiefgang von einem Sommerblockbuster, aber zumindest einen Funken Respekt vor dem Zuseher. Was nicht heißt, dass Michael Manns Cop-Thriller ein absolutes Meisterwerk ist, aber man bekommt auf alle Fälle etwas mitreißendes geboten.

Ich habe die Serie nie gesehen, kann also auch keine Vergleiche anführen, allerdings habe ich vielerorts gelesen, dass der Film quasi einen Neubeginn darstellt und nicht allzu viel mit der Serie gemein hat – soll mir recht sein.

Der Film hat mir in etwa das gegeben, was ich erwartet habe: keine wahnsinnig originelle Story, aber eine verdammt stilvolle Inszenierung. Das Drehbuch bietet im Großen und Ganzen nichts, was wir nicht schon aus anderen Thrillern kennen: Die beiden Cops Sonny Crockett (Colin Farrell) und Rico Tubbs (Jamie Foxx) arbeiten undercover in der Organisation eines mächtigen Drogenbarons, in dessen Freundin sich Crockett verliebt. Wir klappern Standardsituationen des Genres ab (unbemerktes Einschleusen in die Bande, Bürohengst aus Washington nervt, Geiselnahme etc.) und bekommen auch keine besonders tiefsinnigen Dialoge zu hören.

Das klingt jetzt nach einem Film Marke Michael Bay oder Roland Emmerich, der das ganze mit haufenweise spektakulär-bombastischen Actionsequenzen kompensiert, aber weit gefehlt. Wir bekommen weder irre Verfolgungsjagden noch wahnsinnige Stunts geboten, sondern eher sparsam eingesetzte Action, die um ein realistisches Flair bemüht ist. Wer Heat oder Collateral gesehen hat, weiß in etwa, was ihn in der Hinsicht erwartet – ein harter, ernsthafter Thriller für Erwachsene. Der Film geht nie soweit, dass er es in irgendeiner Hinsicht übertreibt. Es gibt Stimmen, die sich eine intensivere Charakterisierung der Freundschaft zwischen Crockett und Tubbs gewünscht hätten. Ich finde, es wurde genau richtig gemacht. Es gibt keine formelhafte "So, jetzt stellen wir die Freundschaft der Hauptfiguren vor"-Sequenz aus dem Hollywood-Handbuch, sondern die Beziehung der beiden geht aus ihrem Verhalten hervor. Der Gipfel der Intimität ist es, wenn sie vor dem Showdown einen Moment lang kumpelhaft die Fäuste zusammenschlagen. Wenn ich da an die "Du weißt, dass ich dich liebe, Riggs"-Sequenz aus Lethal Weapon 3 denke, bin ich Miami Vice sehr dankbar für diese Subtilität.

Was den Film jetzt zu etwas wirklich Besonderem macht ist seine Ästhetik; Mann versteht es, die Atmosphäre des nächtlichen Miami und auch anderer Locations ungeheuer intensiv einzufangen. Dazu kommen immer wieder dokumentarisch wirkende, grobkörnige Handkamera-Aufnahmen, die den Realismus und das Mittendrin-Gefühl verstärken. Der Film wirkt dadurch sehr frisch und dynamisch. Und auch das Sounddesign ist erstklassig. Schon bei Collateral fand ich es großartig, dass ein Pistolenschuss im Gegensatz zu anderen Filmen wirklich so verflucht laut ist, dass man im Kinosessel zusammenzuckt. Eine im Grunde simple Maßnahme, aber ungeheuer wirkungsvoll, da uns Schüsse aus Feuerwaffen im Hollywood-Kino mittlerweile so vertraut sind, dass wir sie oft gar nicht mehr richtig wahrnehmen. Zusammenfassend kann man also sagen: Die Form triumphiert über den Inhalt. Den Film anzusehen ist einfach ein Genuss. Und sollte tatsächlich ein Director’s Cut auf DVD erscheinen, werde ich ziemlich sicher zugreifen.

Trotzdem ist die Durchgestyltheit und Coolness des Fims im Unterschied zu typischen Hochglanzproduktionen kein Selbstzweck, da sie sich selbst durchaus zwiespältig gegenübersteht. Jedenfalls hat man nicht den Eindruck, dass sich die beiden Hauptfiguren in dieser eiskalten Welt wohlfühlen. So betrachtet besitzt auch die Tatsache, dass der Film mit dem Song Numb eröffnet wird durchaus eine Bedeutung.

Die Sequenzen, die mich am meisten beeindruckt haben, waren übrigens der Anfang und das Finale. Der Anfang, weil das gnadenlose Ich-werf-euch-ohne-Vorspann-direkt-in-medias-res einfach unglaublich gut gelungen ist, und das Finale, weil es so packend und spannend war, dass es noch einige Zeit nachdem man den Kinosaal verlassen hat nachwirkt.

Rumble Fish

2006-08-27T12:16:00.000+02:00

Gestern Abend habe ich Francis Ford Coppolas Rumble Fish (1983) gesehen, einen faszinierenden, atmosphärisch sehr dichten Film, der einen Einblick in das jugendliche Bandenmilieu einer amerikanischen Großstadt liefert. Er ist extrem stark durchkomponiert, vielleicht sogar zu sehr (ein paar weniger Einstellungen von Uhren hätten auch gereicht, damit die "Time is running out"-Botschaft ankommt); nichtsdestotrotz: Die Schwarz-Weiß-Photographie ist äußerst beeindruckend und erinnert mit ihren Schattenspielen und oft extremen Perspektiven an den deutschen Expressionismus oder den Film Noir. Zusammen mit den surrealen Effekten wie im Zeitraffer vorbeiziehende Wolken, denkt man gar das ein oder andere Mal an David Lynchs Eraserhead und Elephant Man. Dazu kommt ein treibender, stark perkussiv ausgerichteter Score vom Ex-Police-Schlagzeuger Stewart Copeland, der die Stimmung weiter verdichtet. Die Besetzung hat mich ziemlich aus den Latschen gekippt - ein bekanntes Gesicht nach dem anderen, die meisten jünger, als man sie sonst kennt: Matt Dillon, Mickey Rourke, Nicholas Cage, Dennis Hopper, Diane Lane (eine der schönsten Hollywood-Frauen und schon damals sehr hübsch), Chris Penn, Laurence Fishburne, Tom Waits... Alles in allem also ein sehr empfehlenswerter Film, wenn auch im Kino und im Original bestimmt ungleich wirkungsvoller als im Fernsehen.

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SZ-Cinemathek-DVD

One, Two, Three

2006-08-23T12:36:00.000+02:00

Ich weiß, man ist ziemlich allein, wenn man Some Like It Hot nicht für die beste Billy Wilder-Komödie oder gar die beste Komödie aller Zeiten hält. Und der Film hat ja auch seine Qualitäten. Aber mich persönlich haben andere Wilder-Filme mehr beeindruckt. Wenn es um seine Komödien geht, heißt mein neuer Liebling One, Two, Three – eine wahre Hochgeschwindigkeits-Satire, mit einem geradezu im Sekundentakt feuernden Witzarsenal, mit dem man locker drei Komödien hätte füllen können und in der wirklich alles auf die Schaufel genommen wird: amerikanisch-kapitalistischer Größenwahn, kommunistische Ideale, bürgerliche Plattitüden, „deutsche“ Tugenden, Geilheit, schlechte Musik, jugendliche Naivität, altvaterliche Überheblichkeit. Dazu gibt es ein herrliches Ensemble, bis in die Nebenrollen großartig, im Mittelpunkt Mr. Grapefruit James Cagney als Boss der Berliner Filiale des Coca Cola-Konzerns – eine perfekte Rolle für den alten Gangster.

IMDB-Eintrag
Kritik auf Filmstarts.de

40 Jahre "Revolver"

2006-08-05T12:09:00.000+02:00

Heute vor 40 Jahren ist Revolver von den Beatles erschienen - ein Album, das auf dem ständig umkämpften ersten Platz meiner liebsten Beatles-Alben bemerkenswert oft auftaucht (darin nur übertroffen von Abbey Road). (Anm.: Man beachte, wie geschickt ich mich um eine Reihung von Beatles-Alben zu drücken versuche, nur um dann doch eine zu liefern.) Nutzen wir die Gelegenheit doch, um nicht über die historische Bedeutung, die Einflüsse von Drogen oder das Klaus Voormann-Cover zu sprechen, sondern über die Songs – und zwar streng subjektiv.

1. Taxman

Ein geradliniges Rockstück, in dem sich Harrison über die Steuer ärgert. Ob man es glaubt oder nicht, gleich der Opener gefällt mir gar nicht so wahnsinnig. Für mich trotz des witzigen Texts einer der verzichtbareren auf der Platte.

2. Eleanor Rigby

Aber jetzt geht’s los. Was für ein Song. McCartney singt über Einsamkeit, Vergänglichkeit und Tod und wird dabei nicht etwa von den restlichen Beatles, sondern von zwei Streichquartetten begleitet.

Father McKenzie
Wiping the dirt from his hands as he walks from the grave
No one was saved

Unerreicht.

3. I’m Only Sleeping

Für mich als militanten Morgenmuffel sowieso ein perfektes Stück. Fängt großartig die Atmosphäre des morgendlichen Halbschlafes ein und ist in einer ökonomisch bestimmten, hektischen Leistungsgesellschaft wie unserer im Grunde der radikalste Protestsong, den man sich vorstellen kann.

Everybody seems to think I'm lazy
I don't mind, I think they're crazy
Running everywhere at such a speed
Till they find, there's no need

Besonders cool: Die rückwärts abgespielten Gitarren.

4. Love You To

Irgendwie mag kaum jemand, den ich kenne, diese Indischen-Exzess-Songs von Harrison wie diesen hier oder auch Within You Without You auf Sgt. Pepper. Ich finde beide toll und Love You To ist sogar mein Lieblings-Harrison-Song auf dem Album.

5. Here, There And Everywhere

Auch wenn mich die Lennon-Extremisten dafür verabscheuen: Ich find’s großartig (und hey, auch Lennon mochte den Song.) Inspiriert von God Only Knows von den Beach Boys gelingt McCartney wie schon bei Yesterday oder Michelle eine unwiderstehlich schöne Pop-Melodie.

6. Yellow Submarine

Ich kann gar nicht sagen, wie oft ich den Film in meiner Kindheit gesehen habe. (Wer ihn nicht kennt, sofort nachholen.) Dementsprechend groß ist meine Liebe zu diesem einfachen, aber unheimlich charmanten Liedchen. Everyone of us has all we need...

7. She Said She Said

Hier haben wir Psychedelic-Rock der besten Sorte von Lennon, inspiriert von einem Ausspruch Peter Fondas während einer gemeinsamen LSD-Session. Der When I was a boy-Teil wirkt in seiner Deplatziertheit herrlich bizarr.

8. Good Day Sunshine

Auch eher ein Song zum Überspringen. Wahrscheinlich zuviel Lebensfreude für meinen Geschmack.

9. And Your Bird Can Sing

Lennon hat sich später für den Song geschämt, hatte aber wie ich finde keinen Grund dazu. Okay, es ist kein großer Wurf, aber immerhin recht mitreissend.

10. For No One

Genial. Eine der besten McCartney-Kompositionen. Melancholisch, bescheiden, hat Stil.

11. Doctor Robert

Okay, aber auch nicht gerade das Spannendste auf dem Album. Am besten gefällt mir der fies-ironische Well, well, well, you’re feeling fine-Teil.

12. I Want To Tell You

Nicht mein Lieblings-Harrison-Song, aber durchaus kreativ. Das Riff zum Beispiel ist toll.

13. Got To Get You Into My Life

McCartneys Hymne auf Marihuana, aber natürlich funktioniert’s auch auf alles andere angewendet. Tolle Bläser.

14. Tomorrow Never Knows

Die Krönung. Die Melodie dieses experimentellen, meditativen Meisterwerks basiert wie in der indischen Musik nur auf einem einzigen Akkord, der Text ist von Timothy Learys Buch The Psychedelic Experience inspiriert (das wiederum auf das tibetanische Totenbuch zurückgreift) und last but not least kommen die irrsten Studioeffekte zum Einsatz. Lennon sagte in seiner gewohnt konkreten Art zum Produzenten George Martin, er wolle, dass seine Stimme klänge wie die des Dalai Lama, der auf dem höchsten Berggipfel singt, mit tausenden Mönchen, die im Hintergrund mitsingen – was mit Hilfe eines Leslie-Lautrechers recht gut gelungen ist, wie ich meine. Dazu kamen die Bandschleifen, die unter anderem für das „synthetische Möwengeschrei“ und das Chaos aus Trompeten und Gitarren sorgten, das sich durch den ganzen Song zieht. Und nicht vergessen werden darf natürlich Ringo Starrs kongenialer Schlagzeug-Beat. Turn off your mind, relax and float down stream…

Die unabhängigste Tageszeitung der Welt

2006-08-03T10:56:00.000+02:00

Es ist wahrlich sagenhaft, mit welcher Dreistigkeit und Ungeniertheit die Krone schon jetzt massiven Wahlkampf für Hans Peter Martin und seine Bürgerliste betreibt. Seit er am Sonntag mittels eines ganzseitigen Inserats (von der Zeitung nur sehr halbherzig als Gastkommentar getarnt) dazu aufgerufen hatte, ihm "so schnell wie möglich" Unterstützungserklärungen für seine Kandidatur zu unterschreiben, samt Überschrift "Für Kleinparteien wird Antreten von H.-P. Martin schmerzhaft" auf der gegenüberliegenden Seite und natürlich der Headline "Ab Dienstag sammelt er Unterschriften: H.P. Martin startet in den Wahlkampf" auf dem Titelblatt, verging fast kein Tag, an dem Opi Dichand nicht auf seinen derzeitigen Liebling geachtet hätte.

Am Montag auf Seite 5 die irrsinnig spannende Schlagzeile "Konkurrenz wartet, ob H.-P. Martin Hürdenlauf zur Kandidatur schafft", am Dienstag ausnahmsweise nur gewöhnlich niveauloses EU-Bashing, am Mittwoch ein Foto von HPM vor der Ortstafel von Bregenz, wo er mit dem Unterschriftensammeln loslegte, und heute eine ganze (!) zusätzliche Leserbriefseite, die sich nur mit dem selbsternannten Saubermann beschäftigt (mit dem extrem ausgewogenen Meinungsverhältnis von sechs Leserbriefen für und einem gegen ihn).

Mit der Krone im Rücken sollte es für Martin ein Leichtes sein, nicht nur zur Wahl antreten zu können, sondern auch ins Parlament zu kommen. Gut, in die Regierung wird er es meiner Einschätzung nach kaum schaffen, aber es nervt mich trotzdem immer wieder, dass manche Leute für ihre Wahlwerbung bezahlen müssen und andere sie umsonst bekommen, sei es von Fast-Food-Konzernen oder von "unabhängigen" Medien.

HR Giger

2006-07-17T19:15:00.000+02:00

Im Kunsthaus Wien findet momentan eine Retrospektive des Schweizer Surrealisten HR Giger statt, der dank seiner Oscar-gekrönten Designs für Ridley Scotts Film Alien wohl vielen bekannt sein dürfte.

Heute habe ich die Austellung besucht und sie ob Gigers alptraumhafter Gemälde und Skulpturen leicht verstört wieder verlassen. Der Künstler entwirft in seinen Werken höllengleiche Welten und Visionen, in denen Mensch und Maschine zu grotesk-entstellten, aber auch irgendwie faszinierenden Schreckensgebilden verschmolzen sind. Dabei scheint Giger ein besonderes Faible für die Bereiche Geburt und Sexualität zu haben - und das nicht in einem besonders lebensfrohen, optimistischen Sinn...

Auch ein Alien-Modell in Lebensgröße gibt es zu bewundern. Wer wissen will, was Furcht bedeutet, kann sich vor dem Biest hinknien und ihm direkt ins "Gesicht" blicken. Pleasant dreams.

Wer mehr über Giger wissen will, den verweise ich auf die beiden offiziellen Webseiten http://www.hrgiger.com und http://www.giger.com, sowie auf diese Online-Gallerie: http://www.therionweb.de/giger/giger.htm. Hier die Seite zur Ausstellung im Kunsthaus Wien: http://www.kunsthauswien.com/deutsch/austellungen/hr_giger.php.

Thom Yorke: The Eraser

2006-07-12T11:26:00.000+02:00

Das neue Radiohead-Album lässt wohl noch einige Zeit auf sich warten, dafür hat Frontman Thom Yorke am Freitag sein erstes Solo-Album The Eraser veröffentlicht, auf dem er seine Vorlieben für elektronische Spielereien mal ohne Einschränkungen ausleben kann. Nach den ersten Hördurchgängen glaube ich sagen zu können, dass ihm ein sehr faszinierendes und interessantes Album gelungen ist, das aber natürlich kein zweites Kid A ist, wie uns offenbar einige Kritiker weismachen wollen. Vielmehr zeigt sich bei dem Album ganz deutlich, das Radiohead nicht Thom Yorke allein ist und wie wichtig das Band-Kollektiv doch für den kreativen Prozess ist. Natürlich, The Eraser ist ein tolles Album, aber die kreative Bandbreite von Kid A oder auch Amnesiac bietet es nicht. Thom Yorke mag ein Genie sein, aber er allein kann uns Radiohead nicht ersetzen - ich finde, das ist durchaus ein beruhigender Gedanke.

Von Dimensionstoren und Rabbis

2006-07-08T14:58:00.000+02:00

Mein Bruder hat vor kurzem das protzige Mega-Rollenspiel "The Elder Scrolls IV: Oblivion" geschenkt bekommen und kommt gar nicht mehr davon los. Auch ich war schon lange auf diesen Titel neugierig, bietet er doch laut Werbung und Testberichten gigantische Handlungsfreiheit und eine realistisch simulierte Spielwelt, inklusive NPCs mit eigenem Tagesablauf. Meine Hoffnung auf ein Spiel, das endlich wieder einmal relevante inhaltliche statt technischer Entwicklungen bietet, wurde aber zumindest nach dem ersten Anspielen größtenteils enttäuscht, wie schon beim Vorgänger "Morrowind". Nicht nur, dass die Story darauf hinausläuft, dass ich mal wieder Dimensionstore verschließen muss (wie originell), nicht einmal die Spielwelt wirkt annähernd so lebendig wie im 14 Jahre alten Klassiker "Ultima VII: The Black Gate" (Ich bin mir bewusst, dass man da auch ein Dimensionstor zu verschließen hatte - aber anno 1992 war die Idee noch nicht dermaßen ausgelutscht). Was nicht heißt, dass ich mir "Oblivion" nicht noch einmal zur Hand nehmen werde - vielleicht urteile ich ja zu vorschnell.

Spielerisch viel mehr beeindruckt hat mich "The Shivah", ein vor kurzem erschienenes Freeware-Adventure, das von Dave Gilbert via AGS programmiert wurde. Fans von klassischen Point&Click-Adventures (Sierra, LucasArts etc.) sollten sich diese Perle nicht entgehen lassen. Es handelt sich um eine Art jüdischen Noir-Krimi, in dem man die Rolle des in einer Lebenskrise steckenden Rabbis Russell Stone übernimmt. Ein wirklich cleveres, gut geschriebenes Spiel mit innovativen Ideen. Da es innerhalb eines Monats für den Wettbewerb MAGS programmiert wurde, ist es nicht allzu lang, bietet aber dafür dank mehrerer verschiedener Endsequenzen einen durchaus hohen Wiederspielwert.

Alles braucht einen Anfang...

2006-07-08T14:03:00.000+02:00

...darum erkläre ich hiermit meinen Blog für eröffnet. Ich kann es gar nicht erwarten, die ersten Blog-Spams zu löschen, verklagt zu werden oder sonstige witzige Dinge zu erleben. In diesem Sinne: Los geht's.